Bytheway - Pedagogická fakulta MU - Masarykova univerzita

PROJEKTY, MYŠLENKY A KONCEPTY STUDENTŮ A ABSOLVENTŮ 

DOKTORSKÉHO STUDIJNÍHO PROGRAMU NA KATEDŘE 

VÝTVARNÉ VÝCHOVY PDF MU A ODBORNÝCH HOSTŮ 

PROJECTS, THOUGHTS AND CONCEPTS OF STUDENTS AND GRADUATES 

OF THE DOCTORAL DEGREE PROGRAMME AT DEPARTMENT OF ART OF FACULTY 

OF EDUCATION OF MASARYK UNIVERSITY AND SPECIALISED GUESTS 

MASARYKOVA UNIVERZITA | PEDAGOGICKÁ FAKULTA 

MASARYK UNIVERSITY | FACULTY OF EDUCATION 

BRNO 2009 

TEXTY_01_VESMIRY_finale.indd 1 30.3.2009 23:05:12

Editor: Mgr. Ludmila Fidlerová 

Ediční spolupráce: Mgr. et MgA. Barbora Svátková 

Recenzovali: Mgr. Jindřich Lukavský a Mgr. Jan Zálešák, Ph.D. 

Odborná garance: doc. PhDr. Jiří Havlíček a doc. PaedDr. Hana Babyrádová, Ph.D. 

Odborná spolupráce: Professor Kenneth G. Hay BA, MA, PhD, FRSA a Mgr. Martina Iblová, Ph.D. 

Spoluřešitelé projektu: Mgr. Lucie Bartoňková, Mgr. Kamila Gojná, 

MgA. Michaela Jezberová, Mgr. Michaela Mach, 

Mgr. et MgA. Zuzana Strakošová, Mgr. Marcela Zemanová 

Vydáno díky fakultnímu výzkumnému projektu MUNI/41/021/2008 fi nancovaném v roce 2008 

Pedagogickou fakultou Masarykovy univerzity 

http://www.bytheway.org.uk 

Copyright © Masarykova univerzita, 2009 

ISBN 978-80-210-4825-6 


a photo: Barbora Svátková 

všem dětem ve vesmíru 

aby je rodiče nechali být 

když si hrají 

aby je jenom jemně pozorovali 

a zjistili s čím si hrají 

a to aby jim potom tajně 

na všechna různá místa podsouvali 

Dan Bárta 

I VESMÍRŮM 

to UNIVERSES 


Y KENNETH G. HAY 

KENNETH G. HAY 

CREATIVITY, BY THE WAY... 

There are many prevalent myths about artistic creativity. 

Perhaps the most prevalent is the image of the isolated artistic 

genius, suffering for their art, misunderstood and undervalued 

by the society from which s/he springs, but more often than 

not, to which they are linked only tenuously. This mythical image 

fi rst appears in the Renaissance, if we are to believe Giorgio 

Vasari, with eccentric and troubled artistic personalities like 

Piero di Cosimo, hiding away from society, living off hard boiled 

eggs which were brought to him daily, because he was afraid 

of lighting a fi re; or Jacopo Pontormo, so paranoid about dust 

interfering with the glassy smoothness of his paintings that he 

would sit quite still until it had all settled before applying fresh 

varnish to his painting. Such images proliferate in Mannerism, 

where maniera, or refi ned style, celebrated and encouraged 

eccentricity, and continue through Romanticism, to the Modern 

period, where they reach their tragic apogee in Van Gogh. 

They are diffi cult images to shake off, and myths have a habit 

of lingering. But myths, as Roland Barthes observed, are useful 

ways of disguising half-truths, or even total fi ctions, as fact; 

and most myths are ideological – they present a partial view 

as a complete view. 

Contrary to the Romantic view of the isolated artist is another 

image, more accurate, because more complete. The artist as 

social animal, gregarious, surrounded by colleagues, models, 

critics, gallerists; discussing ideas with fellow artists, sitting 

in cafés, arguing over the newspapers, inventing Cubism, 

writing Manifestos, forming groups and movements. Very little 

art, in fact, has sprung, unbidden and spontaneous, from an 

isolated artist’s head. Most art comes from other art. Most of 

the inspiration to write a sonnet comes from reading and falling 

in love with the sonnet form as perfected by others. We learn 

what oil painting can do, and want to test its limits for ourselves, 

because we have see other paintings. The Italian philosopher 

Antonio Labriola called this cultural continuity an endless chain 

stretching back into the past and linking us and our ambitions 

with the aspirations of our antecedents, stretching out beyond 

their time. We pick up the echoes and the rumours of what has 

gone before, attune ourselves to hear it well, and then continue 

its song. 

Creativity, seen in this light is less mysteriously the creatio 

ex nihilo – the totally mystical and unprecedented introduction 

k.g.hay@leeds.ac.uk 

Kenneth G. Hay is Professor of Contemporary Art Practice, Head of the Department of Contemporary Art Practice 

within the School of Design and Deputy Head of the School of Design at the University of Leeds, UK. His digital, 

sound and other artworks have been exhibited most recently in Korea (Busan Biennale), Malta(2008), Tainan 

(2006), Venice Biennale (1996,2003), and the Czech Centre for Experimental Theatre (2003). His publications 

focus on issues of inter-semiotic translatability, modernist and postmodernist art theory, aesthetics and Italian art 

and culture. 

of something absolutely new into the world – as a process of 

absorption, transformation and recombination, albeit in a new 

way, of elements pre-existing in the work of others. It is a social 

process, which grows out of a specifi c context in time and 

space. It explores certain formal or ideological parameters 

already patent or latent in the work of precursors, within the 

context of a given social, geographic, temporal, historical, 

gendered etc. perspective, and comes up with a new amalgam. 

The impetus to this process is given by equally specifi c causes: 

market pressures, philosophical/legal/scientifi c/religious (in 

short superstructural) climate; geo-political zeitgeist etc., as 

much as it is driven by the power of individual artistic sensibility. 

This is not to undermine or underestimate the necessity and 

power of individual artistic sensibility. It is just to recognise the 

fact, rather than the myth, of artistic creation: that it occurs in 

and from a group, at a particular time and place, in a particular 

context, accompanied by discussion, critical analysis and 

input from others, for a given audience, in a particular social 

situation. 

One such context is the Ph.D programme at Masaryk 

University, Brno. Another is that existing in the School of Design 

at the University of Leeds. Yet another is the Cyprus School 

of Art, Lempa. All three locations are more than geographical 

signifi ers – the three contexts are linked in a complex web of 

overlapping personalities and histories: student exchanges, 

staff collaborations, research projects, exhibitions, discussion, 

cooking, friendships, publications and hospitality. The current 

project of staff and students from these institutes affords the 

opportunity to explore such notions of creativity together, 

to travel and discuss ideas, to exchange staff and students, 

histories and contexts, in an on-going and open series of 

collaborations, and via the web-site and publication, to extend 

the links of this endless chain outwards to the world. 

Here, I wish only to examine and critique, two contrasting 

views of the creative process, centring upon the most extreme 

example of artistic creativity: the notion of originality and artistic 

genius, within the context of Ph.D study: 

In science, a new contribution to human understanding can 

be pointed out with some clarity – a new equation, or a more 

elegant reformulation of an existing formula – can lead to 

quantifi able and demonstrably new knowledge. How then, do 

artworks operate? If we accept that artworks are intellectual 

and thereby ipso facto contribute to thought, how are we to 

judge them? And indeed, is judgment a relevant issue here? 

TEXTY_01_VESMIRY_finale.indd 5 30.3.2009 23:05:39 

5 P

It might be reasonably argued that an object/event is either an 

artwork or it is not, and that if the former, then this is suffi cient in 

itself. A new artwork has been added to the panoply of cultural 

goods and we should be grateful for this gift. Here, the question 

hinges on whether to admit or reject something or event to the 

category of Art. Once admitted, we might argue that all manner 

of categorical diversity can be tolerated under this rubric and 

there is no need of further judgment. But in the reality of arts 

funding and University assessment boards, the question would 

seem to be posed otherwise. Thus: Is the object/event under 

scrutiny better or worse than other objects/events purporting to 

be art, so that we can know whether to fund it/pass it or not? 

And here is where we hit the wall of subjectivity. One person’s 

groundbreaking artwork is another person’s unmade bed, and 

who are we or the funding bodies to disagree? 

Is the judgment of art then merely a matter of subjective 

taste or is the aesthetic experience in fact understandable as 

concrete knowledge? If the former, then there is little hope of 

resolution or purpose in the judgment of artworks. Each viewer 

remains locked in the subjective pleasures (or otherwise) of the 

text. If the latter, what are some of the methodologies by which 

this can be understood? 

Whilst not purporting to answer all of these questions, the 

following looks at four specifi c issues at the heart of Ph.Ds in 

Fine Art/Studio Practice, and argues for the full recognition of 

artwork-as-research: Firstly the problem of taste. Secondly, the 

nature of the aesthetic object. Thirdly the notion of appraising 

publics, and fourthly, the problem of originality. All four topics 

are at the heart of any fl exible conception of art practice as 

research. 

DEFINING TASTE 

As regards the agreeable every one concedes that his 

judgment, which he bases on a private feeling, and in 

which he declares that an object pleases him, is restricted 

merely to himself personally. Thus he does not take it 

amiss if, when he says that Canary-wine is agreeable, 

another corrects the expression and reminds him that he 

ought to say: It is agreeable to me. This applies not only 

to the taste of the tongue, the palate, and the throat, but 

to what may with any one be agreeable to eye or ear. 

A violet colour is to one soft and lovely, to another dull 

and faded. One man likes the tone of wind instruments, 

another prefers that of string instruments. To quarrel 

over such points with the idea of condemning another’s 

judgments as incorrect when it differs from our own, as if 

the opposition between the two judgments were logical, 

would be folly. With the agreeable, therefore, the axiom 

holds good: Every one has his own taste (that of sense). 

(Immanuel Kant, Critique of Judgment) 1 

If judging art works is like wine-tasting, we have to admit that 

it remains subjective and connoisseurial. As Kant suggests, 

there’s no arguing with taste, and if judgment (and thus 

funding) is dependent upon taste, then funding councils, critics 

and assessment exercises risk censure for being but tasteless 

1 Immanuel Kant, Critique of Judgement, (Translated with Analytical Indexes by 

James Creed Meredith), Oxford, Clarendon Press, 1992; Part 1. Critique of 

Aesthetic Judgement Book 1. Analytic of the Beautiful Second Moment. Of 

the Judgement of Taste: Moment of Quantity §7, pp. 51-52. 

P 6 

and alien pretenders to our sensitivities, trying to tell us what 

we should like and why. If, on the other hand, there is some 

rational basis for declaring that this object/activity is an artwork 

and as such contributes to knowledge in some way, whilst this 

other object/activity is/does not, then we have the basis for 

a rational defi nition of artist-as-researcher, and of art practice 

as legitimate research activity. 

One of the anomalies that Kant observes about the apparent 

subjectivity of taste is the degree of consensus that is however 

reached by a group of individuals (experts), who might all agree 

that some wine tastes better than others: 

Yet even in the case of the agreeable we fi nd that 

the estimates men form do betray a prevalent agreement 

among them, which leads to our crediting some with 

taste and denying it to others, and that too, not as an 

organic sense but as a critical faculty in respect of the 

agreeable generally. 2 

But this kind of consensual judgment may well be effective, 

pragmatically. Perhaps we have no other option but to come 

to an accommodation with our neighbour’s taste, ever hopeful 

that we might persuade him/her that ours is better. Inevitably, 

consensual judgment inhabits a different plane to the absolute 

basis for judgment which Kant is seeking – the cosy plane 

of human conviviality and sociability, rather than that which 

Clive Bell called, in his book Art, the cold white peaks of the 

absolute 3 . (A chilly landscape much sought after by idealists 

like Bell). 

For this absolute, Kant posits the Beautiful as that category 

which is extra-subjective, and therefore one in which the 

individual subject has no vested (or precisely only a disinterested) 

interest: 

For, since the delight is not based on any inclination 

of the Subject (or on any deliberate interest), but the 

Subject feels himself completely free in respect of the 

liking which he accords to the object, he can fi nd as 

reason for his delight no personal conditions to which his 

own subjective self might alone be party. Hence he must 

regard it as resting on what he may also presuppose in 

every other person; and therefore he must believe that 

he has reason for demanding a similar delight from every 

one. 4 

Because there is nothing obliging the subject to view the 

object in a particular fashion or to benefi t from it in any uniquely 

personal way, he/she is free to respond to it objectively, and 

thus to share in an extra-subjective consensual agreement 

with his/her peers. In this defi nition, both beauty and ugliness 

occupy the same consensual plane, because, for Kant, Taste is, 

the faculty of estimating an object or mode of representation 

by means of delight or aversion apart from any interest. The 

object of such a delight is called beautiful. Both beauty and its 

opposite depend upon the same discriminating faculty. 

2 Ibid., p.52. 

3 Clive Bell, Art, London, 1914, reprinted, Oxford University Press, 1987 

INTRO 

4 Ibid., pp.50-51. O 


O INTRO 


DEFINING THE AESTHETIC 

Although consensual judgment may facilitate the differentiation 

of contemplative objects which are beautiful from those which 

are ugly, it proves more complex to defi ne the beautiful in itself. 

Kant gives three inter-related defi nitions of the Beautiful in 

the Second, Third and Fourth Moments of his Critique. In the 

Second, the beautiful is defi ned as: ...that which, apart from 

a concept, pleases universally. 5 

In the context of appraising fi ne art doctorates, we will use 

the term the aesthetic as a more acceptable, replacement for 

the term Beauty, within the particular dynamic of its reception 

by an appraising public, as discussed by Mary A. McCloskey, 

James O. Young, Timothy Gould and Ted Cohen. 

Under this aspect, for a thing (object or mode of 

representation) to be classifi ed as Beautiful, it must be 

universally accepted as such; Moreover, unlike the objects or 

modes of Pure Reason, which Kant dealt with in his previous 

Critique, it must do this without having recourse to conceptual 

thinking, but must instead, communicate itself to our judgment 

through some other kind of (pre- or non-conceptual) mechanism. 

Kant, here, is defending not only the right but the necessity 

of some (agreeable or beautiful) things (including art-objects) 

to appeal directly to our judgment without the mediation of 

discourse (verbal, logical, conceptual etc.). In this they are 

distinct from and outside of ethical judgments, which must still 

rely upon a conceptual framework. 

In respect of the good, it is true that judgments also 

rightly assert a claim to validity for every one; but the 

good is only represented as an Object of a universal 

delight by means of a concept, which is the case neither 

with the agreeable nor the beautiful. 6 

As Mary A. McCloskey observes: whereas, 

...with pleasure in the good, universality is thought 

to be based upon a concept and necessitation upon 

a formulable rule; with pleasure in the beautiful, despite 

the fact that there is a comparable universality and 

necessitation, there is no concept and no formulable 

rule. 7 

In other words, it seems that we cannot arrive at an objective 

basis for the beautiful and the agreeable in the way that we can 

insist upon the objective necessity of morals. Does this mean, 

however, that the former remain arbitrary? 

In the Third Moment, Kant identifi es Beauty as the Form of 

Finality in an object, so far as perceived in it apart from the 

representation of an end 8 And in the Fourth Moment, Beauty 

is ...that which, apart from a concept, is cognized as object of 

a necessary delight. 9 

Here, Beauty is the result of a particular organisation of 

constitutive elements in the object or mode of representation 

which attains to a quality of fi nality (end), in the sense of fi tness 

for purpose, which purpose is to elicit the harmonious free play 

of the cognitive faculties. Whether or not a given form is or is 

5 I. Kant, The Critique of Judgement, op.cit, Second Moment, §9, p.60. 

6 Ibid., §7, p. 53. 

7 Mary A. McCloskey, Kant’s Aesthetic. London, MacMillan Press, 19.. 

8 I. Kant, op. cit, §17, p.80. 

9 Ibid., §22, p. 85. 

not fi nal for perception cannot be determined by the application 

of a concept, but can only be intuited or felt. This argument 

is the commonest ground of formalist (or idealist) criticism of 

whatever kind, and simultaneously, its fatal fl aw. 10 

The major attribute of the Beautiful (which Kant defi nes 

as the representation to the judging subject by way of the 

imagination) is that it is linked to the Good – it calls forth 

a desire in us, because desiring the Good is the categorical 

imperative – it is that absolute which we are driven to desire 

absolutely, (ie with dis-interest). We are hungry (or thirsty) for 

the truth. The Good, because desired by everyone, is similar or 

parallel to the Beautiful, except that it is based upon a concept 

where the Beautiful is not. How, though, can the judgment 

of taste attain to the quality of an absolute, if it is still based 

upon the particular presentation of an Object to a Subject’s 

perception. Its apparent universality cannot spring directly from 

concepts because, 

...from concepts, there is no transition to the feeling of 

pleasure or displeasure but they must instead, ...involve 

a claim to validity for all men, and must do so apart 

from universality attached to Objects i.e. there must be 

coupled with it a claim to subjective universality. 11 

The Beautiful must therefore be based upon the curious 

principle of subjective universality. Since, for Kant, only those 

judgments which are based upon a-priori categories can be 

objective, the judgment of the beautiful cannot be deemed 

objective unless there exists something resembling a concept 

which operates, in the case of judgments about the beautiful, 

as simultaneously public (extra-subjective), regulative and 

worthwhile in itself. For Kant this is the Form of Finality. 

Beauty is the Form of Finality in an object, so far as 

perceived in it apart from the representation of an end. 12 

As Wittgenstein was to argue subsequently, Kant argues 

that individual perceptions cannot be used as the basis of 

objective judgments because there is no guarantee that anyone 

else shares one’s own intuitions of sense-data. Sensation, then 

cannot be used as the defi ning principle of aesthetic judgment. 

For Kant, only the form (as distinct from the matter) of sensations 

can fulfi ll this rôle. In attempting to defi ne the characteristics of 

such an aesthetic form, Kant proposes two inter-related views: 

the form is fi nal in the sense that it is the conclusion of its 

potential – it has achieved a state of fi nality appropriate to its 

own perceptual end; and secondly, it gives rise or occasions the 

free play of the cognitive faculties – its end is to stimulate the 

faculties of imagination and understanding in an harmonious, 

free, play. An aesthetic form, so defi ned, is valuable in itself and 

does not need any further justifi cation. It exists as an absolute 

for the contemplation of the thinking subject and need follow no 

other rule than that it be fi nal for perception. 

What this means is that there can be no a-priori formulae 

whereby one form or another can be prejudged to guarantee 

Beauty – only in the realisation of its own fi nality for perception 

can an object attain this state. 

10 Cf K. G. Hay, Della Volpe’s Critique of Romantic Aesthetics, Parallax, Vol 1, 

Leeds, 1996, 0pp. 181-90. 

11 I. Kant, op.cit., p.51. 

12 Ibid., §17, p.80 


7 P

In forming an estimate of Objects merely from 

concepts, all representation of beauty goes by the board. 

There can, therefore, be no rule according to which any 

one is to be compelled to recognise anything as beautiful. 

Whether a dress, a house, or a fl ower is beautiful 

is a matter upon which one declines to allow one’s 

judgment to be swayed by any reasons or principles. We 

want to get a look at the object with our own eyes, just 

as if our delight depended on sensation. 13 

Kant avoids the easy categorisation of things beautiful or 

not. Instead, the individual subject must experiment with the 

form presented for perception to see if it fulfi ls the function of 

Beauty through the stimulation of the understanding and the 

imagination. 

In normal perception, Kant argues, we utilise three cognitive 

powers: sensibility, imagination and understanding. Of these, the 

fi rst is passive because it merely responds to stimuli, whereas 

the other two are active in that they involve the mind in ordering, 

analysing and synthesising these stimuli or intuititions. 

For an object of perception to achieve the status of being 

an end for perception it has to be conceived, intended and 

purposefully composed to that end. Insofar as there can be no 

pre-conceived rules determining its form or guaranteeing its 

success, the object depends upon the imagination and skill of 

its creator to attain this end. 

DEFINING ARTWORLDS 

What is useful in Kant’s distinction between the subjectivity of 

taste and the objectivity of the beautiful, is the realisation that 

no objective judgement about something, be it a Beaujolais 

or a Bonnard, is possible unless there can be found a set of 

consensual criteria within an appraising community. Logically, 

there can and do exist many appraising communities – those 

of philosophers, fellow artists, critics, funding and assessment 

boards, being just some examples mentioned above. We 

might want to think of these appraising communities as types 

of artworld, and their judgments concerning art, attempts to 

include or exclude certain artefacts or actions from the category 

Art, or put another way, to confer or deny arthood upon these 

artefacts or actions. 

James O. Young argues that if arthood is relative to an 

audience, then different artworlds may disagree about the 

conferring of arthood to a particular object or practice: 

I am a member of an art world which accepts that all 

works of art have cognitive value. Consequently, I can 

consistently hold that arthood is a perspectival property 

and that all artworks have cognitive value. 14 

Seen in this light, appraising art practice at PhD level should 

prove no more problematic than appraising art practice at 

Masters or Bachelor level. We already do this, and we already 

constitute appraising publics, with a set of consensual appraisal 

criteria. But the fact or practice of appraisal does not address 

the problem of originality required for a Doctorate, and thus of 

the specifi cally cognitive aspect of art as research, precisely, 

13 Ibid., §8, p.56. 

14 James O. Young, Art and Knowledge, Routledge, London and NY, 2001, p.4. 

P 8 

as Kant has pointed out, because there can be no a-priori way 

to determine how the cognitive component of original thought 

might be constituted. 

Young argues for the cognitive value of artworks and the 

relativity of multiple artworlds which form appraising publics. 

Appraisal is not problematic within a given art-world because 

the criteria of assessment previously agreed upon by that artworld 

can be appropriately applied. Thus a modernist-oriented 

art school will recognise modernist-oriented artworks, but not 

necessarily post-modernist oriented artworks and vice versa. 

A problem might ensue in the broader arena where comparability 

is sought across different (and perhaps contradictory) artworlds. 

Whilst his arguments here are useful, his failure to 

accommodate most modernist and avant-garde art into his 

defi nition (of cognitive art) seriously undermines the credibility 

of his aesthetic judgment. This does not however negate the 

usefulness of his categorization. Precisely, he falls victim to 

what both Kant and Wordsworth observed as the paradox 

of originality. The diffi culty of identifying and subsequently 

appreciating new knowledge, precisely because of its 

newness. This is perhaps the fundamental problem for wouldbe 

assessors of Doctorates in art practice. If the full cognitive 

potential of artworks-as-research is to be realised, it has to be 

recognized, in the act of appraisal, that their epistemological 

contribution lies within the work itself rather than the box which 

contains the thesis or written commentary. 

THINKING OUTSIDE THE BOX: DEFINING ORIGINALITY 

One of the defi ning characteristics of a Ph.D in any subject 

is that it include original research material. To the Romantic 

sensibility, which both Kant and Wordsworth helped form, 

originality would have been defi ned by a now outmoded and 

often overused word – genius. Timothy Gould argues that 

although Wordsworth denied direct knowledge of Kant’s 

Critique, there is nevertheless signifi cant common ground to 

argue that they shared similar views on the nature of genius 

and its reception. Signifi cant parallels exist between Kant, 

who argued that: Genius is the innate mental disposition 

(ingenium) through which nature gives the rule to art, and fi ne 

art is only possible as a product of genius, and Wordsworth, 

who declared: 

Of genius, the only proof is, the act of doing well 

what is worthy to be done, and what was never done 

before: of genius, in the fi ne arts the only infallible sign 

is the widening of the sphere of human sensibility, for 

the delight, honour and benefi t of human nature. Genius 

is the introduction of a new element into the intellectual 

universe: or if that not be allowed, it is the application of 

powers to objects on which they had not before been 

exercised, or the employment of them in such a manner 

as to produce effects hitherto unknown. 15 

Whether we use genius in its Romantic sense, or originality 

in the modern sense, the concept’s application to artworks is 

however, especially problematic, particularly for the audience. 

How so? Timothy Gould explains: …the diffi culties for any 

15 William Wordsworth, Poetical Works, Oxford University Press, 1936, 1966, 

p.750. O INTRO 


O INTRO 


audience or in any mode of reception (as I shall call it) that 

fi nds itself presented with works of originality occur because: 

We are to think of the products of genius and 

originality as something that makes sense in a new way, 

or simply as making new sense. The relation of originality 

to its audience is to be investigated as the relation of 

the capacity for making new sense to the capacity for 

following such sense. 16 

Insofar as artists-as-researchers invent new types of 

knowledge, never seen before, they hit upon a paradox: For 

their creations to be considered art by their audience, they have 

to conform to certain pre-agreed (a priori) criteria. Insofar as 

their creations are genuinely new (and therefore not previously 

conceptualised) they become more or less unintelligible (as art) 

to that audience. 

Likewise for Kant, originality was the primary property of 

genius; totally opposed to the spirit of imitation. Genius is seen 

as an intervention by Nature into human affairs. It starts or exists 

outside of our daily life, which for Kant is bound up with and 

structured by rules. Genius is thus the way to a new rule. 

It may be seen that genius is a talent for producing 

that which no defi nite rule can be given: and not an 

aptitude in the way of cleverness for what can be learned 

according to some rule; and consequently, originality 

must be its primary property. 

One of the issues confronting all art publics, including 

appraising bodies and research boards, is how to distinguish 

between genuinely innovative art (which contributes to 

knowledge) and nonsense (which does not). As Kant says: 

Since there may also be original nonsense, its products 

must at the same time be models; i.e. be exemplary; 

and consequently, though not themselves derived from 

imitation; they must serve that purpose for others, i.e. as 

a standard rule of estimating. 17 

Works of genius/originality serve both to break existing rules, 

and to constitute new rules through which art (and knowledge) 

advances. Originality in art is then, by its nature, thinking outside 

the box into which convention or tradition tries to place it. 

A further paradox which Kant observes follows from the 

observation that products of genius are fi rst and foremost 

original. Genius is diametrically opposed to imitation, and yet, 

for its products to be accepted as art, they must serve as the 

standard for new types of imitation. 

Ted Cohen reminds us that this quality of saying something 

truly new by utilising the existing is one of the defi ning 

characteristics of metaphor: 

Seen in this way, a metaphor may be the best 

available example of what Kant called products of 

genius – Genius, according to Kant, is the capacity to 

produce things which are ‘original’ and hence things 

16 Timothy Gould, The Audience of originality: Kant and Wordsworth on the 

reception of Genius’, in Essays in Kant’s Aesthetics, ed. Ted Cohen & Paul 

Guyer, University of Chicago Press, Chicago & London, 1982, 85, (pp.179- 

193), p. 180. 

17 I. Kant, op.cit., §46, sections 307-8, pp. 168-9. 

which cannot be made sense of by means of any rules 

of explication, but which nevertheless do make sense 18 

(a new sense). 

Works of genius make (new) sense; but because this sense 

is new, its audience has not (yet) been able to understand it 

(using the old rules). 

On this account, the connection between the work 

and its reception by others is at least as intimate and as 

hard to elucidate as the connection between somebody’s 

making sense and somebody’s following it. 19 

Precisely herein lies the value and the risk that mark the 

possibility of original work. 

The thirst which inspired our wine-taster above, engenders 

what Dennett has termed an epistemic hunger for a conceptual 

basis of aesthetic judgment, and it may well be that the object 

of our hunger is, for now, unpalatable to us, because it is in 

process of redefi ning our taste. 

The effort to go beyond the existing rules and produce 

something which cannot be made sense of by the old 

rules, still presents itself as making sense. 20 

This is received initially as an affront to our ordinary capacities 

for sense, but it obliges us to expand these to accommodate 

the new knowledge which it brings. 

On this showing the product of genius…is an example, 

not for imitation (for tha3t would mean the loss of the 

element of genius and just the very soul of the work) but 

to be followed by another genius – one whom it arouses 

to a sense of his own originality in putting freedom from 

the constraint of rules so into force in his art, that for art 

itself a new rule is won – which is what shows a talent 

to be exemplary. 21 

It is, I would argue, precisely this delivery of the apparently 

unpalatable to our (perhaps jaded) sensibilities which prevents 

our taste from reifying. Herein lies the value of studio practice-as 

research: by obliging us to think outside the box, our knowledge 

is expanded and, by the way, our cultural life is reanimated. 

18 Ted Cohen, Figurative Speech and Figurative Acts, in Journal of Philosophy, 

79, no. 19, November 6, 1975; p. 671. 

19 Timothy Gould, op.cit., p. 184. 

20 Ibid., p. 186. 

21 Kant, op.cit. §49, section 318. 


9 P

LUDMILA FIDLEROVÁ 

PŘEDZNAMENÁNÍ 

Li refl ect the order and pattern in Nature... but it is 

not pattern thought of as something dead, like a mosaic: 

it is dynamic pattern as embodied in all things living; and 

in human relationships, and in the highest human values. 

Joseph Needham 

Stačilo by vynechat několik srdečních tepů nebo nádechů a životní 

pohyb ustává. Vše je v pohybu, a toto proudění je hybnou 

silou všeho. Následující obrazově textová kolekce odráží onen 

pohyb svým leitmotivem mimochodem, jehož prostřednictvím 

zachycuje aktuální výstupy nepřetržitého vnitřního děje poznání 

v podobě nepatrných úvah stejně jako realizovaných projektů. 

Často se skryté záměry nebo i hlavní důvody toho, proč tvoříme, 

projeví v jediném podotknutí; toto mimochodem najednou 

osvětlí kontinuitu projevu a dává pochopit celý osobní vesmír 

člověka a jeho tvorby. 

Zachytit běh, který oživuje a nese vývoj tvůrčího poznávání, je 

nepodobné snaze zachytit proud řeky, jejíž břehy jsou víceméně 

dány, voda však přitéká stále nová a z podstaty svého charakteru 

bude vždy plynout dál. Kam dohlédneme, spatříme tento pohyb, 

v nás i mezi planetami (v mikrokosmu i makrokosmu). Umělecká 

tvorba jej umí ukládat, sama je touž silou, hýbající tvůrčím 

člověkem. Konkrétní naplnění univerzální schopnosti tvořivé síly 

nabývající podoby uměleckého aktu/artefaktu předkládá tato 

monografi e ve volně komponovaných příspěvcích pedagogů, 

studentů a odborníků z oblasti výtvarného umění i jiných oblastí 

přesahujících svým záběrem do výtvarné kultury. Sílu tohoto pohybu 

obsáhla poznámka pod čarou malířky a muzejní animátorky 

Barbory Svátkové, připsaná k tomuto předznamenání: 

Obrazy visí v muzeích a nevím, jestli někdo přemýšlí, že malíř 

nechtěl udělat obraz, ale obraz se udělal sám, protože ruka 

malířova byla tažena, protože mu třeba tekly slzy nebo něco 

jiného... Jsme na cestě jako s tou drožkou Rasvádu. 

Příspěvky v monografi i, podobně jako u první společné publikace 

našeho autorského kolektivu, bylo vhodné rozčlenit do 

tří oddílů. Předcházející kniha S lehoulinkou (MU, Brno 2005), 

která seznamovala s výtvarnými vyjadřovacími prostředky, vyšla 

z trojdělení Okem, Rukou, Tělem a duchem, a také tato publikace 

člení své texty v obdobném smyslu do tří oddílů – Vesmí- 

P 10 

Je doktorandkou doc. PaedDr. Hany Babyrádové, Ph.D. na KVV PdF MU. Dokončuje disertační práci s názvem 

Výchova uměním jako tvůrčí způsob poznávání. Percepce Imaginace Kreativita jako mody Transcendence. 

rům, Sadům a Tvorům. I mezi tímto edičním mimochodem pak 

nalézáme určitou paralelu z hlediska nedozírnosti spatřování, 

tvořivého dotýkání a naplňovaného bytí. 

Pokračování koncepce S lehoulinkou zde nabývá podoby, 

kterou lze označit pojmem nekonkrétní didaktika, jež nabízí 

inspiraci prostřednictvím individuální tvorby současných výtvarných 

pedagogů, studentů, tvůrců a spřízněných odborníků. 

Publikace, kterou otevíráte, zároveň staví na průzračnosti 

umělecké transcendence, neboť to, co víme, se hodnotí jen 

těžko; to, co umíme, je však vidět ihned. 

Záměrem této knihy je tak zachytit ve zlomcích odraz celku 

plynoucího osobního poznání. Nastíněné tvůrčí procesy samy 

o sobě tak vnímáme jako procesy výchovně vzdělávací – toho 

druhu vzdělání, jež je slovy Václava Cílka zkušeností, která impregnuje 

osobnost. 1 

První část věnovaná Vesmírům otevírá průhledy do vnitřních 

krajin svých tvůrců. Po tomto mostě do individuální roviny ducha 

přecházejí umělci poněkud častěji, jistějším krokem, a daleko 

umněji odtud vynášejí zkušenost zachycovanou vlastním dílem. 

Oddíl Sadům je zasvěcen autorům, pod jejichž rukama vyrůstá 

dílo ne nepodobné zahradě, biotop, v němž jejich tvorba 

nalézá funkční místo a začasté překračuje osobní obzor autorova 

života a vbíhá do dalších jako doklad této transcendentní 

funkčnosti. 

Třetí okruh je věnován Tvorům, lidem, kteří se dotýkají srdcí 

druhých lidí tak, jako se svojí tvorbou dotýkají světa. Metaforickou 

domovinu otevírají každému příchozímu, který s nimi 

nachází společný jazyk a k řemeslu či teorii osobitě přivtělují 

poznávání onoho způsobu bytí tvůrcem. 

Po stopách těchto tvořivých a vzdělávacích procesů se vydávejme 

v duchu Pravidla vanutí, jednoho z Poutníkových pravidel 

Václava Cílka: 

Duch vane, kam chce, ale někam chce víc. Málokdy vnímá 

duše v nás přímo duši okolo nás. Nejsme andělé, potřebujeme 

hmotného prostředníka – místo či předmět. Patří jim úcta, ale 

ještě větší tomu, kdo jimi hýbá. 2 

1 Cílek, V.: Dýchat s ptáky. Praha 2008, s. 202. 

2 Ibid s. 214 

* 25. 7. 1979 Brno 

tokio@centrum.cz 


O INTRO

O INTRO 

Y LUDMILA FIDLEROVÁ 

PREFACE 

Li refl ect the order and pattern in Nature... but it is 

not pattern thought of as something dead, like a mosaic: 

it is dynamic pattern as embodied in all things living; and 

in human relationships, and in the highest human values. 

Joseph Needham 

It`s to be done as little as to leave out a few heartbeats or 

breathes and the movement of life ceases. Everything is in 

motion and this fl ow constitutes a driving force of existence. 

Following composition of pictures and texts refl ects such 

a motion by its leitmotiv by the way, through which captures 

the current outputs of continuous inner process of cognition in 

the form of short essays, as like as the projects already been 

realized. 

The undercover objects or even main reasons of our 

creativity are often displayed in just one remark and suddenly 

enlights the continuity of one`s demonstration and leaving the 

whole personal universe of an individual and his creativity wide 

open for understanding. 

Capturing of the streaming which invigorates and carries 

out development of creative cognizing is quite similar to the 

endeavour of capturing of a river`s fl ow, whose shores are 

relatively designated, but water keeps fl owing in again and again 

and regarding its very purpose will be still tiding past. As far as 

we can see, we can spot this motion-inside ourselves, among 

planets (either of microcosms or macrocosms). Creativity of 

art is capable to inlay it and simultaneously represents such 

a power which moves a creative man. The particular fulfi lment 

of universal potentiality of creative force earning the form of 

an artistic act/artefact is exposed within loosely composed 

contributions of pedagogues, students, specialists on creative 

art and even other areas transcending its impact into the culture 

of art. The force of such a movement is depicted in the note 

beyond the line written by paintress and museum animation 

maker Barbora Svatkova, added after she has read this 

preface: 

Paintings have been hanged in museums but I am not sure 

whether anyone has ever refl ected the painter did not wish to 

create a piece of art, but the painter`s hand itself was being led 

maybe because of his fl owing tears or something else... We 

are on our way like Rasvad`s fi acre. 

The articles in this monograph are categorized into three 

parts, as it was done in case of the fi rst publication of this team 

of authors. Previous book With the Liteline (Masaryk University 

2005, Brno, Czech Republic) getting the public acquainted 

with the expressive means of creative art was based on triform 

division into parts called Okem (With the eye), Rukou (By 

the hand) and Tělem i duchem (By body and soul) and even 

this book follows similar structuring; its three parts are called 

Vesmírum (to the Universes) Sadům (to the Orchards) and 

Tvorům (to the Creatures). Between this editor’s by the way 

we can fi nd certain parallel in terms of an immense process of 

beholding, creative osculating and existential fulfi lment. 

The continuation of the concept drawn out in With the 

Liteline is here shaped into the image which can be referred 

to as inconcrete didactics. This offers an inspiration through 

the individual creation of contemporary creative art teachers, 

students, authors and akin specialists. 

The publication you ‘re just about to open also bases itself 

upon brightness of an artistic transcendence, as all we know is 

not easy to judge but what we can see is visible instantly. 

The main objective of this book is to capture refl ection of 

the whole passing of personal knowledge in fragments. We 

consider these sketched creative processes themselves 

as upbringing educational procedures- of such education 

which according to Václav Cílek embodies an experience 

impregnating a personality. 

First part dedicated to the Universes sets the view – through 

open to view the inner sceneries of their authors. Artists pass 

through this bridge leading into an individual level of spirit more 

often, at safer pace and lift out the experience picked up by 

their production more skilfully. 

The section to the Orchards is dedicated to the authors whose 

hands plant a creation not dissimilar to a garden, a biotope, in 

which their creation positions itself to the purposeful place and 

oftimes transcends the horizon of author`s private life and runs 

into the others` as a proof of this transcendental functionality. 

The third area is devoted to the Creatures – people who 

touch the other people`s hearts in the same way their creativity 

touches the world. They open the metaphorical homeland wide 

to every incomer who fi nds the common ground with them, and 

specifi cally incorporate the knowledge of that modality of being 

a creator to any craft or theory. 

Follow the traces of these creative and educational processes 

in the spirit of The Rules of Breezing, (one of The Pilgrim`s 

Memories in line with Václav Cílek): A spirit blows wherever it 

wants to but there are certain places which prefers. The inner 

soul rarely perceives the outer soul. We are not the angels and 

need a substantial mediator – either a place or a subject. They 

deserve our honour, but even more regard belongs to those 

who manage to move them. 

11 P 


JIR ˇÍ HAVLÍČEK 

…MIMOCHODEM DVĚ LETMÉ VZPOMÍNKY K VLASTNÍ TVORBĚ… 

a Blázen 

P 12 

* 14. 4. 1946 Brno 

havlicek@ped.muni.cz 

Výtvarník a teoretik umění. Působí na Katedře výtvarné výchovy Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity. Koncem 

šedesátých let vystudoval dějiny výtvarného umění a získal doktorát fi losofi e. Gnose, kabala a různá heretická 

hnutí pozdního středověku se staly inspiračním zdrojem jeho grafi cké tvorby. Tvůrčí proces chápe jako laboratorní 

činnost. Umělec se stává demiurgem – obnovitelem procesu přírodního tvoření. V jeho práci znovu ožívá klíčový 

problém renesanční přírodní fi lozofi e: proměna hmoty jako výraz jejího obrození, proměna jedné věci v druhou. 

EXALTATIO MATERIAE PRIMAE je pro Havlíčka rozpouštěním katedrály symbolů, travestií a paradigmat. V duchu 

postmodernistické estetiky vytváří hybridní díla. Barbarsky spojuje klasický lept a akvatintu s iluminací, slepotiskem 

a knihařskými zásahy (zlacení, emaily). Kresbu tuší kombinuje s litografi í a malbou. 

College lecturer at the Department of Art Education of the Faculty of Education. His seminars and lectures on the 

subject – The Development of Art Culture – are aimed at artistic, historical, aesthetic, psychological, anthropological 

and philosophical issues of art development in Czech and Central European culture and subsequently in the 

cultures of the whole world. The artist understands the creative process as a laboratory activity. The artist becomes 

a craftsman – an innovator of the process of nature creativity. In his work the key problem of the Renaissance 

natural philosophy returns again: the transformation of matter as an expression of one thing into another. 

EXALTATIO MATERIAE PRIMAE is for Havlíček melting of a cathedral of symbols, travesties and paradigms. In 

the sense of postmodern aesthetics Havlíček creates the hybrid works of art. In a barbarous way he combines the 

classical etching and the aquatint with the illumination, the intaglio and the bookbinder‘s work (gilding, enamels). 

He combines the ink drawing with the lithographic print and the painting. 

Neustálé faustovské hledání je hnací silou Havlíčkovy tvorby. Svou symbolikou a rafi novaným artismem vyrůstá 

z odkazu minulosti i z racionální technické civilizace přítomnosti a budoucnosti. Je osobitým a nezaměnitelným 

příspěvkem do proudu českého fantaskního umění. 

(PhDr. Jiřina Hocke) 

Tam někde mimo svět lidí jiná jsou nebesa a jiná zem 

( Li Po, V horách – Otázka a odpověď) 

První vzpomínka Mimochodníkova z dětství mne vede do 

hloubi předškolního věku... 

Tehdy ve věku kolem čtvrtého a pátého roku mne fascinovala 

čarodějná schopnost dospělých, kteří ovládali zázrak: ze 

změti pro mne naprosto nepochopitelných klikyháků a stigmat, 

hemžících se černě na bělostném pozadí stránek knihy nebo 

rozlehlé plachty novin – luštit a do souvislého vyprávění v mluvené 

řeči, tlumočit příběhy a události skutečné či neskutečné. 

To umění jsem jim tiše upřímně záviděl a obdivoval je takřka 

jako kouzelníky a mocné mágy. 

Vskutku nepřeháním, neboť jsem je považoval za velmi mocné, 

když jsem bezmocně žadonil, aby mi něco přečetli z těch pro 

mne nepochopitelných notací. 

Vyprávěli plynule a živě, vlastně dnes vím, že jen četli, co bylo 

dáno a psáno, hráli jako obratní virtuózové podle notového záznamu, 

ale jejich interpretace mne naplňovala němým úžasem 

a obdivem, byť vyprávění netvořili oni sami, ale jen přednášeli 

podle záznamu. 

Když jsem trpce nahlas litoval, že něco tak nedostupného 

a zázračného neovládám, usmívali se shovívavě, utěšovali mne 

a slibovali mi, že za nedlouhý čas se tomuto umění oživovat znaky 

všemocného písma naučím i já. 

Já a můj o dva roky mladší bratr jsme si zatím prohlíželi obrazové 

ilustrace v pohádkových knížkách. 


I VESMÍRŮM / to UNIVERSES

Y JIŘÍ HAVLÍČEK 

a Poslední večeře 

Trochu bezmocně jsme se je snažili napodobit a interpretovat 

a mnoho pěkných knih poničili čmáráním do nich. 

Zamyslím-li se nad tím, co vlastně ta změť čárů márů a kliky 

háků měla představovat, řekl bych dnes, že cosi mezi sněním 

a zkušeností reality, přesněji mezi obrázkovým písmem a psanými 

obrázky. To je však málo, protože to bylo dětské kouzlení: 

byli jsme současně básníky, spisovateli, malíři, avšak hlavně 

barbarskými čaroději, šamany mimo svět dospělých a ten svět 

jsme toužili pochopit a uchopit, což tak trochu znamenalo ničit 

jej probouráváním se do něj mimo brány institucionalizované 

výchovy a výuky. Trochu předčasně, ale zato s chutí malých 

běsnících vandalů... 

Čárali jsme mocnými vzmachy přes ty nerozluštitelné černé 

texty, asi tak jako sotva opeřené ptáče cvičí svá zakrnělá křidélka 

a učí se létat, předtím, než opustí rodné hnízdo a vznese 

se do volného prostoru. Jsem dnes své zesnulé matce vděčen, 

že nám toto barbarství trpěla, i když na ničení si stěžovala. Dík 

její toleranci jsem si oblíbil kreslení a i přes nevůli mých učitelů 

– později ve škole – kreslil ve výuce různých předmětů na každý 

malý kousek papíru, co mi přišel pod ruku, takže jsem často 

nosil domů v žákovské knížce poznámky druhu – je soustavně 

nepozorný, čmárá si... 

Učil jsem se vlastně, jak si teprve dnes plně uvědomuji, 

pro mne prvotnímu a základnímu umění: nikoliv jak tvořit slova 

v mateřském či jiném naučeném jazyce, ale jak vtělovat myš- 

lenky a představy jako jakési hologramy do obrazů celostního 

charakteru, do mentálních plánů zachycujících procházení 

tajuplným labyrintem imaginace bez Ariadnina vlákna jazyka 

a řeči. 

Byly to vždy němé hry, a pokud k nim patřila slova – pak 

jenom jako vzdálené stíny ztrácející se ve třpytu linií a barevných 

interpolací... 

Obrazy pro mne vždy byly prvotní, tak jako pro jiné jsou prvotní 

slova, i když tomu příliš nevěřím a nemyslím, že intelekt je 

ovládán bičem rozumu a kavalkádami slov... 

Slova jsou mi hudbou vyluzovanou smyčcem představivosti 

na strunách vzpomínek, letmých obrazů a doteků na nich ulpívajících. 

Proto se instinktivně a intuitivně přikláním k onomu pro mne 

vskutku vědeckému tvůrčímu pojetí, které není jen papouškováním 

naučených sekvencí, ale experimentováním s mentálními 

konstrukty a skladbami, postupem mnohem bližším poetice 

hudby nežli suchopýru exaktně se tvářících popisů, hemžících 

se číslicemi a logickými abstrakty. Přiznávám sice i oněm jejich 

mohutnou informační hodnotu, nepatřím však k jejich obdivovatelům 

a uctívačům a nelituji toho. Proč? 

Nejsem tvůrčím matematickým géniem, ani hudebním skladatelem, 

neosvojil jsem si taje univerzální matematické komunikace 

v její vskutku špičkové kreativní podobě, ale zato se mi 

již v raném školním věku dostalo jiného poněkud trpkého poučení... 

13 P 


a Jan z Kříže 

My cherubíny tajemně představujeme – mysteriózně symbolizujeme 

– a životadárné Trojici třísvatou píseň zpíváme, odložme nyní veškeré 

světské starosti – dosvědčujme tady uchvátanost světa. 

Hymnus nad slovem Člověka z ortodoxní liturgie (parafráze) 

V onom zmiňovaném předškolním věku jsem si totiž často 

prohlížel celostránkové barevné ilustrace od Arthura Scheinera 

v pohádkových knížkách mých i v mnohem bohatších knihovnách 

mých přátel ze zámožnějších měšťanských rodin. 

Seděl jsem při tom často celé hodiny osaměle na koberci 

a rozevřené knihy byly rozloženy všude kolem. Písmu jsem sice 

zhola nerozuměl, zato jsem tehdy vládl jinou schopností. 

Byl jsem jako uhranut, zcela uchvácen názorností a přesností 

těch pohádkových obrázků neskutečných světů. Mnohem později 

mi bylo sděleno, že jde o iluzivní dvojrozměrná zobrazení, – 

tehdy však byl pro mou vzrušenou dětskou představivost každý 

ten obraz branou a klíčem k netušeným světům... 

Uměl jsem zcela bez potíží do nich doslova vstupovat, pohybovat 

se suverénně uvnitř každého zobrazení, obcházet předměty 

a bytosti v nich malířem znázorněné a neuvěřitelný zázrak 

– procházet jimi jako trojrozměrnými kulisami po cestách vinoucích 

se tajuplnými tmavými lesy, přes modravé hory do stinných 

údolí, ke vzdáleným loukám zalitým slunečním či měsíčním 

svitem. Putoval jsem kolem potůčků a hlaholících bystřin, řek 

a jezer k chaloupkám, vesnicím, městům a hradům v nedozírné 

dáli... a víly, skřítci, hastrmani, ohniváci,obři a čarodějnice, rytíři 

i andělé, lidé dobří i špatní, démoni i spasitelé – vtančili tam se 

mnou v nekončícím chorovodu za švitoření a zpěvu tisícerého 

P 14 

pestrobarevného ptactva. Rozuměl jsem řeči zvířat a moudře jí 

s nimi promlouval v tajemných zákoutích pohádek, bájí a mýtů... 

To nebyla poetika fantazie, jak bych si rád dnes vysvětlil, ale 

neuvěřitelná schopnost pohybu v paralelních světech, reálnějších 

nežli ten, v němž jsem jako dítě za oněch časů byl a žil. 

Ocital jsem se totiž nikoliv v trojrozměrných statických iluzích, 

ale v mnohorozměrných příbězích souběžných světů. Ten náš 

byl vskutku jen jedním z mnoha jiných. 

Záhy po vstupu do školních lavic jsem však seznal, čím zaplatím... 

Tato neuvěřitelná schopnost byla organicky a logicky spojena 

s tím, že jsem neuměl číst psané texty. 

Pohádky mi byly čteny dospělými nebo vyprávěny živou řečí! 

Rovněž jsem si v oněch časech zcela vědomě osvojil schopnost 

řídit své sny. Každičkou noc jsem snil své sny na pokračování, 

řetězil je v návaznosti..., ovládal je jako kouzelný koberec 

z pohádek Tisíce a jedné noci, byl Šeherezádou, kalifem i čápem 

současně. 

Tyto magické schopnosti jsem však postupně a potupně 

ztrácel, pozvolna se vytrácely se školní drezúrou. 

Naučil jsem se kostrbatě a pomalu slíbená umění – čtení 

a psaní, ba i počítat a spoustu jiných užitečných, ale i zhola 

neužitečných věcí. 

A tak postupně přestaly být kýžené, původně čarodějné 

moci, zázrakem, zevšedněly a někdy dokonce byly i břemenem. 

Imaginaci a jejímu prvotnímu rozletu byla důkladně přistřižena 

křídla. Rozvoj mysli a intelektu, snad tomu říkají – magickou 

cestou – ti co již nadobro zapomněli, byl přehrazen, zastaven, 

sveden jinam. A tak jsem postupně zapomínal snít a s nastupující 

pubertou směnil ubohé trosky ustupujících létacích snů za 

erotické fantasmagorie a život dospívajícího jinocha. 

Záliba v kreslení a malování mi naštěstí zůstala a časem jsem 

ji vypěstoval k určité dovednosti, avšak onu skutečnou magii 

dětství jsem již nenalezl a nahradil ji snad jen šedí obvyklé intelektuální 

komunikace, láskou k ženám i četbou, ba psaním veršů 

a surrealistických textů v podivuhodné směsici. 

Okřídlená nesmrtelná imaginace, magická schopnost manipulovat 

s obrazy, příběhy snů, s vizuální realitou, přešla pozvolna 

ve schopnost dešifrovat znakové notace a obchodovat s významy, 

neboť to je pravým smyslem ekonomiky jazykové a řečové 

komunikace. Publikum v určité jazykově spřízněné sociální a kulturní 

skupině je touto dovedností doslova uhranuto jako myška 

zahnaná do kouta, zoufale přitištěná ke chladné skalní stěně 

pod ledovým šlahounem upřeného hadího pohledu bez mrknutí, 

bez víček – a budiž polknuta jako ta slova nevyřčená milované 

řeči mateřské a pohřbena v lůně poezie nenapsané... 

Srdce lká řečí osamělého mozku, vznášejícího se v pomyslném 

empyraeu na kluzké houpačce mentálních a intelektuálních 

konstrukcí – pravá muka sdílení s dušemi stejně zatracenými 

v očistci slov. 

Dnes jsem blízek názoru, ba přesvědčení, že takzvaný předhistorický 

člověk žil a stále je v nás zpřítomňován skrze naše 

dětství v realitě mýtu a v její poetice – dokonce snad mnohem 

úporněji reálný nežli jeho iluzorně dominující a vzdálený pokřivený 

stín – uměle jako homunkulus v alchymistově ampuli vypěstovaný 

– človíček historický, mandragora oživlá v časovém 

intervalu zhruba deseti tisíc posledních solárních oběhů. 

Uměle zkonstruovaný historický člověk je ukován v mřížoví 

dějin jako démoni z pohádek. 




Zbav jej okovů a promění se ve strašidelnou krvavou obludu 

Revoluce a balsfemických Re-forem. Pořádek světa bude obrácen 

naruby jako pověstná rukavička... 

Křehká konstrukce zvědečtělých dějin, stále opravovaných 

a přepisovaných jako poetický palimpsest podle proměnlivých 

požadavků mocných tohoto světa a potřeb i choutek služebných 

interpretů, stejně jako obratnost manipulace s řečí a jazykem, 

spojená se znalostí písmového kódu si nás nadobro podmanila 

a snaží se zcela vyloučit jakékoliv magické schopnosti. Čím je 

však toto čarování s pamětí, kouzlení s fakty? 

Se světem a jeho obrazem je totiž ustavičně bezohledně 

manipulováno. 

Naposled jsou tím vinna média či jiný pomyslný šotek, jenž 

se pološílené paní Racionalitě, té bohyni dávné francouzské 

revoluce, vloudil nespatřen pod její bojovnou frygickou čapku. 

Bláznivá čarodějnice v antické republikánské tóze, snad samotná 

bohyně Kálí, s falickou čapkou spagyriků uctívaná v chrámu 

sekty scientistů... 

Christopher Dawson, historik a fi losof evropanství katolicky 

orientovaný, autor studie Porozumět Evropě, spatřuje tragickou 

problematiku rozštěpení ducha Evropy v jeho sekularizaci. Universálnost 

je obětována rozběsněnému nacionalismu, prýštícímu 

z barbarských kmenových kořenů jednotlivých etnických komunit, 

náhradou jednotící spirituální ideje zbožštěním lidského 

ratia v chrámu Rozumu: 

...Osvícenectví se postupně přeměňovalo v jakýsi druh protináboženství. 

Duchovní síly, jimž byl upírán jejich tradiční náboženský 

projev, našly svoje vyústění v novém revolučním kultu, ztěles- 

a Pilát Pontský 

něném v Deklaraci práv člověka a inspirovaném iracionální vírou 

v Rozum a bezmeznými nadějemi v pokrok lidstva po osvobození 

od věkovitého útlaku kněží a králů. Politická demokracie a ekonomický 

liberalismus byly praktickými výsledky těchto názorů a snaha 

uskutečnit je drastickým rozchodem s minulostí a zavedením 

nových racionálních institucí vedla k Francouzské revoluci, k vládě 

teroru a k císařskému imperialismu Napoleonově... 

Můj osobní postoj je přinejmenším v lingvistickém ohledu 

značně radikálnější. 

Idolatrie, uctívání obrazů je střídána uctíváním slovní komunikace, 

přičemž universální církevní jazyk liturgie je vystřídán překladem 

do národních jazyků. Posvátný jazyk ikonické celosti beze 

slov, protože jde o vyjádření universálního tvůrčího božského Slova, 

jež je po věky na počátku všeho stvořeného, ať již silami božskými 

nebo jejich obrazem – mohutnostmi lidskými–, je obětován 

kmenovým nářečím. rozpadá se v Bábel zmateného hašteření... 

Ve fázi konečné, což můžeme dnes doložit, je kolektivní podvědomí 

současných Evropanů opět sjednocováno na bázi zjednodušené 

komunikace, ovládáno diktátem vizuálního principu 

zcela absurdně odbožštěného a odlidštěného. Bezduchost a až 

satanická agresivita světa reklamy, kšeftu se sportem, lokálními 

válečnými konfl ikty, gladiátorským zápolením politických lídrů 

jsou stigmaty nové kulturnosti konsumerismu, zvláštního to universálního 

náboženství, jež má být bezuzdným násilím vnuceno 

lidstvu celé modré planety... 

Magické je vytěsněno médiem techné – to v prvém sledu 

a v lineární posloupnosti historických kulturních okruhů. 

15 P 


a Sefer Jecira 

Poetika mýtu odívá se hávem fi lozofi e, doprovázené svým neoddělitelným 

psychopompem – absurdně sekularizovaným a institucionalizovaným 

pseudonáboženstvím, někdy převlečeným za 

maškaru ideologickou a sociálně-politickou. To pro ty, co manipulují 

či jsou manipulováni. Societa stává se zbytnělým fetišem, 

komunikuje jen sama se sebou, dokonce médiem deifi kované 

svobodné volby, což je nejpustší klam soudobého kolektivního 

blouznění..., tato hra na pokračování se předvádí nejširšímu publiku 

jako karikatura ceremonií dávných monarchií – v masmédiích 

dnes a denně a je obsáhle komentována a interpretována. 

Jiný nežli tento kolektivní sen není uznáván za legitimní. 

Z her zapomenutého dětství zůstal ještě preferován cynicky 

komercionalizovaný sport, vlastně dokonalejší karikatura gladiá- 

P 16 

torského zápolení a pro vyrovnání skryté touhy, plynoucí z obecně 

potlačované a regulované brutality – kruté nefalšované válečné 

hry v přímém přenosu s krvavými oběťmi... 

Tento veřejný teror informací je respektovanou formou obludného 

kolektivního snu. 

Tato societa totiž konzumuje, to jest doslova pohlcuje a požírá, 

samu sebe jako legendární auroboros a pomalu hyne ve 

vlastních výkalech, sekundárním to odpadu scestného myšlení. 

Její potenciál spirituality není již magický, nýbrž skatologický. 

Umění již dávno popřelo svůj vlastní smysl a účel, stalo se 

ornamentem a němým svědkem tohoto dění: antiuměním. 

Fenomén tajemství zaniká, je zcizován nejrůznějšími technologickými 

postupy. 




Vytěsněná magie se však mstí – v konstruktu virtuálního 

elektronického světa, sdíleného těmi šťastnějšími. Ostatní neúspěšní 

putují na smetiště dějin, odkud jsou občas ve vybraných 

skupinkách a s patřičným halasem demonstrativně zachraňováni 

rozmanitými a málo efektivními sociálními programy. 

Živý svět je paradoxně začarován do neprostupné spleti 

stigmat a silokřivek znaků, metafor, hieroglyfů a symbolonických 

struktur. 

Bezprostřední okouzlení tvořící bytosti je zakódováno do 

těchto houštin jako šípková Růženka do snu, z něhož se sama 

nemůže probudit. 

Vše živoucí ustrnulo ve statické bezčasovosti jazykových, 

logických a sémantických fi gur. Racionalita pohltila samu sebe 

v bezedné analytické posedlosti. Výklad smyslu stal se tautologickým 

a pokud směřuje k transcendenci je ovládán dominací 

sebepopření. Jediná smysluplná informace je pak ryzí a nezkreslená 

dezinformace, šum na pozadí vyprázdněnosti. 

Toť sermon, jejž třeba ukončit, ukoptěná lamentace, a proto 

se ve vzpomínce druhé a protentokrát závěrečné, vrátím k tvůrčímu 

vzmachu jinocha a mladého muže, chráníc se vzpomínat 

na zítřek mého zrání a stáří... 

Druhá vzpomínka směřuje do světů dospívajícího zdání..., 

pochyb–lásky–víry. 

GRAPHICA ALCHYMICA SIVE CATHOLICA 

In dolci jubilo 

singhet ende weset vro! 

Al onse herten wohne 

leit in presepio, 

dat lichtete als die sonne 

in matris gremio. 

Ergo merito, 

ergo merito, 

des sullen alle herten 

sweven in gaudio. 

Ve sladkém jásotu 

pějte a těšte se, 

hle, blaho veškeré v jeslích 

zde spočívá. 

Září jak slunce 

s Matčina klína. 

Nuž tedy, právem 

nuž tedy, právem 

ať srdce veškerá 

chvějí se slastí! 

(nejstarší německá makarónská píseň) 

Prvním grafi ckým listem, jehož prostřednictvím jsem se vědomě 

naklonil nad tematickou hlubinu křesťanské esoteriky, byl mědilept 

Sefer Jecira, který vznikl během roku 1971. Svou kruhovou, 

písmovou i obrazovou kompozicí je věrnou reprodukcí originálního 

díla nizozemského rytce Pauluse van der Doorta z Antverp. 

Rytec pracoval pod vedením lipského teosofa Heinricha Khunratha 

na sérii obrazců, jež byly roku 1609 publikovány ve spise 

Amphiteatrum Sapientiae Aeternae Solius Verae Christiano-Kabalisticum, 

Divino-Magicum, Nec Non Physico-Chymicum... 

Je to fóliový svazek známý sběratelům starých mědirytin i těm, 

jak praví francouzský hermetik Papus (Dr. G. Encausse) ve své 

proslulé Kabale, kteří se z různých důvodů zabývají esoterním 

výkladem náboženských systémů. 

Khunrath v Amphiteatru imaginativní formou předvádí brilantní 

propojení tradiční židovské kabaly a křesťanství, vzájemné nadčasové 

obohacování základních představ obou světů. Neméně 

pozoruhodné je i to, že rosikruciánský Khunrathův obrazec je 

podoben kontemplačním mandalám orientálního typu. Emblémy 

a hieroglyfy, vznikající nesčetnými kombinacemi představ o Sva- 

a Terezie z Ávily 

té Trojici, Božím Synovi, prarodičích Adamovi a Evě, kabalistických 

světech, Stromu Života spolu s hebrejskými skrytými jmény 

Božími, názvy nebeských hierarchií a přikázáními Desatera mi 

nadobro učarovaly. Výklad byl mnohoznačný a já všude kolem 

sebe rozpoznával stopy posvátného jazyka. 

Asi rok poté došlo k osudovému setkání se Stanislavem 

Malým. Mladý sochař a básník, původem z Nových Hradů u Litomyšle, 

po ukončení studia na pražské Akademii výtvarných 

umění krátkou dobu působil se mnou jako učitel na katedře 

výtvarné výchovy pedagogické fakulty Masarykovy univerzity 

v Brně. Pro otevřenost svých křesťanských postojů, personalistickou 

duchovní orientaci a mohutný vliv na studenty katedry 

byl donucen opustit půdu univerzity. Stýkali jsme se na fakultě 

i mimo ni, sblížili jsme se. Později, když musel odejít z Brna do 

rodných východních Čech, jsem pravidelně za ním dojížděl sám 

i se společnými přáteli. 

Osobnost Malého působila zvláštním pastoračním vlivem. 

Plně se ve mně obnovil zájem o křesťanskou tematiku po několikaletém 

období surrealistické aktivity, které jsem se věnoval 

jako člen brněnské surrealistické skupiny Lacoste. Ta se ostatně 

rozpadla v důsledku srpnových událostí na prahu roku 1970. 

Křesťansky orientovaná výtvarná díla pro jejich nezakrytý 

otevřený konservativismus nebylo možno veřejně prezentovat, 

avšak právě tato nucená skrytost mne dráždila a přitahovala 

svou nepřirozenou absurditou. Dnes, kdy je situace zdánlivě 

naruby, musím přiznat, že vlastně již od počátku osmdesátých 

let netvořím další práce v duchu jakéhosi katolického fi gurálního 

tradicionalismu. Všechny posvátné představy se mi postupně 

proměnily v inkarnát Svatého Těla. Není důležité, chybí-li aura či 

dokonce možnost interpretace. Ale to předbíhám. 

Noční rozmluvy se Stanislavem Malým v létech 1972 až 

1974. kdy pobýval v Brně, podstatnou měrou rozšířily mé poznání 

o významné zdroje evropské křesťanské mystiky. Básnické 

17 P 


dílo Stanislava Malého totiž vznikalo souběžně s jeho tvorbou 

sochařskou. Nemohu posoudit ani dnes, co je prvotní, co k čemu 

je vlastně komentářem. Duchovní osvícení a inspiraci nalezl 

v odkazu ávilského mystika Juana de la Cruz. Jeho dílo Výstup 

na horu Karmel v Ovečkově komentovaném vydání tehdy nejen 

podrobně studoval, ale řídil se jím i ve svých morálních a životních 

postojích. Pramen, jehož zdroj byl ve španělské větvi 

evropské křesťanské mystiky – u sv. Ignáce z Loyoly, u sv. Jana 

z Kříže a sv. Terezie z Ávily – se nakonec proměnil v plameny, 

jimž jsem neodolal ani já. 

Pochopitelně, že dnes po létech si uvědomuji, že refl exe 

rosikruciánské, karmelitánské či jezuitské mystiky nepředstavují 

v mém díle limitující momenty. Přesto však dotek nebyl povrchní: 

jizva, jak vím, se již nikdy neuzavře. 

Jsou taková setkání stigmaty našich životů? 

Nevím, neboť v pozemské perspektivě nemohu najít přiměřenou 

odpověď. 

Na několika listech používám citáty z básnické tvorby Stanislava 

Malého (Extase sv. Terezie, Heinrich Suso). Žel zůstal zatím 

jen fragment většího zamýšleného cyklu Evropští křesťanští 

mystici, jenž měl být doprovázen Malého básněmi. 

Jiné listy (sv. Jan z Kříže, Bratr vlk, Stigmatizace sv. Františka) 

jsem pojal do v pořadí druhé bibliofi lie pod titulem Ježíšek, kterou 

jsem uspořádal na přelomu sedmdesátých a osmdesátých let. 

První série vznikla vlastně kolem roku 1975 pod názvem Ježíš 

Kristus. Zatím mé listy nejrozměrnějšího formátu. 

Jedním z posledních velkých listů je Betlém. Připravoval jsem 

jej řadu let a použil informace získané studiem lidových Betlémů 

Moravy, Čech i Slovenska. Lidové křesťanství na mne působilo 

jako aristokratický rozměr duše prostého člověka, stejně čistý 

i naivní v upřímné jasnosti. 

Hlubinnou křesťanskou dimenzi evropského lidství nelze zapřít. 

Ani zběsilým vymknutím komunistické inverze. Mezi synkretismem 

gnostických učení prvních století po Kristu a ideologickým 

chaosem dvacátého století lze vést paralelu, jak přesvědčivě 

dokazuje Eric Voegelin. Démonická posedlost ideologií je 

však pro mne skryta v doktrinářské touze ideologů vymezovat 

a oktrojovat pravidla, dogmata, zákony. Jak scestné. Co bylo 

dříve? Hra nebo pravidla, pravidla nebo hra? Scholastický laboratorní 

problém intelektuální patafyziky. 

Ostatně mohu parafrázovat vlastní text k výstavě v olomoucké 

Galerii v podloubí z roku 1982. 

Tyto zjevné kontaminace neposlouží k uspokojivému vysvětlení 

oslňující materializace černého světla. Záblesk pravdy 

rozpoznáme spíše v upřímné jednoduchosti lidové pašijové hry, 

kde utrpení světla zbaveno gnostické předpojatosti má kontemplativní 

hodnotu přímo úměrnou harmonii citové a rozumové 

složky s láskyplnou angažovaností účastníka. Během tohoto 

psychodramatu není pak zapotřebí čerpat z hlubin nevědomí 

probuzení pro další experimenty kriticky odhalující skryté významy 

a ohraničující jejich neomezenou virtualitu. 

Graphica alchymica sive catholica je usilováním o trvalé setkávání 

s tajemstvím tvůrčího aktu v celé jeho zahalené nahotě... 

Odtud mne vzpomínka vede k úvahám obsaženým v ineditním 

sborníku Ars scatologica z roku 1986. 

V sérii skatologických myšlenek Denis Hollier v překladu básníka 

Pavla Řezníčka v jeho samizdatové revue Doutník zmiňuje 

P 18 

Parmenidovu otázku Sokratovi: 

A věci jako tyhlety, které by se mohly zdát spíše směšné, 

Sokrate, vlasy, bláto, špína nebo další věci bez významu a hodnoty 

– je třeba jim dát také Ideu (Formu), každé zvlášť, samotné, 

oddělené od věci, jež se dotýkají našich rukou? 

Příznačná je Sokratova odpověď: 

... O těchto věcech, které vidíme, soudím, že ty také jsou; ale 

uznávati nějakou jejich ideu bylo by snad příliš divné. Věru již 

kdysi mne napadla pochybnost, zdali tomu není se všemi věcmi 

stejně; potom kdykoli se postavím na to stanovisko, prchám 

pryč z obavy, abych snad nespadl do nějaké prohlubně tlachání 

a tam nezahynul; vracím se tedy tam, k věcem, o kterých jsme 

právě mluvili, že mají ideje, a těmi se usilovně zabývám. 

Denis Hollier správně podotýká, že pro blízkost skatologie se 

smíchem či smíchovou kulturou (M. Bachtin), nemůže k ní fi lozof 

zaujmout stanovisko jiné nežli odsuzující, eventuálně vyhýbavé. 

Ve fi losofi ckém textu smích představuje již neslušnost. Je nepatřičný 

a nepříslušný. Smích není seriózní argumentací. 

Jaká nepřekročitelná propast tu zeje mezi světem pohanské 

antiky a křesťanstvím, mezi světem křesťanství a soudobým postindustriálním 

šosáctvím. Kdo dnes plně pochopí středověkou 

fascinaci relikvií, tímto záhadným reliktem posvátného utrpení, 

schopným iniciovat zázraky? 

Vždyť naše doba se dusí všedností, její ekologická agónie je 

jen odleskem agónie duchovní, inverzí principu martyria. Takže 

ukřižováni budeme konečně všichni? 

A tak se ustavičně vracím ke svým grafi ckým listům. Iluminuji 

je, doplňuji zlacením, knihařskými zásahy v emailech a slepotiskem. 

Vytvářím hybridy proti pravidlům ortodoxní grafi ky. 

Tyto vyhasínající jiskry světa středověku jsou snad paranoickou 

slitinou „moderní“ grafi ky a iluminací dávných manuskriptů. 

Přitahují mne barvotisky z minulého i předminulého století, obdařené 

mdlou pachutí skomírající psyché fi n du siécle znásilňované 

funícím démonem průmyslové epochy. Zde jsou meze 

opět zřetelné. Branka pokory se otevírá, můžeme jen sklonit 

hlavu a vstoupit... 

Divoké pláně keltského ducha, jež se ubránily dobrodiní Pax 

romana, poseté samotářskými balvany pod nebeským blankytem 

náhorní plošiny i hlas osiřelé bytosti, znovu a opět vystupující 

na Horu: to vše přes vlny oceánu času dolehlo i ke mně jako 

neslyšná ozvěna Malého veršů. 

Pochopil jsem, proč se vracím do kraje severovýchodních 

Čech, kdesi blízko polských a slezských hranic, domova několika 

generací kameníků. Poznal jsem smysl toho, že krajina Vysočiny 

a orlického podhůří postupně splývá v mé osobní paměti s francouzskou 

Bretaní a náhorní plošinou kolem španělské Ávily. 

Nejsou to pocity kosmopolity, ale probouzející se vědomí 

mého evropského domova..., protože Evropa je naší skutečnou 

vlastí, do níž se opět po desetiletích vracíme. 

…a úplně mimochodem: velmi lituji, že neumím psát kaligrafi 

ckým štětcem na hladinu rybníka v odlesku Luny o půlnoci 

s dávným druhem Li Po, přiťukávat si dračí miskou naplněnou 

až po okraj pálenkou z rýže, pak zrcadlem odejít do chýše skryté 

v oblačných horách mezi Přátele… 

A to budiž příslibem Mimochodníkovým pro Pars III 


Dixit. 


Y DAVID FIŠER 

DAVID FIŠER 

a bez názvu 

* 20. 8. 1980 

divatse@seznam.cz 

Jmenuji se David Fišer, narodil jsem se ve středostavovské rodině 20. 8. L.P. 1980 v Brně. Jsem absolventem PdF 

MU v roce 2004 a frekventantem 6. ročníku FaVU v Brně. K profesi? Ničím nejsem. Možná bych napsal „řadový 

občan“. Jo, to je moje profese! 

19 P 


a Quiet offer 

a Jan Křtitel, stoka Ponávky, 2006 

P 20 



Y DAVID FIŠER 

a J.K. a J.K. 

a bez názvu 

21 P 


ALEXANDER BOBKIN 

a Siberia 2007 

P 22 

* 1952 Novokuznetsk, Siberia 

albobkin@xs4all.nl 

Alexander Bobkin, born 1952 in Novokuznetsk, Siberia. Independent Arts and Crafts Professional. Lives and works 

in Netherlands. 

„… my interest in women and in people in general, and in life and in art, photography, history, politics, sex is driven 

by curiosity… curiosity keeps us growing and alive and keeps other people interesting to us. Or not, and we fi nd 

people who are interesting. But most of all, it keeps me interested in myself, in my response to the world, and to 

others, interested in what I feel and perceive and, in the end, I am driven to paint, draw, photograph, fi nd out what 

people smell and taste like, make love…“ 



Y ALEXANDER BOBKIN 

BEHIND THE VISIBLE IMAGE 

A human being is, by nature, a traveller, always searching for new horizons. An artist is pre-eminently a traveller, ceaselessly 

searching for something new. The Russian avant-garde movement emerged in the early part of the 20th century seeking new 

artistic forms. Not satisfi ed with identical representations of visible reality, they created their own forms with their own reality. 

Alexander Bobkin shared this view. His confl ict with the academy style in which he was trained was its lack of wanderlust. The 

static, academic style, however technically perfect it may be, was too preoccupied with visible reality. This journey is not spiritual 

and, for Bobkin, not interesting. He had no interest in external reality, but rather internal similitude: What you paint is not important; 

the mental reality behind it is what bestows life on a work of art. This is the journey of Alexander Bobkin, a journey into the bidden 

reality behind the visible image. 

a Cyprus 2008 

03.08.2008 / 04.08.2008 Northern Cyprus / 04.08.2008 / 05.08.2008 Rock of Aphrodite / 26.07.2008 Lemba / 28.07.2008 

23 P 


a Cyprus 2008, 20x13cm oilbar paper 

P 24 



Y ALEXANDER BOBKIN 

a After Cyprus, 64x50cm oilbar paper 

25 P 


MARTA SVOBODOVÁ 

P 26 

absolventka FaVU, VUT Brno / doktorské studium na PedF MU 

členka skupiny Budoár Staré Dámy 

„Věci dělám jaksi mimochodem. 

Kdybych měla být programově hudebnice 

nebo výtvarnice, tak to jde do kytek.“ 

CO NENÍ MOŽNÉ VYTVOŘIT TAK, ŽE ČLOVĚK VÍ PROČ A JAK 

* 1983 Ostrava 

marta.svoboda@gmail.cz 



Y MARTA SVOBODOVÁ 

27 P 


DANA CHATRNÁ 

SOUKROMÁ SOUHVĚZDÍ 

P 28 

Výtvarnice, grafi čka, absolventka Školy uměleckých řemesel v Brně 

(od roku 2007 Střední škola umění a designu Brno), kde od roku 1996 vyučuje grafi ku. 

a Soukromá souhvězdí, 200 x 140 mm, papír, struhadlo po babičce, žiletka, 2006 


* Brno 


Y DANA CHATRNÁ 

a Soukromá souhvězdí, 200 x 140 mm, papír, struhadlo po babičce, žiletka, 2006 

29 P 


JAN BRUŽEŇÁK ml. 

NAPLNĚNÍ 

Často se setkávám s lidmi, kteří dělají práci, která je nebaví. 

Kolikrát jsou z ní nešťastní, ale přesto nemají odvahu ji opustit, 

protože jsou na ní buď fi nančně závislí, anebo si ani nedovedou 

představit, že by mohli dělat něco jiného. Spousta lidí vlastně 

ani neví, co by je opravdu naplňovalo, a tak tráví značnou část 

svého života činností, která jim nic nedává, stejně jako oni do ní 

nic ze sebe nedávají. Vydělávají prostě peníze na živobytí. 

(Přiznejme si upřímně: Kdo z nás vykonává své povolání 

a kdo chodí do zaměstnání?) 

Lidé jsou různí, mají odlišné schopnosti. Jsou lidé spokojení 

i nešťastní, pracovití i líní, někteří jasně vědí, co chtějí, mnozí 

si se svým životem nevědí moc rady, jedni se umějí prosadit, 

druzí zůstávají v pozadí, někdo má vysoké nároky, někdo vystačí 

s málem, někteří opovrhují druhými, jiní si zas neváží sami sebe... 

a každý toužíme po štěstí a spokojenosti (alespoň to předpokládám) 

a každý po svém... 

Jsou tací, kteří pracují jako součást výrobní linky, kde není 

velký rozdíl mezi mechanickou a lidskou rukou a hodiny tráví monotónní 

činností. Přesto jsou produkty jejich práce (kolikrát) velice 

užitečné. Jiní se zas živí tím, že tvoří – umělci, kteří vytvářejí 

díla, jež nemají vyloženě praktické využití, ale dělají jim samým 

a (někdy) i ostatním radost. Někteří lidé následují svůj vnitřní 

hlas, někteří pokyny nadřízených, někde jsou fantazie, tvořivost, 

intuice a inspirace nezbytné, jinde se s nimi nepočítá. 

Zdá se mi, že jsou tvořivost a fantazie mnohdy považovány 

za výsadu umělců a jako umělci jsou označováni jen hudebníci, 

výtvarníci, literáti a herci. 

Dle mého názoru je však tvořivost něčím bytostně lidským. Je 

tím, co dělá člověka člověkem. Bez tvořivosti a bez fantazie by 

neexistoval vývoj. Tvořivost chápu jako univerzální nástroj k poznávání 

sebe i světa, jako schopnost pohroužit se do předmětu 

poznávání a nechat jej na sebe působit – a čekat, co vzájemná 

interakce přinese, co objekt, kterým se zabývám (ať už to je 

něco venku, nebo uvnitř mě) skrze mne řekne. Fantazii, která je 

s tvořivostí úzce spjatá, považuji za schopnost dívat se na věci 

z různých úhlů, jinak než je obvyklé a zažité, schopnost překonat 

zaběhlé vzorce vlastního myšlení a připustit nové možnosti. 

Může sklouznout k vymýšlení nesmyslů, které nemají hlubší vý- 

P 30 

* 26. 5. 1978 Brno 

janbruzenak@seznam.cz 

Vystudoval učitelství angličtiny na Univerzitě Pardubice, Waldorfskou pedagogiku se specializací třídní učitel a učitel 

jazyků (Aj, Nj) a uměleckých řemesel pro základní školu na Freie Hochschule Stuttgart – Seminar für Waldorfpädagogik 

v Německu. 2002–2006 praktikoval učitelské řemeslo na waldorfských školách v zahraničí (Německo, 

Spojené království, Austrálie) i u nás (Semily). Poté co se rozhodl opustit půdu institucionalizovaného školství, 

pobýval v jógovém centru Šrí Dévpuridží ášram ve Žďárci u Skutče, kde se věnoval jógové praxi, zahradničení, vaření 

a řemeslným pracím a podílel se na organizování seminářů. Nyní působí v Pelhřimově, kde se soukromě věnuje 

výuce jógy a jazyků a spolu s přáteli provozuje obchůdek s čajovnou Ánanada. Krom toho tvoří zvláště ve sféře 

poezie a hudby a v oblasti umělecko-řemeslné. 

znam, může však pomoci zachytit odlesk pravdy, pravé skutečnosti 

a přinášet nová řešení, ukazovat nové cesty. 

Ať již umělec či vědec, oba potřebují ke své práci kromě 

řemeslné či odborné způsobilosti také schopnost dívat se na 

věci nově a nepředpojatě. Často se spoléhají na svou intuici 

a vydávají se neprobádanými cestami, leckdy dlouho čekají 

na inspiraci, bez níž nejsou schopni udělat další krok. I rutinní 

činnost zde má své nezastupitelné místo. O co snáze ji však 

člověk vykonává, když je součástí tvůrčího procesu plného 

radosti z nového poznání – o co méně je jakákoli činnost rutinou, 

děláme-li ji s plným vědomím a pokaždé nově. Jakákoli 

činnost! 

Kéž nás každého naplňuje to, co děláme, kéž každý děláme 

to, co nás naplňuje! Buďme každý umělcem svého života! 

UMĚNÍ VÝCHOVY A VZDĚLÁVÁNÍ 

Pedagogika ve svém názvu vyjadřuje své poslání vést děti životem 

(řec. paida gogos – ten, který vede děti). Na to, k čemu 

a jak děti vést, se v různých kulturách a pedagogických směrech 

značně odlišuje. 

Na jedné straně existuje pojetí, že je třeba děti formovat 

k určitému ideálu, podle určitých norem, a zajistit, aby získaly 

předepsané znalosti. Vychází z předpokladu, že děti na svět 

přicházejí nepopsané a neopracované a že je možné stanovit 

velkoplošně (celostátně) jednotná, pro všechny stejná kriteria. 

Na druhé straně existuje názor, že děti jsou od přírody dokonalé 

a nezkažené a že se nejlépe budou rozvíjet, ponechají-li 

jim dospělí naprostou svobodu a dovolí jim, aby se řídily svými 

čistými vnitřními impulzy. Jsou to dva extrémy vytržené z kontextu 

života. Skutečnost není ani černá ani bílá, je barevná 

a vyžaduje od nás, abychom v každé situaci zvolili vždy tu 

správnou barvu. 

Například podle Rudolfa Steinera by pedagogika měla být 

tvůrčím procesem, měla by být uměním výchovy. Každý učitel 

tak může být umělcem. Pedagogika je uměním sociálním, mezilidským 

a jejími nástroji jsou stejně tak výtvarno a hudba, jako 

i všechny ostatní předměty. Učitel volí z jemu dostupných prostředků 

ty, které nejlépe odpovídají konkrétní situaci a potřebám 

jeho žáků. 



Y JAN BRUŽEŇÁK ml. 

’ 

Viděno úplně od shora: 

Stát vytváří podmínky, v nichž si každá škola může 

sestavit vzdělávací program, který vyhovuje prostředí, 

do něhož je zasazena a jenž umožňuje učitelům svobodně, 

podle nejlepšího svědomí a vědomí naplňovat 

jejich poslání a volit ty nejvhodnější prostředky vzhledem 

k potřebám konkrétních žáků, úměrně konkrétním 

situacím. (Pěkné by to bylo, což?) 

Pedagogický proces není uměním v tom smyslu, že by byl pedagog 

v roli malíře a žák v roli prázdného plátna. Když, tak je učitel 

spíše sochařem, který opracovává materiál se specifi ckými 

vlastnostmi, ze kterých musí vycházet. Žák však není učitelovým 

dílem. Učitelovým dílem je to, jakých nástrojů při opracovávání 

použije a kdy. Žák je totiž zároveň divákem, jenž pod učitelovým 

vedením postupně přebírá zodpovědnost za tvarování sebe 

sama, aby se stal umělcem vlastního života. Je také tím, kdo, 

ač možná nevědomě, opracovává učitele, kdo mu dává zpětnou 

vazbu a tím příležitost k tomu, aby sám na sobě pracoval a učil 

se. Pedagogika, kde učivo je cílem, je ryze účelová a tím ve 

smyslu sociálního umění mrtvá. Pro osobní růst žáka i učitele 

má pramalý přínos. Je-li pedagogika tvořivým sociálním procesem, 

stává se v něm učivo nástrojem v rukou umělce-pedagoga, 

nástrojem, který postupně probouzí a rozvíjí schopnosti divákaumělce-žáka. 

Kolikrát je cíl pedagogického procesu na první pohled skrytý. 

Ve výtvarné výchově by se mohlo zdát, že je cílem vybavit žáky 

potřebnými dovednostmi, ukázat jim různé možnosti výtvarného 

projevu a podporovat v nich kreativitu, aby pak třeba i sami 

mohli vytvářet vlastní umělecká díla. V pozadí však zůstává 

například to, že zážitek míchání barev pomůže uvědomit si 

budoucímu nadanému chemikovi, že smícháním dvou různých 

substancí vzniká nová, že vlastnosti nové látky záleží na poměru 

výchozí látek; dalšímu štětcem prodřený papír pomůže si uvědomit, 

že všechno má svou míru; jinému zas překonání prvních 

nezdarů při modelování pomůže posílit sebedůvěru a vědomí, že 

s trpělivostí se dá ledasčeho dosáhnout; přiměje-li učitel žáka, 

aby dokončil to, s čím se mu už nechce pokračovat, může posílit 

jeho vytrvalost; někdo pozná, že kreslení není jeho parketa, 

ale že přesto jsou lidé, které to naplňuje; někdo zjistí, že i když 

si myslel, že mu malování vůbec nejde, že je to docela jinak, 

a i když nebude svá umělecká díla vystavovat v galeriích, může 

jimi udělat radost sobě i svým blízkým. 

Pamatuji se také na jednoho učitele, který se středoškoláky 

modeloval hlavu. Dost se s nimi nazlobil, leckteří tropili vylomeniny 

a svou práci vůbec nebrali vážně, prostě neměli chuť umělecky 

tvořit ani se řemeslně zdokonalovat. Na moji otázku, zda 

má vůbec smysl je do umění nutit a nenechat to na jejich volbě, 

učitel odpověděl, že s nimi nedělá umění, nýbrž se snaží je naučit 

disciplíně, aby pak v budoucnu sami byli schopní opravdově 

umělecky tvořit. 

Není vždy všechno tak, jak se zdá. 

‘ 

OBJEKTIVNÍ A SUBJEKTIVNÍ REALITA 

Jsme obecně zvyklí považovat za reálné to, co vnímáme svými 

smysly, a s tím, co považujeme za reálné, pracuje náš rozum 

(ničemu jinému nevěří, nic jiného nepřijímá). Vzhledem k tomu, 

že ostrost smyslů se u různých lidí liší (nehledě k tomu, 

jak odlišně vnímáme ve srovnání se zvířaty), určili jsme jako 

objektivní výsledky měření přesných elektronických přístrojů. 

Rozhodli jsme se tak považovat vidění přístroje za normu, 

podle níž vše poměřujeme. Postavili jsme přístroj do role 

nestranného pozorovatele, který nám zprostředkovává informace 

o okolních objektech, ale přitom jsme zapomněli, že 

i onen přístroj má svá omezení, že má své specifi cké neboli 

subjektivní vidění světa. 

Jde hlavně o to, že přístroje zpracovávají pouze údaje 

o kvantitě, tedy o prostorových rozměrech, hmotnosti, rychlosti 

a tak dále. Co se například barev, chutí a vůní týče, ty 

se již pohybují na hranici objektivního a subjektivního vnímání 

a věda je většinou nepovažuje za směrodatné, a spíš se je 

snaží převést do měřitelných hodnot, jako jsou kmitočty či 

chemické složení. Přístroje nám nedovedou podat informaci 

o dojmu, kterým na nás (a na ně) objekty působí a už vůbec 

ne o významu, který pro nás mají, a to jsou přece velmi 

podstatné součásti naší každodenní reality. Ty zase mnohem 

lépe dovedou vyjádřit umělci. Je také otázkou, do jaké míry 

jsou poznatky exaktních vědců jejich subjektivními projekcemi 

a umělecké výtvory subjektivním vyjádřením objektivních 

zákonitostí. 

Pravá věda je vskutku tvůrčím procesem, interakcí poznávajícího 

s poznávaným, v němž podstatnou roli hraje schopnost 

vědce cele se předmětu poznávání otevřít a nechat jej k sobě 

hovořit. Formulace nově objevené zákonitosti je výsledkem tvůrčího 

procesu, souznění vědcova rozumu s jeho intuicí, inspirací 

a fantazií. Umělec může naopak upadnout do mrtvé rutiny či se 

ztratit v honbě za originalitou a ve vytváření trendů a měřítek 

hodnoty uměleckého díla. 

Takzvané objektivní, měřitelné údaje tedy nejsou o nic více 

nebo méně hodnotnou výpovědí o skutečnosti, než je výraz 

umělcův. Přístroj je nástrojem fyzika, štětec malíře a každý nám 

po svém zprostředkovává své vidění světa. Pro někoho má větší 

hodnotu, či užitek jedno, pro jiného zas to druhé, záleží na 

okolnostech. Tím však, že něco považujeme za danou objektivní 

normu a spoléháme se na její kritéria, místo abychom život vědomě 

prožívali a rozvíjeli své vlastní nástroje poznání, ochuzujeme 

sami sebe o možnost jít dál a poznat svět sice subjektivně, 

zato však hlouběji. Vždyť přece nejde ani tak o to dokázat, že to, 

co jsme poznali, je objektivně platnou pravdou, jako spíš o to 

vědět a dál poznávat. Realitu nezměníme tím, jak ji vidíme, ani 

tím, co si o ní myslíme, ona sama nás vždy přesvědčí o tom, jak 

pravdiví jsme. 

31 P 


PROMLUVY K ZEMI 

NA JAŘE 

Jsi ozdobená věncem z květů, 

zas oblékáš se barvami 

a v šatech jasně zelených 

tak krásná, Země, zdáš se mi, 

Země, má nevěsto. 

V ČASE DOZRÁVÁNÍ 

Zatímco mě čas vlasy 

protkává stříbrem, 

tobě, Země, sluncem zlátnou, 

červenají se jablky a modrají 

sladkým vínem. 

Jak rád vidím tě naplněnou 

a šťastnou! 

Kéž i já umím dát, co ve mě uzrálo, 

než přijde čas odejít. 

V ZIMĚ 

Mrazivě 

třpytivá, 

zahalená v bílém 

hávu, v šeru se, Země, 

skrýváš. 

Dovol mi prosím naslouchat, 

když pod ledovým příkrovem 

tiše zpíváš. 

P 32 

V LÉTĚ 

Tančíš se sluncem, měsícem i hvězdami 

a my všichni, Země, tančíme s tebou, 

bosí v tvém teplém náručí, 

pod nebeskou klenbou. 

V tvém mateřském lůně 

žiji svůj vesmírný sen. 

Ty jsi, Země, 

a já jsem. 

NA PODZIM 

Země, 

tvá krása uvadá, 

schne a na prach se rozpadá. 

Zdáš se, jako bys umírala. 

Mnozí jsou smutní 

– chtěli by, 

aby ses zase usmívala. 

Kéž by tak věděli, 

že usmíváš se uvnitř. 

V PŘEDJAŘÍ 

Už nebude to, Země, dlouho trvat. 

Už cítím, že každou chvíli 

probudíš mě ze zmrzlé samoty 

a ukážeš mi, kolik síly 

jsme našli v odloučení – já i ty. 

Pak jediným radostným rozpukem 

procitne život, 

jenž v tobě stále bděl. 



Y JOHN SIMS 

JOHN SIMS 

1969/72 – Graphic design and illustration at Folkestone School of Art 

1972/75 – Illustrator and graphic designer, London 

1975/78 – Art director, Kuwait and Qatar 

1978/84 – Art director / partner Intergraphics, Bahrain 

1985/95 – Art director, Kent 

1995/2002 – Freelance illustrator / graphic designer 

2000 – Began stone carving 

2002/06 – Canterbury Christ Church University, BA Sculpture 

Current – Freelance sculptor 

Exhibitions 

2005 – Two man show St. Augustines Abbey, Canterbury 

2005 – Group Show Cleary Gallery, Canterbury 

2005 – One man show St. Peter’s Church, Canterbury 

2006 – Group show Canterbury Cathedral 

LONG JOURNEY BETWEEN ISLANDS 

CHILDHOOD, FAMILY AND NATURE 

I was born in 1952 in the Cathedral City of Canterbury in the 

county of Kent in the south east corner of England. Canterbury 

is a small city with a big history. My family, working class, my father 

a milkman since leaving the army at the end of WWII. I had 

an older sister and two younger brothers. Art never featured in 

my childhood, it was simply not something that was considered, 

remote from our day to day lives. Nature on the other hand was 

very much a part of our lives, we never had any spare cash as 

a family but I don’t remember really being aware of this. I do 

remember well the seemingly endless summers and walks into 

the countryside around Canterbury. My mother was from a farm 

workers family, her father travelled around Kent from farm to 

farm seeking employment, working with heavy horses in a world 

that had not changed for centuries. A life that was about to be 

swept away as the tractor took over from the horse in food production. 

Mother seemed to know all the names of birds, plants 

and animals and I guess this was the greatest gift that she 

passed on to me. As soon as I got out from school my friends 

and I would be off to the woods, orchards, water meadows and 

river or lakes. 

School I mostly hated, my yearly reports always ended with 

John must try harder to concentrate. Art was OK and I enjoyed 

history, geography and religious studies, I would be lost in the 

stories, my imagination carrying me away to distant lands. The 

dates or anything involving numbers though would have me 

struggling...I hated and feared them. At age nine I could barely 

read and my grasp of arithmetic was minimal. My school punished 

or helped me by making me do extra maths on a Friday 

afternoon when the rest of the class had art, It never worked. 

In a similar way my mother stopped me from going to Saturday 

morning cinema with my friends to practice spelling and reading 

on a blackboard in the kitchen...this did work, I was reading 

fl uently within three weeks and never looked back. Reading be- 

Work for sale at Castle Arts, Canterbury – www.castlearts.co.uk | http://sculptureinstone.com 

* 1952 Canterbury 

jscyprus@hotmail.co.uk 

came one of my greatest pleasures on those wet winter days 

and dark evenings, some novels but more often nature books. 

It was around this time that I began drawing birds and animals, 

copying them from books borrowed from the library. We had 

few books in the house, though oddly now, I do remember being 

drawn to reproductions of carvings of the winds by Eric 

Gill and Jacob Epstein in an encyclopaedia of some kind. 

Time passed, mostly happily. On to senior school with much 

a Goddess V 

33 P 


a Raising Lazarus IV 

the same results...sport in the form of athletics entered my life, 

I was good at it, particularly running. Football and cricket less 

so, I was never a team player. I was now fi fteen and exams approached 

to my horror...a career advisor interviewed me asking 

what I wanted to do...something with nature I said! He suggested 

farm work or a motor mechanic! I later realised he said this 

to all the boys and the girls were told to work in shops until they 

married and had babies. It was a Secondary Modern School, 

the fact that we had failed to get into Grammar School had us 

already marked down as failures at life. Our futures would be 

the same as our parents, a narrow path. 

I dreamed of working in Forestry or being a naturalist but 

knew that I would never get the grades required for this. My 

art teacher suggested I should go to art school, I might just get 

enough exam passes for that. He put my name forward for an 

interview and helped me put together a portfolio of work. I don’t 

remember his name sadly but he was important in changing the 

direction of my life. 

P 34 

FOLKESTONE SCHOOL OF ART, LOVE AND 

A NEW WORLD 

In September 1969 I enrolled on a course studying Graphic 

Design and Illustration at Folkestone School of Art, not even 

knowing what Graphic Design was! I loved this time, meeting 

people, girls, and one in particular from a middle class family. 

I fell almost instantly in love with her, she was confi dent, slim 

blonde and beautiful. Her father an architect, I visited her home, 

designed by him in its own grounds in a village, full of books, 

music, classical, jazz as well as pop and pictures, originals on 

the walls. This was heady stuff, a new world, I loved it and her 

and wanted more of both. Folkestone was a wonderful place for 

students at that time, a typical Edwardian seaside town with an 

older area near the harbour. Ferries to France, fi shermen, their 

boats in the harbour unloading fresh fi sh. In those days even on 

an applied art course we had many days drawing around the 

town in the Spring and Summer and life drawing in the colder 

months. We had parties on the beach, visited galleries, pubs 

and coffee bars, listening to rock and folk music. We swam 

naked in the sea, talked and talked through the night. We hitch 

hiked to the South of France, to naturist camp sites she had 

been to with her parents. We moved in together, she liked me 

a lot but not enough it seemed. She fell in love with a middle 

class painter, got pregnant and died some two years later of 

leukaemia and I discovered the joys of listening to Leonard Cohen! 

WORK, FAMILY AND STONE CARVING 

After college I moved to London and found work illustrating children’s 

books with the illustrator Derek Collard. He had a studio 

loosely based around the ideas of William Morris, whom he 

oddly resembled. This was a precarious hand to mouth existence 

supplemented by cleaning jobs, I was lured away by the 

offer of a regular salary to a graphic design company. Some 

three years later and married to an old girlfriend from Canterbury 

I took a job in Kuwait (hell on earth), then Qatar (less so) 

and fi nally Bahrain (not too bad at all). We stayed seven years, 

a high tax free salary, a growing ego, a good marriage and 

eventually our fi rst son. I loved the fi rst ten years as a designer, 

it seemed to fulfi l my creative needs and gave us the money to 

change our lives. We purchased an attractive though neglected 

house in a village near Canterbury, built around 1450 it was 

all that we had ever dreamed of. We returned from the Middle 

East and I took a year off work to renovate the house. I then 

took a job as an art director in a small advertising agency. With 

my creative input they won some major accounts, money was 

rolling in and we had twins, a boy and a girl...by now I felt like 

superman, nothing could go wrong, life was sweet but I had 

become cynical about my work and the advertising industry in 

general, I despised the work, the products, the lies, the massive 

ego’s...but carried on, I tried to do as much illustration as 

possible and often as art director was able to commission myself 

to do the work. I had been freelance for some time, I was 

a workaholic but tried to spend time with my children, fi shing, 

walking, passing on all the things my mother had given me, this 

was good but inside I was feeling increasingly empty. In January 

2000 I went along to an evening class to do stone carving... 

it was a revelation, I felt at home with this hard stuff, it talked 

to me! Throughout my career I had continued to draw, using 



Y JOHN SIMS 

colour pencils, inks, water colour. I drew scenes and people 

in the middle east and houses and landscapes in England. 

I gave them away as gifts or sold them in local galleries. I had 

a growing interest in art history reading about and looking at 

paintings in the main. Sculpture never really featured but now 

I could not stop thinking and reading about it. One of the fi rst 

to make an impact was the English stone carver and engraver 

Eric Gill then Epstein, Gaudier-Brzeska and Brancusi. I wanted 

more of this, one evening was not enough. I realised my design 

work was suffering, I had totally lost interest, I did less and less. 

I started to look for work that would allow me to spend more 

time carving. I managed to convince both my wife and myself, 

that I should return to college part-time to study sculpture with 

the idea that I would be able to get a teaching job if I had a degree. 

September 2002 saw me back at college as a student 

but now aged fi fty! 

CANTERBURY CHRIST CHURCH UNIVERSITY ART DE- 

PARTMENT 

The art department at Christ Church was small, hidden away 

from the main university in a collection of old wartime huts and 

wonderful purpose built studios and gallery that had been the 

original Canterbury College of Art. These had been built by 

Sidney Cooper in the eighteenth century. He was something 

of a local dignitary and a painter of prize farm animals, enormous 

oils of bulls, cows and sheep. The general ethos of the 

department was toward measured drawing, a direct link with 

Coldstream and the London School, through Euan Uglow and 

his student and follower David Shutt. Shutt was head of the department 

who unusually for a painter had a depth of knowledge 

and understanding of sculpture. The head of sculpture was the 

Czech émigré Karel Zuvac. Karel had left Czechoslovakia in the 

late sixties arriving in London, pretty much penny-less, he found 

odd jobs and eventually became a student at Camberwell and 

The Royal Academy. Shutt and he had mutual friends, so when 

Shutt needed a sculpture tutor at Christ Church he contacted 

Karel. 

Karel is not a carver, more a constructor and modeller and 

placed enormous emphasis on his measured perceptual drawing. 

It was this drawing that I found so useful in so many ways. 

It helped me to move away from my stylised illustrations and 

the many hours spent concentrating and measuring from the 

model allowed me to retain details of the human form in my 

visual memory which emerged when stone carving. Again these 

years were a sheer joy...to be making things, experimenting 

with construction and modelling in clay and plaster from the life 

model. I loved the art history lectures and greedily took as much 

knowledge as I could from my tutors. Reading about and looking 

at art from all periods whenever I was not actually making. 

Karel and I slowly became friends rather than student and tutor 

spending many hours after classes over a pint or two discussing 

everything. I worked on design and illustration less and less, 

it confl icted with what I was trying to do. In the winter months 

I worked in a book shop at the weekends, small salary and a big 

discount on expensive art books! During the summer I worked 

for English Heritage. Most days spent alone (apart from the visitors), 

in the ruins of St. Augustine’s Abbey 

in Canterbury, surrounded by broken carvings from the Anglo 

Saxon, Romanesque and Medieval periods. It was though 

a college visit to Athens, the Acropolis and the power of the 

a Rubens Drawing 

enormous fractured remains of Kouroi and Korai from the Archaic 

period, that convinced me that despite it being unfashionable 

and in the opinion of some an irrelevance, that I must 

continue carving and working in stone. It was at this time that 

I began teaching stone carving techniques to others, I remember 

how surprised I was at the pleasure I got from seeing others 

fall in love with the medium. To enjoy the fact that they had 

been inspired by my enthusiasm to have a go. Karel is now living 

in Greece recovering from a dark period, I write to him as 

often as I can. 

CYPRUS...ISLAND OF STONES AND DREAMS 

The course completed, I had my BA...still no chance of a job. 

The positions I had seen being offered in 2002 now required 

me to have an MA to apply for them. I truly believe the degree 

devalues art, art tutors and students, fi ne art should not have 

become a degree subject and the old art colleges should never 

have been closed or integrated into the university system, a dubious 

politically motivated action. 

A chance arrived to be artist in residence and take the Post 

Graduate Diploma in Fine Art at the Cyprus College of Art... 

I jumped at it, even though I knew I could not survive unless 

I sold some work. Good friends in England who believed in me 

helped by buying some of my work prior to leaving. I became 

aware of the college a few years previously, I knew that Uglow 

had visited and stayed in the past. 

I became aware of the work and life of Stass Paraskos, that 

he had been teaching painting at Canterbury when I was deep 

into the world of design and advertising, in fact he lived in a vil- 

35 P 


a Rubens Drawing 

lage near to mine and his children went to school in my village. 

For some time I had been a keen supporter of the writing on 

sculpture of Herbert Read, his no bullshit approach I found informative 

and refreshing. I arrive to fi nd that Read is something 

of a hero in the Paraskos household and what’s more his son 

Ben would be marking my work. I think I had to come here, destiny 

maybe! 

Nearly a year later I have my Cyprus Diploma and am artist in 

residence for the Summer Studios here in Lemba. I have done 

more teaching and mentoring and enjoyed every minute. For me 

it is real teaching not the box ticking exercise it has become in 

England. I respond to the students enthusiasm as they respond 

and are inspired by mine. These young students from mostly 

British University art departments crave to be taught basic 

skills, to learn how to draw in a certain way, to carve and model, 

to gain a confi dence in some basic skills that even at MA level 

they lack. To have the knowledge and experience to perhaps 

reject these skills if they wish, but it is a choice they can make 

from a position of strength rather than ignorance. 

And my own work...my carving in many ways has changed 

little, I was already dealing with subjects from Greek Mythology, 

often interpreting stories from Ovid’s Metamorphosis. The 

stone however is something else, some of it unique, created 

by the extreme geological events that formed Cyprus. A green/ 

grey/black Serpentanite, sometimes full of talc, soft and as 

easy to carve as Steatite. Sometimes extremely hard and brittle, 

made up of igneous particles and schists that melted and 

metamorphosed into an idiosyncratic and often heart breaking 

rock that can take the highest polish of Brancusi like dimen- 

P 36 

sions. Also a great variety of sedimentary limestone’s from soft 

to extremely hard, dense chalky stuff from the Akamas peninsular 

to grainy sandstone like deposits from around Lemba to 

a creamy yellow stone from Limassol that is almost Caen Stone 

like in character. To wake each day with this variety of stones 

at my fi nger tips is a carvers dream come true. All around the 

evidence of Neolithic and Chalcolithic peoples who lived here 

and carved similar stones to make their gods and dreams real. 

To walk on their land and in the footsteps of all the ancient 

peoples that followed them is inspirational. Maybe it is some of 

this that feeds my dreams the intensity of which is sometimes 

frightening. These dreams fi lled with the past, present and future. 

Sometimes about mundane daily events, but in which people 

grow wings and become a part of the landscape seen from 

a bus window or walked upon the day before. Sometimes they 

come when I am not asleep, they creep up on me like ghosts. 

Stass talks of using dreams in his work, I never had, now I have 

a blank sheet of paper on an easel close to my bed. I wake and 

draw until I have captured some of the essence of that dream 

or vision. I work with oil pastel because it prevents me from slipping 

back into the detailed illustrations of my past. 

Recently, due to breaking my glasses, I have been making 

transcriptions from small reproductions of works by Poussin, 

Rubens, El Greco. I can’t see the detail, they are blurry visions 

of colour, almost abstract but oddly retaining the movement and 

some of the power of the originals. I am now doing transcriptions 

of my dream images, I don’t know if they are working yet! 

How long will I stay here? I don’t know that either...it is almost 

unbearably hot. Maybe it will be down to my health, conditions 

are extremely basic and the insects are driving me crazy. 

In the winter cold and damp, no real heating or running hot 

water. I am not starving, my work is starting to sell, but for very 

little compared to England, it will be getting a touch cooler 

soon, late September, October and November are wonderful 

and maybe even some rain to make the countryside green again 

and then yellow. 

A Mediterranean yellow that I shall never forget. 



Y EVA KALIČINSKÁ 

EVA KALIČINSKÁ 

BÍLÝ ČTVEREC NA BÍLÉM POZADÍ 

OZZY, 21 LET, NIGÉRIE 

Výtvarné ateliery v azylových domech pro cizince jsou místem, 

kde se potkávají děti a dospělí rozdílných církví a různých světadílů, 

kteří většinou vůbec nemají výtvarné ambice. Návštěva atelieru 

je činnost dobrovolná a doufat, že na připravený program 

přijdou ti samí klienti co třeba včera, je pošetilost. Stává se, 

že někteří žadatelé o mezinárodní ochranu odejdou náhle, bez 

rozloučení, takže po nich zůstane na stole rozdělaný grafi cký 

list nebo na věšáku zapomenutá bunda. Málokteré zařízení jako 

uprchlický tábor je tak naplněno bezmocí a pasivním čekáním 

na zázrak. Azyl nezískají ani dvě procenta lidí. 

Výtvarný artefakt se tak často stává jediným prostředkem ke 

sdělení nebo pochopení. 

— 23. 3. 2008 Ozzy z Nigérie (21 let) poprvé navštěvuje výtvarnou 

dílnu. Ozzy, který do pobytového střediska přišel ze 

záchytného zařízení pro zajištění cizinců, nemluví. 

— 24. 4. 2008 Ozzy nemluví s ostatními uprchlíky, se sociální 

službou, s psychologem, s nikým. Nikdo o něm nic neví. 

— 27. 3. 2008. Ozzy sedí, mlčí, ve výtvarném ateliéru pozoruje 

jiné klienty, do jakékoli činnosti se odmítá zapojit. 

— 30. 3. 2008. Ozzy na dotaz, jestli by pomohl nachystat plátno 

na rám, kývá souhlasně (!!!) hlavou. 

— 31. 3. 2008. Ozzy stlouká rám. Odpoledne se do dílny vrací, 

v práci pokračuje. 

— 1. 4. 2008 Ukazuje se, že Ozzy není němý. S kladívkem v ruce 

se, jako by MIMOCHODEM, začne výtvarníka, kterého si 

pamatuje ještě ze záchytu, ptát na jinou dívku z Nigérie. Že 

by přítelkyně? 

— 2. 4. 2008 Ozzy stloukl rám. Začíná pokládat různé dotazy týkající 

se běžného života v uprchlickém táboře a života v České 

republice. Nadále nekomunikuje ani se sociální službou 

ani s jinými klienty. 

— 3. 4. 2008 Začíná šepsovat. Dojde i k malbě? 

— 4. 4. 2008 Začít malovat na plátno bývá někdy po čertech 

těžký úkol. Námětem se stává vzkaz. Ostatní klienti se chopí 

* 1980 porodnice Vyškov 

sameta@post.cz 

Absolventka PdF MU, obor český jazyk a výtvarná výchova. Od 2004 do 2007 vedla výtvarnou dílnu v PoS Zastávka, 

2007–2008 PR manažerka ve Sdružení Podané ruce, od července 2008 sociální poradenství v Organizaci pro 

pomoc uprchlíkům. V budoucnosti by se chtěla specializovat na sázení bonsají, nepracovat, tančit, dobře jíst a pít. 

činu a pojednávají papíry se vzkazem pro Ozzyho. Na jeden, 

světe drž se, Ozzy reaguje úsměvem. Ozzy, dávej pozor, obraz 

může spadnout. 

— 5. 4. 2008 Ozzy sedí před bílým napnutým a našepsovaným 

plátnem. 

— 6. 4. 2008. Máčí prst do vody a maluje. Je tam něco? Napsal 

něco? Na plátně nic není. Oprava, není tam nic vidět. 

— 7. 4. 2008 Ozzy odešel z azylového zařízení. Náhle. Bez 

osobních věcí a rozloučení. Mimochodem, už se nevrátil. 

Odešel ze své vůle? Nestalo se mu něco? Přestože nemluví 

stejným jazykem, nechtěl svým obrazem něco sdělit? Krajní 

bod, za který už nelze jít? Absolutní bezpředmětnost? Prázdnotu? 

Je to šifra? Nesmysl? Jaká je role člověka pracujícího ve 

výtvarné dílně v podobném typu zařízení? Jak lehce může otevřít 

Pandořinu skříňku? A dokáže ji potom zavřít? Jaká volit témata, 

aby byla tzv. bezpečná pro všechny a zároveň nebyla vyčpělá 

a prázdná? Jak udělat dílnu každodenně atraktivní i pro ty, které 

umění a jakákoli výtvarná činnost vůbec nezajímá, ale chtějí prostor 

jenom sdílet? Jak lze nejlépe prostor uchopit a jaká by měla 

být pravidla? Nastavit pravidla? Pravidla a hranice? Jak by dílna 

měla vypadat, aby byla inspirativní a motivující pro děti i dospělé, 

které spojuje jen to, že odešli navždy ze své země? Kde na 

to vzít peníze? Má taková dílna na takovém místě smysl? Má 

smysl o těch lidech vůbec přemýšlet, když se jeden ani neohřeje 

a druhý zůstane roky? A jak se v tom vyznat? Jak se stane, že se 

začnete sami cítit uprchlíkem? Jde to jinak? Náhoda? 

37 P 


MICHAELA MACH 

’ 

Jmenuji se M. M. 

Každého nového dne hledím na své dlaně. 

Nemusím být mnichem, abych v nich četla význam těchto 

dvou M. 

MEMENTO MORI 

Mimochodem, stejný počet M obsahuje i jméno mé disertační 

práce Mytologické a magické z hlediska živé 

morfologie. 

Každého nového dne hledím do svých dlaní a vím že pomoc 

musím hledat vždy pouze na konci svého ramene. 

Přesto ale doufám, že ona živá morfologie 

bude ke mně promlouvat právě onou živostí. 

Jmenuji se M. M. 

Přesto stále vztahuji své dlaně ke světu. 

Již sám způsob, kterým se dnes jako drobná buňka celého 

systému (leč neopakovatelná) setkávám s ideogramem (jakousi 

formulí o konstrukci zjeveného světa, která se dříve nalézala 

v mytologiích a jejích ucelených systémech), je poněkud neidentifi 

kovatelný v rámci tradičních strategií poznání. K prolnutí světa 

mého a světa idejí dnes v podstatě dochází většinou zadáním 

hesla do počítačového vyhledávače. Tímto neosobním aktem 

byl ohraničen prostor osobní – v parametrech imaginace, prostor 

jako znamení mé moci platí na úrovni žitého prostoru jen 

tehdy, jsou-li hodnoty tohoto prostoru navzájem uspořádány… 

Lhostejní, jako by všechno bylo daleko, a přece zaujatí, jako 

by všechno bylo blízko, matoucí objektivní přesuny věcí a dokonce 

pohyby vlastního těla. Jindy zas vzdálené proniká jako 

meteor do bezprostřední sféry subjektu. (Foucault, 1965). 

Pro tento způsob navázání kontaktu lze použít pojmu, který 

zavedla jiná osobnost, a to profesor Wieslav Karolak (Umění 

jako zábava). Tím pojmem je jiná estetika. Jedná se o druh lidské 

činnosti a názorového nastavení, kdy jako první se našim 

smyslům nenabízí hodnoty prostoru imaginace uspořádaně, ale 

jejich těžištěm je onen skrytý řád, který lze pociťovat zakódovaným 

do jakéhosi tvarosloví chaosu, který je zamýšlen a koncipován 

tak, aby narušil naše percepční stereotypy, aby nám 

umožnil uvolnit energii ve prospěch poznání nového prostoru. 

Prostoru nového do té míry, do jaké se změní již známý prostor 

vržením meteoru. 

Jedině myšlení, říká Magritte, může být napodobivé, napodobuje, 

jsouc tím, co vidí, slyší nebo pozná, stává se tím, co mu 

svět nabízí. (Passeron, 1994) 

P 38 

* 9. 11. 1978 Jindřichův Hradec 

zulejka@atlas.cz 

Absolvovala Pedagogickou fakultu MU v Brně (Vv-Sp, 2003), tamtéž (KVV PdF MU) od r. 2003 doktorský studijní 

program – tématem disertační práce je Mytologické a magické z hlediska živé morfologie. Působila jako výtvarný 

pedagog v Pobytovém středisku v Zastávce u Brna, v Diagnostickém ústavu pro mládež v Brně, v Domě dětí 

a mládeže v Jindřichově Hradci. V současné době na mateřské dovolené. 

Zaměřuje se na reaktualizaci mýtu prostřednictvím výtvarné dílny (http://zulejka-misa.blogspot.com/). 

Publikuje ve sbornících a monografi ích. 

‘ 

Myšlení napodobuje bez podobnosti, stávajíc se samo těmi 

věcmi, jejichž vzájemná podobnost vylučuje napodobování. 

Malířství je bezpochyby tady, v tomto bodě, kde se myšlení na 

způsob napodobování vertikálně protíná s věcmi, které jsou ve 

vztahu podobnosti. (Foucault, 1994) 

Je bezpochyby pravdou tvrzení, že myšlením je to, co nám 

svět nabízí, protože náš rozum nachází se v tomto světě, tady 

je uskutečňován skrze smysly, skrze efektory. Je zde. Přesto má 

stejnou funkci jako jakékoli tvoření, například malířství, v obou 

případech jde jen o formu uchopování, zmocňování se světa 

ve prospěch subjektivní bytostnosti. Prvotní roli v syntéze sehrály 

obrazy, ony svou pořadatelskou silou umožnily, aby se 

strukturovala percepce, v níž příznaky posléze nabudou své 

signifi kantní hodnoty a uspořádají se ve viditelnou pravdu. Náboj 

počitků, obrazivá hra odkazů – obdivuhodně symbolický 

obraz! (Foucault, 1994) 

Podobný názor zastávám i já, přestože v teoriích M. Foucaul ta 

postrádám jakýsi prvek životnosti, není to rozum, kdo tvoří tyto 

celky, nýbrž je to sama existence. Náš rozum je existenciálně 

fi xován na svět hmotný, na percepci, která je prostředníkem 

mezi hmotným světem, tedy světem zjeveným, a mezi světem 

zamýšleným – čistým konceptem. Rozum bez zjevného tvarosloví 

postrádá možnost stát se prostředníkem interpretujícím 

nám naše prostředí a tím přímo i možnosti naší existence. V této 

oblasti je mi mnohem bližší výklad H. Reada: Své myšlenky 

nejenom myslíme, ale také cítíme a zažíváme. Tato afektivní 

složka je příspěvkem ‚živého já‘ k fotografi ckému obrazu vnější 

imprese a tvoří vůbec stálý protějšek ‚neživé‘ obecné představy 

(koncept). (Read, 1967) 

Tyto afektivní protějšky našich obecných představ – tohoto 

výsledku souhrnného postoje mého já k vnějšímu světu a ke 

vjemům vůbec – činí tyto vnější imprese vskutku naším vlastnictvím. 

K intelektuálnímu uchopení – tj. pochopení, dochází 

teprve s kritikou a srovnáním. Nebojím se nad takto chápané 

intelektuální chápání postavit chápání symbolické – vždy znovu 

se oživující v každém aktu znovuvytvoření. I zde, v tomto momentu, 

se opřu o tvrzení Readovo, který tvrdí, že symbol sám může 

být docela libovolný a nemusí mít objektivní platnost, pokud 

přiměřeně vyjadřuje ‘afektivní složku’, jež je základním zbytkem 

našich zkušeností v podvědomí. Ale přesto je doloženo, že jisté 

symboly nesou právě svým nitřním uspořádáním specifi cké 

informace, které jsou všeobecně platné. Symbol jako mikrokosmos 

nese jistý algoritmus a to, jak se naše duše či psychika 



Y MICHAELA MACH 

pokouší v tomto prostoru zorientovat, začne se pohybovat po 

osách – shodných s časoprostorovým uspořádáváním v makrokosmu. 

Chápání uměleckého procesu pro mě vylučuje jakkoli 

nadměrnou intelektualizaci. Jak by bylo jinak možné, že moderní 

člověk, jenž o orientálních mystériích nic neví, kreslí nebo sní 

o obrazcích podobných mandale či kaligrafi i, když je na cestě 

k úplnosti, k splynutí protikladů. Mandala je autonomní psychická 

skutečnost příznačná svou stále se opakující fenomenologií 

– je tatáž, kdekoli se s ní setkáme. Je pro mě symbolem atomového 

jádra, shlukem prapůvodní energetické struktury, která se 

ve vesmíru opakuje a tvoří makrocelky svou specifi ckou schopností 

tvárnosti. Umělecký proces není ničím jiným, než znovuzakládáním, 

tvoření světa. Ani vnímání, ani zobrazování v daném 

prostředí není založeno intelektuální abstrakci. Nic na to neukazuje, 

pouze naše tradice, že obecné představy světa rozumu 

se tvoří intelektem. Všechny nástroje ducha v oblasti poznávání 

pracují tak, že se zmocňují celkového rysu jevu pomocí jakýchsi 

vzorců – formy prostředí. Mezi těmito vzorci vyzdvihuji mytologické 

zakládání, které obsahuje paradox, totiž člověk uchylující 

se do sebe se současně otevírá. Mytologie promlouvá v obrazu 

božského dítěte, prvorozence prvotních dob, v níž byl první 

původ, nehovoří o vzniku nějaké lidské bytosti, nýbrž o vzniku 

božského kosmu nebo univerzálního boha. 

Vedle této společně-individuální lidské schopnosti existuje 

ještě cesta druhá. Chceme-li spodobnit představu, tak aby naši 

myšlenou představu mohli jiní lidé vidět-chápat, musíme ji přeložit 

do nějakého sdělovacího prostředku. Vedle sdělných forem 

– slov si lidstvo vytvořilo rozmanité znaky a symboly, které také 

mohou být sluchové či grafi cké, jeví formu pohybovou či plastickou. 

Tyto znaky či symboly nesou již jen stopy napodobivosti, 

stávají se sdělnými prostředky již pouze dohodou dvou či více 

osob. Znaky nebo symboly se různí stupněm esoteričnosti nebo 

tajemnosti, čím je ona skupina utajenější, tím je patrnější větší 

sklon k esoteričnosti vedoucí až k formě abstraktní. Přestože 

se slovo jako obecná představa týká všech druhů poznávacích 

činností, neslouží k tomu, aby je redukovalo na intelektuální procesy. 

Druhá cesta činí z obrazivosti specifi ckou formu poznání 

– o ní mluví i Etika, když ukazuje podstatné spojení obrazivosti 

s ideou duše a s její konstitucí. K přemostění těchto dvou břehů 

nám opět skvěle poslouží umění. 

Umění rovněž je pokusem o návrat od desintegrace vyvolané 

kulturou k organickým způsobům bytí. (Jeansch, 1967). 

Přikláním se k pojetí spíše bytostnému. S prvotní formou obrazivosti 

se setkáváme právě na poli působnosti tzv. Nerozumu, 

tímto prostorem jsou stavy psychospirituálních krizí, imaginací 

uvolněných na základě transu, přechodových rituálů, vážných 

nemocí, delirií atd. a také samozřejmě tvoří fyziologickou osnovu 

snu, coby hraničního stavu mezi světem vědomí a nevědomí. 

Sen je pojem čehosi, co se vymyká slovosledu uvažování 

našeho rozumu. Domnívám se, že sen není smysluplný jen v té 

míře, nakolik se v něm křižují a rozmanitě protínají psychologické 

motivace nebo fyziologické příčiny. Sen je bohatý naopak 

právě dík chudosti svého objektivního kontextu. Je tím cennější, 

čím méně je zdůvodněn. Duch snící prodělává zcela zvláštní 

zkušenost. Toto téma, téma snové zkušenosti, nepatří pouze do 

jisté literární, mystické či lidové tradice, dá se snadno nalézt 

ještě v textech Descartových a pokarteziánských. Čím více se 

odevzdáváme svým smyslům, tím více jako bychom byli zajati 

snem. (E. Landdermann, 1923) 

Dávno před nimi tu byl Herakleitos s jeho pojmem IDIOS 

KOSMOS, jehož je otcem. Idios Kosmos spícího člověka není 

konstituován nepřítomností vnímatelných obsahů, ale jejich vy- 

a Mayská píšťala 

pracováním v oddělený vesmír. Snový svět není vlastním světem 

proto, že by tu subjektivní zkušenost nedbala norem objektivity, 

ale v tom smyslu, že konstituuje v původním modu světa, který 

mi patří a zároveň mi ohlašuje moji vlastní samotu. Kosmologie 

snu je počátkem existence samé. Příroda je zároveň nekonečné 

zvíře, nekonečná rostlina a nekonečný nerost… tyto tři domény 

přírody jsou obrazy jejího snu. (Novalis, 1995) 

Takové věci se nedají vymyslet, musí znovu vyrůst z temných 

hlubin zapomnění, pokud mají vyjádřit nejvyšší předtuchy 

vědomí a nejvznešenější intuice ducha, a tak smísit jedinečnost 

vědomí v jeho dnešní existenci s nesmrtelnou minulostí 

života. Počátky jsou stejně početné jako živly, z nichž se skládá 

svět člověka včetně jeho samotného. Člověk jako rozvinutý organismus 

prožívá svůj vlastní původ díky jisté identitě: jako by 

byl tisícinásobnou ozvěnou a jako by jeho původ byl úderem 

prvního tónu. (Kerényi, 1995) Toto mytologické zakládání obsahuje 

paradox, protože člověk uchylující se do sebe se současně 

otevírá. Mytologie promlouvá v obrazu božského dítěte, prvorozence 

prvotních dob, v níž byl první původ, nehovoří o vzniku 

nějaké lidské bytosti, nýbrž o vzniku božského kosmu nebo 

univerzálního boha. 

Často se zúčastnění i ti druzí ptají, co myslím oním spojení 

živá/živoucí morfologie, já tímto myslím právě onen funkční 

mechanismus, který umožňuje existenci řádu ve vývoji všeho 

živého… jazykem antroposofi cké duchovní vědy lze říci, že vývoj 

je potřeba pozorovat pohledem trojjediným – svatým – tělesna, 

duchovna, duševna. Oblast, na kterou jsem upřela zrak, se nedá 

zkoumat a postupovat rozumu, tak jak nás naučila materialistická 

věda. Protože abstraktní princip vykonstruovaný scientismem 

39 P 


nikdy nepostoupí do všeobecného lidského cítění, pozapomněl 

totiž na onu příznačně pohádkovou trojjedinost. 

V praxi se mi vlastně jedná o zúžení pojmů mytologické 

a magické na jejich aspekt podobenství, které je jedinou metodou, 

schopnou přenosu abstraktních jader lidského poznání na 

nevědomé úrovni. V obecném výchovně-vzdělávacím procesu 

není na tento princi pamatováno. V alternativním školství (Waldorfské 

škole) model výuky tak, jak je koncipován, není sto pokrýt 

potřebu této sdělnosti. Předmětem mého výzkumu by proto 

mohla být mimoškolní výuka formou výtvarné výchovy, která by 

pracovala za pomoci tohoto aspektu. 

Lidské poznání poslední dobou značně utrpělo a naše veškeré 

sociální nedostatky spočívají právě na tom. Poznání, tak je 

chápáno z pohledu mé koncepce, je systematicky upozaďováno. 

Cílem mého výzkumu je vytvoření metodiky, která by byla 

schopna za pomoci podobenství, celostního poznání a většího 

zduchovnění, posunu do popředí oblastí vnímaných současným 

člověkem. Ve své práci využívám jak výtvarné vyjadřovací prostředky 

s užším zaměřením na realizaci vlastního výzkumného 

projektu – tzn. podvědomé psychické tendence reagovat na 

podnět čerpající v oblasti mytologické a magické iniciace. 

Jedná s především o oblast motivační, imaginační a iniciační, 

rituální a symbolickou. 

Systematický přehled metod: 

1) výtvarné – plošné – vizuální, prostorové – hmatové 

2) obecné pedagogické 

3) holistické – meditativní, jóga, dechová cvičení, eurytmie, relaxační. 

4) arteterapeutické – imaginativní, smyslové 

5) reaktualizace mýtu – transrituální extatické pozice, harmonizace 

energetických uzlů 

TRANSRITUÁLNÍ EXTATICKÉ POZICE 

Jsou pozice odezřené ze skutečných historických artefaktů. Seznámila 

jsem se s nimi na základě výzkumu antropoložek Felicitas 

D. Goodmanové a Belindy Goreové z kalifornské univerzity. 

Tuto svou práci prezentovali v mnoha knihách, u nás vyšla pouze 

kniha Extatické pozice těla – praktická cvičení ke vstupu do jiné 

reality. Prakticky byl tento výzkum realizován v mnoha skupinách 

především ve Spojených státech, ale s jednotlivými pozicemi se 

setkáváme ve všech civilizačních okruzích a kulturních etapách. 

Aktualizace transrituálních extatických pozic není nic jiného, než 

přirozené lidské prožívání a fyzická refl exe pohybu myšlenkových 

a duchovních obsahů. Extatických pozic je nespočetně, 

každá pozice nalaďuje vědomí na konkrétní frekvenci, ale dají se 

rozčlenit do několika základních tematických okruhů, jmenovitě: 

léčení, věštění, proměna, duchovní cesty, iniciace – smrt – znovuzrození, 

živé mýty, oslava. 

Zde pracuji dvojím způsobem. V prvním případě transrituální 

pozice sama praktikuji. Vize, které během transu přicházejí, si 

po jeho ukončení zapisuji a skicuji; následně je výtvarně zpracovávám 

jako grafi ky, kresby, akvarely či jako jejich kombinaci. 

Krása rituálních pozic spočívá v tom, že každá je sama o sobě 

rituálem, a to tak dokonale přesným a silným, že plní svůj účel 

i nad rámec vlastní kultury (Goreová, 2003). Při porovnávání 

svých osobních vizí – jejich refl exí ve výtvarném projevu, projevu 

jiných výtvarníků a nakonec mýtů jednotlivých kultur metodou 

amplifi kace, docházím k závěru, že nesou stejné či hodně blízké 

P 40 

obsahy. Proto se domnívám, že obé bylo inspirováno kontaktem 

s alternativní realitou a je rozprostřeno v minulém, budoucím 

i přítomném zároveň, teda platné. Uvedu jen jeden příklad za 

všechny, je ze skupiny iniciačních pozic. 

TRANSTIRUÁLNÍ EXTATICKÁ POZICE 

ŘECKÝ MLÁDENEC A PANNA 

Je známo, že Řekové v raném období zhotovovali podobné sochy 

mužů a žen v této pozici a obětovali je v chrámu v Delfách. 

Nebyli však první, kdo takové postavy vytvářel. Byli to Egypťané, 

kteří zanechali postavy v přesně stejných pózách o stovky let 

dřív, než je převzali Řekové. Tato pozice se vyskytovala se do 

5. století před n. l., kdy zůstala jako pozůstatek přechodových 

rituálů. Zřejmě souvisí s eleusinskými mystérii a návratem Persefony 

z podsvětí, ale lidé si je spojují především s egyptskými 

bohy, v dřívějším pojetí spíše duchy. Rituály eleusinských mystérií 

se často konaly v jeskyních a jejich součástí bylo obětování 

zvířat, obvykle selat, která byla svržena do propastí, kde se rozkládala 

a vydávala přitom nezaměnitelný zápach. Tyto iniciační 

oslavy obvykle zakončovaly rituální koupele v moři. Pozice nám, 

dnes stejně jako dříve, zprostředkovává poznání, proč žijeme na 

tomto světě, Dr. Goreová jako terapeutka zná sílu, která vychází 

z vyprávění našich příběhů, z pojmenovávání toho, kdo jsme 

a jaké role hrajeme ve svých životech. Duchovní praxi můžeme 

pozměnit naše vnímání tak, že jsou naše životy uvedeny do 

kontextu s většími celky, a dávají tím širší význam našim denním 

zážitkům. 

Verze pro ženy: stůjte rovně, kolena jsou napnutá, s chodidly 

blízko u sebe, špičky směřují dopředu. Levou paži přitáhněte 

blíž k tělu, prsty, které jsou semknuty těsně k sobě, ukazují směrem 

k zemi. Pravou ruku položte na prsa tak, že dlaň je pod 

pravým prsem a prsty míří směrem k levému rameni. Narovnejte 

hlavu, stůjte zpříma a zavřete oči. Verze pro muže: stůjte rovně, 

kolena jsou napnutá a levou nohou lehce vykročte dopředu. 

Pata levého chodidla je vedle špičky pravé nohy, obě špičky 

směřují rovně dopředu. Přeneste většinu váhy na levou nohu. 

Paže nechejte svěšené blízko u těla, lokty jsou napnuté. Mužské 

sochy jako by držely v každé ruce nějaký předmět. Pro tento 

účel můžete použít křišťály. Uchopte je tak, že palce spočívají 

na hřbetech prstů a jejich nehty míří rovnou k zemi. Narovnejte 

hlavu, stůjte zpříma a zavřete oči. 




ZÁZNAM MÉHO OSOBNÍHO TRANSU V TÉTO 

TRANSRITUÁLNÍ POZICI ZE DNE 7. 5. 2008 

Nejdříve jsem začala vnímat ostrý tvar – zobák nějakého vodního 

ptáka, asi ibise – jeho tvář se změnila v soustavu mostů, ty 

se proměnily v přídi lehkého člunu, stála jsem na palubě a projížděla 

sítinou, rákosím. Slyšela jsem překrásný zpěv tisíců ptáků 

a taky hmyzu. Cítila jsem pocity odpovědnosti, svou vnitřní 

bohyni. Sbírala jsem kousky popela či jakési roztroušené hmoty, 

která zanikla nepřirozenou násilnou cestou. S pocitem obroditelky, 

která vše sbírala a měla za úkol znovu přivést k životu. 

Pak jsem jakými vnitřním pohybem otevřela jinou realitu, svislý 

kruhový otvor, který vypadal jako mléčně zabarvená hladina, 

sálala z ní lásky, obroda, milost, životní síla. Stále v této tělesné 

pozici jsme vstoupila do této brány a stoupala světlem vzhůru. 

Uviděla jsem mnoho žen v černém hávu, zdvihaly dlaně a tím mi 

pomáhaly stoupat. Ocitla jsem se na stupni jakési pyramidy, ze 

které byl přehled po celé úrodné zemi a vše stvořené, ze slunce 

a radosti. Cítila jsem odpovědnost, že má služba spočívá v tom, 

že svým záměrem, svým životem udržuji toto v rovnovážném harmonickém 

stavu. Nad krajinou byl nejdříve jeden a pak mnoho 

měsíců, o kterých jsem věděla, že je obývají stejné bytosti. Nad 

námi se klenula Matka – Nút. 

Pro srovnání uvádím ofi ciální Egytský mýtus svoření. Velká 

matka Nun porodila vlastní plodivou silou tři bohy – Cheprera, 

Re a Atuma, kteří byli jedním a třemi zároveň. Bůh Atum se opět 

vlastní plodivou silou rozdělil na dvě části, z nichž jedna byla 

Šov (Bůh světů, prázdno, vzduch) a druhá Tefnut (Vesmír, vlhkost 

skrývající řád). Ti dva zplodili dvě děti, Geba (Zemi) a Nut 

(Nebe). Nut porodila čtyři děti – syny Osirida a Sutecha, dcery 

Isis a Nebthet. Všichni byli sourozenci, nicméně Isis se stala 

družkou Osiridovou a Nebthet Sutechovou, protože jejich niterné 

povahy tomu odpovídaly. Osiris byl vládce života a Světlem, 

Sutech vládce smrti a Tmou. Osiris jako prvorozený převzal vládu 

po svém otci Gebovi a stal se králem. V Egyptě vládlo Světlo, 

které nepotřebovalo odpočinku. Bratr Sutech však Osiridovi 

záviděl, žárlil na něj a začal vymýšlet, jak se zmocnit vlády nad 

Egyptem. Použil lsti, zabil Osirida a rakev s jeho tělem vrhl do 

Nilu. V Egyptě převzala vládu Tma. Isis s Nebthet však Osirida 

našly, oplakaly a ukryly. Sutech skrýš objevil, rozsekal Osirida na 

Tisíce kousků a roznesl je po celém Egyptě. Isis s Nebthet se 

ale nevzdaly, našly všechny Osiridovy části a spojily je. Jediné, 

co chybělo, byl jeho falus. Isis se rozhodla s mrtvým Osiridem 

počít, aby mu zajistila následovníka, za této situace však nevěděla 

jak. Požádala boha Re o tajemství Tvoření. Re ho však 

nechtěl prozradit, ale Isis z něj tajemství vylákala lstí. Změnila se 

pak na holubici, usedla na mrtvé tělo Osiridovo a motivována 

velkou láskou počala. Z tohoto spojení se zrodil Horus, kterého 

Isis před Sutechem ukrývala, dokud nedospěl. Když se pak 

stalo, bojoval se Sutechem o trůn. V boji přišel o jedno oko, 

Sutechovi probodl varlata. Před soudem devatera bohů vymýšlel 

Sutech pomluvy, ale Isis statečně čelila a Hora nakonec 

obhájila. Soud rozhodl spravedlivě a určil, že oko bude Horovi 

navráceno, Sutechova varlata zůstanou probodnuta, protože to 

byl on, kdo spor vyvolal. Horus se rozhodl, že navrácené oko 

věnuje svému otci Osoridovi, a tím ho učinil Pánem podsvětí, 

Pánem života a smrti, Pánem věčnosti, Pánem řádů, Pánem 

Horního i Dolního Egypta, Pánem blahobytu, Pánem potravy, 

jež je zároveň ječmenem, ovšem, žitem o pšenicí, Pánem, který 

vládne zemskému povrchu i podsvětí, Králem Bohů. Stal se ve 

shodě Osiridem, Sutechem i Horem zároveň. Tři se stali jedním. 

Boží soud dále určil, že vítězný Horus převezme vládu otcovu 

a stane se Sluncem a poražený Sutech měsícem… Boj pokračuje 

dále – Sutechova dcera Het, kterou Nebthet počne, se 

stane družkou Hora, protiklady se opět vyvažují. Jejich spojením 

vznikne bytost Hathor… Jde o proměnlivost, o potenciál, který 

může být aktivován pouze ženou, která pochopila tajemství Tvoření. 

A jako žena může zasvětit další Hat. V tu chvíli přechází 

její síla na všechny ostatní ženy, ať jsou Isis, Nebthet či ženou 

jakéhokoli jména. Stávají se opět jednou a všemi zároveň. Tato 

žena je schopna přeměnit odporující energii může na energii 

vstřícnou a učinit z něj Boha. 

Zde si dovolím malé přirovnání k daleko modernější verzi 

– Adam vyňal své žebro a učinil z něho ženu. Žena tak dlouho 

hněte těsto Adamovo, až se opět stane jeho žebrem a oba se 

stanou žebrem vyšší bytosti, která je opět vyjme a tak dále… 

Již dávno všichni víme, že trůn je naše srdce, úhelný kámen, 

alchymistický kámen mudrců. 

REAKTUALIZAČNÍ TECHNIKA ZOBRAZENÍ/ 

ZHMOTNĚNÍ 

Origami z mandal (akvarel) – květy a origami ze zlatého papíru 

– Panny; doplněné dílčí papírovou instalací a následující další 

víceúrovňové aktualizace bylo dosaženo hojivou cestou po 

čakrách města – jedná se tedy o Harmonizaci energetických 

uzlů města. 

Tato aktualizace spočívá ve vytvoření artefaktů za účelem 

posílení jednotlivých energetických centem města (Jindřichova 

Hradce). O lokalizaci jednotlivých center se zasloužil Jaroslav 

Chvátal, který je našel díky svému mediálnímu daru. Toto specifi 

cké putování postupně navštíví všech sedm čaker města, 

a Medvědí duch 

41 P 


a Olmécký věštec 

v jejichž místě budou použity odpovídajícím způsobem artefakty 

k posílení a harmonizaci celého města jako organismu, jako mikrokosmu 

a makrokosmu zároveň. 

Máme naše město rádi, je pro nás manifestací kosmického 

dění a proto se snažíme, aby život v něm byl co nejblíže rovnovážnému 

stavu. 

Pozice Řecký mládenec a panna je svou působností podobná 

čakře srdeční. 

Čtvrtá čakra je v místě částí oltáře kostela Nanebevzetí 

pany Marie a prostranství před průchodem k radnici. Anaháta, 

také nazývaná čakra srdce nebo srdeční centrum. Umístěná je 

uprostřed prsou ve výši srdce. Otevírá se směrem dopředu. 

Barva energie čakry je zelená, také růžová a zlatá. Jako element 

jí byl přiřazen vzduch a smyslová funkce hmat. Symbolem čtvrté 

čakry je lotos s dvanácti okvětními lístky. Základním principem 

srdeční čakry je odevzdanost. Čakra srdce vytváří střed systému 

čaker. V ní se spojují tři spodní fyzicky – emoční centra se 

třemi horními – duchovními. Úloha centra je sjednocování skrze 

lásku. Každá touha po vroucím kontaktu, po splynutí, harmonii 

a lásce se projevuje prostřednictvím čakry srdce. Tyto projevy 

jsou zřetelné i v opačném případě – smutek, bolest, strach z odloučení, 

ze ztráty lásky apod. Ve své očištěné a dokonale otevřené 

formě je čakra srdce centrem opravdové ničím nepodmíněné 

lásky. Lásky, která je zde jen kvůli sobě samé, kterou není možné 

mít nebo ztratit. Ve spojení s horními čakrami se stává tato láska 

Bhakti, tj. láskou boží. Vede k poznání boží přítomnosti v celém 

stvoření, ke splynutí s nejvnitřnějším jádrem, srdcem všeho 

v Universu. Každým záporem vytváříme oddělenost a negativitu. 

Pozitivní láskyplné ano naproti tomu vytváří vibrace, ve kterých 

P 42 

se negativní formy projevu a negativní pocity nemohou udržet 

a mizí. (Trpíme-li nějakou bolestí nebo nemocí, můžeme pozorovat, 

že láskyplnou pozorností k nemocnému orgánu nebo části 

těla se může uzdravení značně urychlit. Vyzkoušejte si to někdy.) 

Prostřednictvím čakry srdce disponujeme velkým potenciálem 

transformace a uzdravování. A to jak pro nás samotné, tak i pro 

ostatní. Centrum srdce vyzařuje velmi silně. Otevřená čakra srdce 

má na ostatní spontánně uzdravující a proměňující účinek. 

(Při vědomém uzdravování spolupůsobí také čakra čela.) Čakra 

srdce vyzařuje v zelené, růžové a někdy také ve zlaté barvě. Zelená 

je barva uzdravení, harmonie a sympatie. Když člověk vidící 

auru spatří u někoho v oblasti čakry srdce čistou jasnou zelenou 

barvu, je to pro něj důkaz výrazných léčitelských schopností 

dotyčného člověka. Zlatá, prorůžovělá aura označuje člověka, 

který žije v čisté, oddané lásce k božství. Srdeční čakra je často 

nazývána branou do duše, protože není jen sídlem nejhlubších 

a nejživotnějších pocitů lásky. Pomocí ní se také můžeme spojit 

s univerzální částí naší duše. 

TRANSRITUÁLNÍ EXTATICKÁ POZICE DÁMA Z LEMBY 

Dáma z Lempy je fi gurka těhotné ženy vytvořená z limestonu 

přibližně 3000 let před naším letopočtem – v období chalkolitické 

kultury. Soška byla nalezena ve vesnici Lempa (Lemba) na 

Kypru. Figurka zaujímá specifi ckou pozici připomínající porodní. 

Dlouhý krk je považován za falický symbol, ale podle zkušeností, 

které mám s transrituálními extatickými pozicemi, se spíše jedná 

o znázornění pocitu ze změněného stavu vědomí. V areálu 

archaické vesnice odkryté při archeologických výkopových pracích 

byly na základě původní předlohy vybudovány chýše, které 

byly zasvěceny rituálům porodu. 

Během transu v této pozici byla opakovaně zaznamenána 

žena, porodní bába či kněžka pomáhající ženám při porodu. 

Tuto pozici zkoušeli ve skupině čtyř lidí. 

Postavte se rovně s nohama u sebe, krk je vytažen, hlava 

je držena rovně v mírném záklonu a oči zavřené, ruce jsou 

pokrčené, lokty odstávají od těla, prsty u sebe, ruce se spojují 

konečky prstů pod pupkem, palce se dotýkají. 

Kypr je silně spjat s řeckou mytologií, umělci, kteří zde žijí 

či dlouhodobě pracují, se cítí touto mytologií velmi ovlivněni. 

Měla jsem možnost hovořit se Stassem Paraskosem , Margaret 

Paraskosči Johnem Simsem. Všichni do jednoho prosycenost 

ostrova silou starých archetypů popisují a ve svých dílem zobrazují. 

Dokonce popisují i jakési znovu vyvstávání mýtu při jeho 

neustálém ztvárňování. Toto mohu doložit i obrazy, které vy vstaly 

v průběhu skupinového transu, kdy jsme shodně prožívali 

podobné obrazy – vždy se zjevovala žena, vážky, okřídlený muž, 

vlny, voda, porod. Li zaznamenala propojení srdce s pupeční 

šňůrou zlaté barvy se svými blízkými, letícího muže, sedící ženu, 

jejíž pozice působila dojmem pentagramu, tělo složené ze tří 

energetických tvarů, energii proudící mezi rukama položenými 

na břiše, původně zaujímala jinou pozici, ale během transu ji 

bylo ukázáno, aby ruce posunula pod pupek. 

Kamila vnímala ženu, která stojí s ohněm, stojí s vodou, stojí 

s ohněm a vodou – nabízí vodu, jako pozemská bohyně vody 

či kněžka, což si lze také snadno díky obsazení elementů spojit 

s bazálními iniciačními zážitky porodu. David zaznamenal toto: 

Bohyně lásky, krásy a smyslnosti, v pravém slova smyslu – 

symbol sexe-pelu, je ústřední postavou četných příběhů lásky. 

Bohyně krásy, rozkoše, citů, těla, lásky Afrodita, je jedním 

z nevýznamnějších Božstev řeckého panteonu. V Orientu 




byla uctívána pod různými jmény, jako například Inanna, Ištar, 

Astarté, jako Bohyně války a ničivé síly. Další Božstva podobná 

Afroditě se objevují i v jiných kulturách: například italská Venuše 

nebo starověká skandinávská Bohyně Freya, vládkyně nad 

láskou a válkou. 

V řeckém světě se Afrodita postupně diferencovala od Héry, 

Bohyně Země, plodnosti a porodu a manželské lásky. Afrodita 

naopak ztělesňovala lásku fyzickou a vášnivou, smyslnost, která 

na své cestě strhává vše. Zrození Afrodity je předmětem mnoha 

mytologických příběhů. Hésiodos vypráví, že když Kronos usekl 

svému otci Úranovi genitálie, vhodil je do moře. Na hladině vody 

se vytvořila pěna, odkud se vynořila nádherná Bohyně. Afrodita 

získala své jméno od oné pěny: Aphros, ostrov Kythéra, poté na 

Kypr, kde vystoupila z moře na pevnou zem. Podle Íliady zplodil 

Afroditu Zeus s Dianinou, která byla dcerou Neptuna. Na základě 

těchto dvou protichůdných verzí, tvrdil Platón, že existují dvě 

Afrodity: Úrania, dcera Úranova, Bohyně čisté lásky a Pandemiéne 

(ta, která patří všemu lidu), dcera Dianina, Bohyně smyslné 

lásky. V Athénách byla uctívána jako nejstarší z Bohyň osudu. 

Jinde byla jako dcera Kronova zařazena mezi Erínye. Podle tradice 

zavedené Aelianem, stoikem a znalcem řečtiny, se Afrodita 

zrodila z lastury, na které připlula nahá k plážím Kypru. A právě 

tak ji zachytil Botticelli na svém slavném obraze. Lastura, symbol 

ženského pohlaví, zůstala společně s myrtou, růží a holubicí 

jedním z hlavních atributů Bohyně. Po příchodu na Zem Afroditu 

oblékly a zkrášlily Hóry, které ji doprovodily na Olymp, kde byla 

přijata Bohy. 

Ovšem Bohyně lásky a krásy zůstala mezi nesmrtelnými 

osamocená: ostatní se jí obávali kvůli její obrovské moci, protože 

mohla podřídit vášni všechny lidi i všechny Bohy, s výjimkou 

Athény, Artemidy a Hestie, Bohyně domácího krbu. Její 

Mezopotámský protějšek je Ishtar, Egyptský protějšek Hathor 

a Syro-Palestinský protějšek Ashtart (Astarte). Její Etruský 

ekvivalent byl Turan. Má blízko k indoevropským Bohyním Ushas 

a Auroře. I Bohyně sama byla náchylná k velkým milostným 

vzplanutím. Velice často podváděla svého manžela, kulhavého 

kováře Héfaista, s jinými Bohy i nápadně krásnými muži. Její 

vášeň pro Area, Boha války, nakonec Héfaistos odhalil. Uvěznil 

proto milence v síti a pomstil se tím, že je tak ukázal ostatním 

Bohům. Z Afroditina vztahu ke krvelačnému Bohu se zrodil 

Erós, Deinos (Děs), Fobos (Strach). Dále pak Anterós, Bůh, 

který chrání konání všech zamilovaných a Harmiona, Bohyně 

svornosti a rovnováhy. Jsou to dvě protikladná Božstva, která 

symbolizují dvojakou přirozenost této Božské dvojice. Z dalšího 

vztahu Bohyně tentokrát k Trójanovi Anchisovi se narodil 

Aeneas. Díky tomu, že ho Bohyně Afrodita během trójské 

války ochránila, mohl tento hrdina uprchnout do Latia. Tady 

se stal zakladatelem královské dynastie: zakladatel věčného 

města. Romulus byl jeho potomek. A právě z tohoto důvodu 

je Venuše-Afrodita považována za pramáti města Říma a jeho 

první ochránkyni. Nejsmutnějším příběhem lásky Bohyně Afrodity 

je její láska k Adónisovi, nádhernému mladíkovi, jehož 

jméno ve fénickém jazyce znamená pán. Již od dětských let se 

o něj Persefona a Afrodita přely. Zeus rozhodl, že bude žít část 

roku u Bohyně podsvětí a další část roku u Bohyně lásky. Když 

Adónis dospěl, stal se Afroditiným milencem. Při jednom lovu 

byl smrtelně poraněn kancem. Z jeho krve vyrostly červené 

květiny: anemonky. 

Adónidův každoroční návrat na Zemi připomíná kult plodnosti 

spjatý se střídáním ročních období: zrna spí v zimě pod zemí 

a na jaře se znovu probouzejí k životu. 

Adónidova smrt a znovunarození se oslavovaly v Byblosu, ve 

Fénicii v podobě Bohyně Astarté, zatímco v Řecku se pořádaly 

velkolepé oslavy nového setkání Boha s Afroditou. Podle antropologa 

Jamese G. Frazera jsou rituály hebrejských, později pak 

křesťanských velikonoc přímo spojeny s mýtem Adónida. Více 

naleznete v Ovídiových Proměnách. 

a Opeřený had 

Prameny 

Goreová, B. Extatické pozice těla. Praha: Votobia, 2003. 

Informační tabule v areálu prehistorické vesnice v Lempě/Paphos, Cyprus. 

Kyperské archeologické muzeum v Nicosii. 

http://charmed.cybergames.cz/bohyne_afrodita.html 

Literatura: 

Etika, kniha II, axiom 3 

Foucault, M.: Sen a obraznost. Liberec: Dauphin, 1965. 

Foucault, M.: Toto nie je fajka. Bratislava: Fata Morgana, 1994. 

Foucault, M.: Dějiny šílenství. Praha: Lidové noviny, 1994. 

Passeron, R. in Read, H.: Výchova uměním. Praha: Odeon, 1967. 

Goreová, B.: Extatické pozice těla. Praha: Votobia, 2003. 

Haich, E.: Zasvěcení. Praha: Aquamarin, 1994. 

Jeansch in Read, H.: Výchova uměním, Odeon, Praha 1967. 

Kerényi, K., Jung, C. G.: Věda o mytologii. Brno: Nakladatelství Tomáše 

Janečka, 1995. 

Landermann, E.: Die Transzendenz des Erkennens. Berlin, 1923. 

Neubauer, Z., Škrdlant T.: Skrytá pravda Země. Praha: Mladá Fronta, 

2005. 

Novalis in Foucault, M.: Sen a obraznost. Liberec: Dauphin, 1995. 

Fotoreprodukce z archivu autorky. 

43 P 


SIMON KÖLLE 

P 44 

Musician, composer, writer, fencing & knife fi ghting instructor. 

Musician and composer with 10 releases in the genres of fantasy (cinematic), dark ambient, experimental and art 

music. Simon has been a Swedish writer deeply rooted in the traditional theatre and participatory art with more than 

30 projects surrounded around weekend long improvisations and plays for both young and old. Simon also works 

as a director, writer of fantasy/fi ction and sound designer. Last but not least Simon is a one of the leading duel 

fencers in Europe and among his fellow instructors and students are numerous of champions. 

HOW DO YOU BECOME THE TEAPOT? 

By the way, the role of imagination itself and participatory art (2008) 

Don’t get set into one form, adapt it and build your own, 

and let it grow, be like water. Empty your mind, be formless, 

shapeless — like water. Now you put water in a cup, 

it becomes the cup; you put water into a bottle it becomes 

the bottle; you put it in a teapot it becomes the 

teapot. Water can fl ow or it can crash. Be water, my 

friend. 

Bruce Lee: A warrior’s journey, 2000 

By the way is always what´s inserted between the lines or 

afterwards. It´s the formless, shapeless water and the but after 

the end of a sentence. With other words is it the starting point 

of stories, and an endless stream of imagination. It is what really 

counts in the end of the day. 

Escapism is a commonly used word right now because we 

see a movement of neo-theatre as Grotowski predicted would 

save theatre. Grotowski meant that The trump card for the 

theater, its last chance and the basic premise of the theater of 

the future or the neo-theater, is the possibility for direct contact, 

togetherness, and dialogue between the stage and the audience. 

This possibility, which is inherent only in the theatre, 

can produce the neo-theater… The neo-theatre will stop being 

theatre in the present meaning of the word. It will become 

a new branch of the arts. (Zbigniew, 1986). 

But... Always with new forms of art you have the byproduct. 

One such byproduct of the neo-theatre is the commercial 

media which often fl irt with escapism and interactivness. As 

an example I can mention computer games were the freedom 

and imaginations are within strict created boarders and competitions. 

Suppose art and imagination really is about something, that 

it´s not only entertainment. Suppose art and imagination is to 

be a guiding light in a harsh world. What kind of art would you 

need then? What would be the role of imagination? You would 

need art that realizes that the solution is on another level of 

the problem – you can´t solve problems made by Cartesian 

dualism inside that paradigm, you have to get out of it, How? 

musterion_darkwave@hotmail.com 

The way out of the Cartesian Paradigm is to engage in art that 

you participate in creating or completely can become one with. 

Participatory arts are probably the ultimate postmodern form 

of expression even though it´s as old as it gets. It promotes 

a nondualistic, anticartesian prospective. As a spectator, only, 

you can live with many differing viewpoints at the same time 

– it´s all in the head – as a participant you have to decide which 

one to live by. Participation is power to the people acted out, 

not only talked about. Many have argued that these new participatory 

cultures represent ideal learning environments. Gee 

(2004) calls such informal learning cultures affi nity spaces, asking 

why people learn more, participate more actively, engage 

more deeply with popular culture than they do with the contents 

of their textbooks. Affi nity spaces offer powerful opportunities 

for learning. 

In The Art of Dreaming, Castaneda wrote that Don Juan contended 

that our ordinary world – 

...which we believe to be unique and absolute, is only 

one in a cluster of consecutive worlds, arranged like the 

layers of an onion. He asserted that even though we 

have been energetically conditioned to perceive solely 

our world, we still have the capability of entering into 

those other realms, which are as real, unique, absolute, 

and engulfi ng as our own world is. 

Castaneda, 1993 

If we, for a moment, put aside our day to day reality that we 

so desperately cling to; we let us be engulfed in the unfathomable 

realm of the unknown. We need some kind of tool to 

completely or at least wholeheartedly stay in the zone of the 

unknown, in the other world. 

To participate to the fullest in the imagination is not doing 

it 50%. You need to make the leap, let yourself be lost and 

carried away. It´s not enough to put on a pirate costume to become 

the pirate. You need to make the transformation from the 

inside out. You need some kind of tool to trigger the entering 



Y SIMON KÖLLE 

to another world, A man of knowledge lives by acting, not by 

thinking about acting. (Castaneda 1971) 

To participate or create is not necessary putting on a false 

beard and try to be someone else (even though that could arguable 

work too). You can do it right now, in your chair or in your 

bed. It´s not easy but you could if you try. The tool is a kind of 

acting, actually becoming and doing it 100%. 

In sports you call it to enter the zone and in other circumstances 

of, for an example, immediate danger for your child, you 

can enter the primitive state of pureness and focus. In such circumstances 

a total fl ow enters the mind and we have all heard 

of women lifting cars to save their child underneath it and things 

like that. 

In the art of imagination you can enter the zone, which is the 

deeper level, with the help of both body and mind. The ideal 

mindset enables the body to function automatically with little 

conscious effort. In this optimal state, complex tasks appear to 

be easily accomplished and time can either stand still or rush 

by as the performer is completely immersed in what he or she 

is doing. The ability to immerse yourself in task-relevant cues 

that allow you to execute a task while staying grounded in the 

present moment. Concentration also includes the ability to not 

attend to distractions or non-relevant thoughts and refocus 

when distracted. 

When we hear a fantastic story or see a tremendous fi lm we 

get into it and feelings emerge inside of us. But when only consuming 

you don´t enter the dream world as much as glancing 

into it. 

The role of imagination is more than being an image of 

a thing found in the mind, a conception, a thought, an idea. At 

least if we truly want to immerse into a dream world, the next 

level of imagination. 

Sources 

Castaneda, Carlos (1971). A Separate Reality. New York: Pocket Books. 

Castaneda, Carlos (1993). The Art of Dreaming. New York: HarperCollins. 

Little, John (2000). Bruce Lee: A Warrior’s Journey. Warner Home Video. 

[Video documentary]. 

Osiński, Zbigniew (1986). Grotowski and His Laboratory. New York: PAJ 

Publications [A Division of Performing Arts Journal, Inc.]. 

45 P 


TOMÁŠ VALČIK 

MÝTUS O &TOMOVI 

Na počátku byl zřejmě nezměrně nestvůrný Neřád nesmírného 

vesmírného éteru, v němž se koupala divukrásná Kami – Velká 

Matka Veškerenstva –, podobna kosmickému holovejci, hovícímu 

si v útrobách pravěkého Draka: křehká, osamělá, líbezná. 

Pyšný rozprostraněný papínek v ní soustředil vše, co sám 

neupotřebil, a vdechl tak v chřípí život svému esenciálnímu 

protipólu – harmonií prostoupené stránce neposkvrněného prapapíru 

(Početní světoví zeměměřiči se přitom domnívají, že její 

proporce jsou vyjádřením absolutní hodnoty Pí, a co víc!, někteří 

z nejváženějších archeontologů, morfogenetiků i šamanů naší 

éry zastávají nadto tezi, že její buněčná struktura jest tatáž, co 

tkáň mýtického Yggdrasilu!…). 

Panensky bělostná pleť jejího dráždivě souměrného těla zářila 

šerou dálavou nehostinné metagalaktické tůně a vzdor vší 

princeznině cudnosti vábila, jak pohádková bludička či svůdná 

světluška, svého vysněného nápadníka, jenž osvobodil by ji 

z dusivého sevření mocného Pantáty… 

Netrvalo dlouho (alespoň v mezihvězdném měřítku co by 

dup) a z předalekých nekončin znenadání zatoulal se v ona 

bezútěšná místa legendami opředený bojovník proti bezpráví, 

útlaku i hrůzným Nestvůrám Horror Vacui – HRDINA, slyšící na 

jméno Tom! 

Co svět světem stojí, prohání atletický rek (coby neduživý 

klouček potrefený Amorfovým šíperem!) kdejakou papírovou 

sukni a zmocňuje se dychtivě jejich nedotčených stránek, 

v nichž spatřiti touží byť jen šlépěj nepolapitelného jednorožce, 

kteréžto posvátné znamení nedostižné ryzosti po celé věky všemi 

galaxiemi napříč stopuje… 

Toho času zavedla reliktní ektoplasma naše neohrožené 

stopařské eso tak hluboko do nitra ponurého transgalaktického 

hvozdu, jak dosud žádný smrtelník jaktěživ se neodvážil. 

Věhalasný dobroduch bloudil zdánlivě mrtvým lesem, když 

vtom Tomova cituplná mytogenetická čidla zaznamenala nebývalý 

nárůst vitálních impulsů v nejtemnějším sektoru všeprostupující 

transmutující sluje! Palubní monitory mrkaly o závod 

a před rytířovým organickovovým ořem zčistajasna se vynořilo 

bohapusté moře virulentní Nejistoty, střežené ďábelskými Pandémony 

– prašivými služebníky Neřádu, v jehož sevření senzitivní 

senzory lodního kompjůtru (slovutný HAD 9000) vytušily 

spanilost vpravdě nevšední… 

Tu skvoucí Kami na nepatrný zlomek věčnosti svými hnedle 

P 46 

* 31. 12. 1981 Boskovice 

t.valcik@seznam.cz 

„HM, narodil jsem se 31. 12. 1981 v Boskovicích, ale nevím, do jaké míry je tato informace důležitá pro &Toma. 

A čím se zabývá? Nevím, jak moc vhodné je kazit kouzlo mýtu a hledat defi nici. Osobně bych to nejraději vyřešil tím 

vzorečkem, který jinak a krátce vystihuje podstatu &tomové reakce…“ 

čtyřmi slonovinově bílými rohy oslniti svedla všeobjímající Temnotu 

a prokvetla na plachý oka mžik přízračné hlubiny koncentrovaného 

Šílenství jasnou vidinou čistoty a nadpozemské 

harmonie. 

Jen na ještě jepičtější mžik se Tomovi z toho zjevení zatočila 

hlava, až maně zalapal po dechu (probudilo v něm vzpomínku na 

dokonalý vševědoucí monolit, který kdysi potkal v přítmí kinosálu 

a který nyní vedle spatřené krásoázy dočista pozbýval autority), 

avšak již v příští buňce času soustředil veškerou svou Sílu a, políčku 

všanc, vnořil kurážně Divotvorné nefritové šípero do nitra 

bujících pravod, by živoucí perly byť jen na kmit kolibříka směl 

se dotknouti. Čas jakoby se docela zastavil, když ji co nejněžněji 

první iniciační kresbou polaskal, a vzápětí jakoby se mu mezi prsty 

ve splašený úprk obrátil, když v bouři propukl dosud mlčenlivý 

Drak, odmítající princeznu z komnaty na krok pustit! 

Chrabrý jinoch vzácný ostrůvek sličnosti udatně jal se brániti 

a s vydatnou pomocí triády posvátných substancí – totiž Tužky, 

Tuše a taoplného Tsuokni – uštědřil neuchopitelnému mlhovinovému 

Pantagonistovi v lítém boji bezpočet implicitních sémiotických 

ran, jejichž dopad zjevně se však míjel s explicitnějším 

sukcesem… Ústyhodná fysická konstituce hrdinova neznamenala 

v astrální dialektické půtce pražádnou výhodu a bystrý jeho 

úsudek jevil se v titánském střetnutí s všudypřítomným Pantátou 

krapánek nemístně – Láskavá šarvátka zkrátka neúprosně spěla 

k apokalyptickému kataklyzmatu, když tu… 

…Ejhle! 

I učinil Tom zčistajasna cos tou měrou nevídaného, že toto 

Zázraku směle smí se rovnat (Zázrakem ve světě bájesloví přitom 

přirozeně míněn jest toliko nejprostší čin člověčí!) a odkud 

mechová stezka do svatostánků nejstarších kronik i srdcí našich 

najisto se ubírala – By svou lásku z žaláře vysvobodil a našemu 

pokolení, dosud pouze tušenému v ještě prázdné matérii opuštěného 

kresebného pohlazení, by holý příslib v naplněný život 

proměnil, nezaváhal ni co špendlík ve hvězdokupce, proti všem 

pohádkově schémantickým předpokladům nesobecky se výsadního 

statutu nesmrtelného hrdiny vzdal a s překvapivě lidskou 

bázní (ale i ryzím altruismem téhož původu) vyslal nejodlehlejším 

molekulám vesmíru vstříc nouzový signál s prosbou o pomoc…! 

Tak stalo se, že mechafysičtí posli posily vskutku do válkou 

zmítaného kraje velmi záhy přivedli a našim světům, v supergalaktickém 

potenciálu papírové Archy uvězněným, provždy tak 

v ústrety nade vše kýženému Jsoucnu pěšinku nebezpečnou 

džunglí proklestili… 



Y TOMÁŠ VALČIK 

47 P 


(Pro podrobnosti náboru viz kupříkladu Sedmero samurajů A. 

Kurosawy – jedno z nejvýznačnějších děl, přejímajících &Tomovo 

archetypální synaptické mytologéma – ovšemže na o mnoho 

primitivnější úrovni.) 

Ze všech koutů kosmu nasněžily rázem do propastně černých 

blat celé myriády eventuálních sudiček (tj. pozitivně nabitých 

částic, obdařených životodárnou mocí), jež s odzbrojující 

bezprostředností rázem se naladily na kmitočet arci hrdinova 

lůnárního modulu, intuitivně snesly se na orbitu půvabné obdélníkové 

planety a pod senzibilním vedením Tomovým sdružil 

se vyvolený výkvět jejich nad tajůplnou kolébkou, by nezištně 

ujal se poslání z nejvyšších – totiž umné ikanonické, interakčně 

štafetové péče o vegetativní růst přeúrodného, leč prozatím 

namnoze zimně dřímajícího políčka takříkajíc komiksového… 

Pohleďte! Jakoby osiřelý polibek extaticky následován byl 

bezpočtem čchilých polypků, když vybraní ochotníci jali se 

korálativně lůnární povrch nadčasoprostorové Kami magickou 

formulí tušémového (= tuš + živá voda /zevrubně in Löw-c‘/) 

tetování artrologicky terraformovati, a jakby nato hladina Její 

Jasnosti rázem čiperně čeřila se Životem…! 

V tomto bodě zmiňují se některé archivní prameny o historicky 

prvním muzikálovém čísle, jež, jak praví zřejmě nejdůvěryhodnější 

z nich (kniha Partenogenesis Obrázkového seriálu Svatého), 

stylizováno bylo jest jako metaforické odstřižení Kami od svého 

Oidipovského rodiče a její synchronní přerod v Matku samu. (…) 

P 48 

Kami se pouští čerstvě upilovaného rezavého řetězu a stébla na 

konci omamně voňavé šňůry spletených květů se v úchvatné alegorické 

choreografi i ladně chápe, by vesmiřitelní Tomovi spojenci 

pod taktovkou jeho jak jeden muž /&Tom!/ tanečním krokem ji 

v závratném reji barev a podbízivých not ze špinavého dna bažiny 

do paralelního světa medové fantasie v hřejivém náručí přenesli 

(…) do vany, po okraj napuštěné elixírem života! (…) V následující 

scéně v ohňostroji světelných efektů a fantastických pěveckých 

výkonů povíjí mladičká rodička malý oříšek pro rekvizitáře, totiž 

děťátko tvaru nekonečného kosmu, a všichni kol toho zázraku 

svorně se drží za ruce a společně pějí mámivou píseň o hravém 

hermafrodítku (jedna z prvních slok kupříkladu podává didakticky 

polopatické vysvětlení homunkulova upřímného, leč kolísavého 

žvatlání univerzální řečí obrazů těkavého rukopisu…), píseň 

o bezbřehé lásce rodičovské a o tom, že je-li vás víc, netřeba 

se Draka báti nic (…) a zaposloucháte-li se ve fi nále skladby 

pozorněji, odmění se vám vynaložené úsilí vrchovatě virtuózním 

aranžmá takřka podprahového Neřádova basu, podkreslujícího 

čarokrásnou melodii náramně nejednoznačně odkudsi ze zákulisí… 

(str. 11–22) 

…A co &Tom, ptáte se? Ach ano, fi guru toho jména v původním 

znění skutečně byste pohledali…! Až letité výzkumy podnes 

nade vši pochybnost vzpomenutou teatrální kulminaci vyvrátily 

a pod vrstvami staletitého nánosu lidové slovesnosti mistrně 

nám odkryly skutečnosti nepoměrně přiléhavěji střiženou theorii 



Y TOMÁŠ VALČIK 

vyústění přešťastných to událostí, z nichž utkán jest charakter 

světa vezdejšího a jejichž intelektuálně rafi novaná verbalisace 

ujala se takto s pietním vděkem prvotnímu hybateli (však rovněž 

s nehynoucí úctou vůči nezanedbatelné družici věrných 

součástek) v odborných kruzích coby pojem, jenž propůjčil pak 

synthetizující titul stávajícímu chvalozpěvu, jakož též kolektivnímu 

autorství souborného to fenoménu kooperativní komiksové 

maieutiky (dále jen kokom). 

Nuže, při aktu stvoření, měřitelném co do diskursu nic-něco 

pouhopouze s Velkým Třeskem, uvolnilo se mimochodem tak 

enormní množství energie, že na nebi nad Betlémem spatřena 

byla coby planoucí astronomický úkaz…! Ó, prýštící gejzír existence 

objal tenkráte levou zadní kompletní Pantehom a na tentýž 

nádech na své pouti proměniti se chopil souhvězdnou fl otilu 

porodních bab ve skupenství neméně souznělých, však nadále 

nivíce hmotných mythočástic, jež jen šťastným přičiněním kvazifyzikálních 

zákonů, kongeniálně zplozených spolu s narativ- 

ním jejich Potomkem, nerozkutálely se do všech stran vesmíru, 

nýbrž do posledního mikromolekulárního opozdilce v polyjedinou 

symbiotickou entitu symbolicky naopak splynuly – v Mléčnou 

dráhu, kojící ze třetího rozměru naši novopečenou civilisaci, 

kvetoucí v obou dimensích výsostné feuille fatale Kami, takto 

plaše ploché planetky, osídlené příběhy! 

Heroické společenství Tomovo velkolepě tímto prolnulo 

v komplexní duchůplné Jsoucno, jež &Tomem ctí jest nám po 

všecek příští čas zváti i vzývati (od těchto dob zvykem jest každého 

dne obřadní komiksovou mandalou či orgiastickou obětinou 

marmeládových palačinek jej velebiti)! 

Zkrátka a dobře, na počátku byl kokom, a ten kokom byl 

u &Toma, a ten kokom byl &Tom…! 

49 P 


MARTINA NAVRÁTILOVÁ 

a Voda 

VODOJEMY 

P 50 

* Brno 

dafy.whale@seznam.cz 

Absolventka Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity, výtvarnice, pracuje jako výtvarný terapeut v denním centru 

v Clifdenu, Irsko. 

Žije V Letterfracku, Connemara, Irsko. 

Vše, co vidíme tu, něco jiného je. 

ten širý příliv, příliv za příboje, 

je ohlas přílivu, přílivu, co je tam, 

tam kde je pravý svět 

svět, jenž nám není znám. 

Faust, Fernando Pessoa 

Od samého počátku [...] jsem měla jasnou představu starého, opuštěného 

prostoru, který šeptá svůj starý příběh a postupně se vytrácí. Vždy mě 

zajímaly prostory, kterým skončila jejich využitelnost, které se jednoho 

dne staly osamocenými se svými vzpomínkami. 

Videoprojekce se uskutečnila 9. 11. 2004 ve starých, nepoužívaných 

Vodojemech na Petrově v Brně, po více než půlročních přípravách. 

Záměrem akce bylo znovunaplnění bývalého prostoru Vodojemů, který 

už se nevyužíval přes 130 let. Mělo se jednat o rituál, kdy prostory znovu 

ožijí, rozvzpomenou se na svůj účel, naposledy se naplní vodou, tentokrát 

ne opravdovou, ale projekcí vody do prostoru. 

Projekce se skládala ze šesti dvacetiminutových fi lmů, v pravém 

i levém vodojemu tři fi lmy. Jednalo se o velice jednoduchou věc, a to 

klesání a stoupání hladiny. Docházelo k mixům snímků těchto hladin 

a ke zrychlení, zpomalení, takže jsem si hrála i s časem. Šlo o to, že 

na centrální stěně levého vodojemu se začalo vypouštěním a v pravém 

napouštěním. 

Domluvili jsme se, že po spuštění prostor opustíme a jedinými diváky 

budou nainstalované kamery. Všichni byli na svých místech, odpočítali 

jsme začátek a projekce začala. Bylo to krásné ticho a uprostřed 

tohoto ticha se najednou rozléhalo po prostoru vodojemů šumění vody. 

Neodolala jsem a chvíli jsem se shora dívala na probíhající projekci. 

Konečně prostor dostal správnou atmosféru, jakou jsem si přestavovala. 

Spadla ze mě veškerá nervozita. Dokázali jsme to. Prostory vodojemů 

naposledy prožili kousek své minulosti. Voda v nich šeptala příběhy 

těchto zapomenutých míst. Vodní chrám. 



Y MARTINA NAVRÁTILOVÁ 

a Vodojemy 2004 Přípravy / Prostor / Uskutečnění 

51 P 


MICHAL MARUŠKA 

Education: 

2007–present: Pedagogy specialization: Art education 

2002–2006: PdF MU PdF, Pedagogy of art education and visual creation for high schools. 

1998–2001: SUPS a VOS Jablonec Nad Nisou, Arts and Crafts metal processing 

Working activities: 

2007: Department of Pedagogy, PdF MU – realization of multimedia online course Divadlo forum. 

2006: The Moravian Museum – video DVD and multimedial presentation for Anthropos exposition. 

2005–2006: multimedia presentation CD PdF MU 

2005: Jonckers – SW testing 

Projects : 

2005: technical participation on project: Using contemporary expressive medium in creative work with mentally affected people. Project was realized within 

the frame of Nokia program: Make a connection. 

2006: co-director and technical participation on project: Using new media working with mentally affected people with emphasis to creative, dramatic and 

musical actions. Project was realized within the frame of Nokia program: Make a connection. 

MIMOCHODEM: MEDIÁLNÍ DIALOG A SPOLUAUTORSKÉ DÍLO 

Termín mimochodem v jistém smyslu představuje pozici umělecké 

tvůrčí složky studia jako předpokladu dalšího rozvoje 

autorské tvorby pedagogů ve standardu učitelské kvalifi kace 

uvedeného v bílé knize. Z hlediska osobního tvůrčího rozvoje 

nám uvedené procentuální rozdělení pravděpodobně neposkytne 

příliš naděje, nicméně Walterová v podkladové studii k bílé 

knize, u oborové složky a didaktiky oboru, uvádí 50 % podíl 

v celkovém obsahu studijních programů. Přihlédneme-li pak 

k obsahu příslušných kapitol kurikulárních dokumentů, zjistíme, 

že požadavky na praktické, tvůrčí aspekty výchovy, individuální 

a partnerský přístup pedagogů jsou více než aktuální. Jak je 

uvedeno v bílé knize: sama akademická úroveň nezaručuje dostatečnou 

kvalitu přípravy pro učitelství. Již po dlouhou dobu 

se jí vytýká, že je odtržena od potřeb praxe a jen nedostatečně 

zaměřena na rozvoj sociálně osobnostních vlastností a profesních 

způsobilostí. 

Kde jinde nalezne, jak student, tak pedagog oboru výtvarné 

výchovy, zdroj umožňující mu rozvíjet příslušné dovednosti a profesní 

způsobilost, než ve vlastní praxi? Jakým způsobem lze efektivně 

přispět k rozvoji předpokladů pro pedagogickou praxi? Odpověď 

pravděpodobně nalezneme ve vlastní autorské (umělecké) 

tvorbě, která v podstatě představuje hypotetický prostor, v němž 

mohou být výše zmíněná očekávání a požadavky naplněny. 

Přirozeně můžeme namítnout, že pedagog výtvarné výchovy 

v zásadě nemusí ovládat např. kresbu lidské postavy, nicméně 

měl by být schopen (při zadání podobného úkolu studentům), 

jejich studijní snahu korigovat a tvůrčí činnost verbalizovat. Tzn. 

jeho pedagogické dovednosti a další osobní předpoklady by 

v ideálním případě měly vycházet jak z hluboké autorské zkušenosti, 

tak z komplexu dovedností komunikačních. 

Zaměříme-li svou pozornost k metodice běžné hodiny výtvarné 

výchovy, (např. orientované na procvičování praktických dovedností 

studentů – malba, kresba, prostorová tvorba) dojdeme 

P 52 

maruska@videomar.eu 

k poznání, že pro efektivní pedagogické působení užíváme nejčastěji 

kombinace dostupných pedagogických metod (Zander, 

s. 117). Pomineme-li však samotnou metodiku praktické složky 

výuky, kterou např. Maňák člení do metod praktických a dále 

jako samostatnou kategorii (grafi cké a výtvarné činnosti, Maňák, 

1990), dospějeme k závěru, že z hlediska četnosti užíváme pravděpodobně 

více metod verbálních (dialog, diskuze) než metod 

názorně demonstračních (předvádění, pozorování). Z hlediska 

pojetí poznání na základě osobní zkušenosti se zdá být naprosto 

v pořádku snažit se vést studenty především metodou dialogu. 

Pouze v situaci, kdy verbální možnosti selhávají, přikročit 

k praktickému zásahu, demonstraci, gestu. Použití praktického 

prostředku k osvětlení studijní problematiky lze bezesporu považovat 

za jistou formu komunikace – v tomto případě častěji 

monologu. Jak by však mohl vypadat takový materiální dialog? 

Cílem tohoto příspěvku je představit čtenářům možnosti 

praktického (materiálního) dialogu, z hlediska možností užitých 

různých komunikačních médií. S ohledem na následné využití 

jak v autorské tvorbě, tak v rámci samotné pedagogické praxe. 

CHARAKTERISTIKA MEDIÁLNÍHO DIALOGU 

Mediální dialog je takový dialog, kdy médium řeči (jazyka) nahrazuje 

médium odlišné (komiks, video, zvuk, znak, animace, malba, 

kresba, text… atp…). Roli obvyklé verbální složky doprovázející 

pedagogické působení (či dialog se studentem) v případě mediálního 

dialogu nahrazuje médium samotné. Nicméně v běžné 

přítomné tvůrčí situaci nelze vznik verbálního dialogu vyloučit. 

Z hlediska efektivního pedagogického působení by bylo hrubým 

nedostatkem tuto přirozenost potlačovat. Na rozdíl od Valčíkova 

pojetí kokomu (komunikační komiks, Valčik s. 57: plochý svět 

formátu A4 či A5 pak odevzdávám do rukou svému spolutvůrci 

(většinou z okruhu blízkých) a sám v duchu režisérského 



Y MICHAL MARUŠKA 

přirovnání dbám o jeho inspiraci a naladění, nakloněné co 

nejplnějšímu výkonu čímž mezi našimi tahy – z jejichž vztahu 

se příběh vyklube – nenásilně ovlivňují výsledný tvar našeho 

fi lmu….) kde v zásadě oba účastníci dialogu směřují pomocí 

verbálních i výtvarných prostředků k dosažení výsledného 

společného díla, roli prostředku komunikace zastává v případě 

mediálního dialogu médium samotné. Samotná realizace mediálního 

dialogu probíhá v podstatě mlčenlivě. 

Podmínky realizace mediálního dialogu: 

1) Schopnost navázat kontakt: je klíčovou kompetencí učitele 

(tvůrce-motivátora). Jak uvádí Zander (s. 118), 90 % komunikace 

je v první rovině motivováno učitelem. Schopnost navázat 

kontakt v tomto ohledu plně spočívá v empatii motivátora, 

který by z hlediska udržitelnosti dialogu měl být schopen 

vybrat takové téma, jež umožňuje další výtvarné rozvíjení – 

komunikaci. 

2) Partnerský vztah komunikantů: zastává v případě realizace 

společného díla funkci klíčovou, i když v jistých případech 

lze výkonu dosáhnout i v rámci vztahu, který není defi nován, 

či je založen na vzájemném odmítání. Možnosti mediálního 

dialogu lze efektivně využít v polaritě vztahu (přibližování – 

vzdalování), přičemž riziko vzdalování spočívá ve výsledné, či 

postupné destrukci samotného výstupu. 

3) Adekvátní výběr média: by měl být vždy orientován dle předpokládaných, 

či skutečných dovedností komunikantů. V případě 

že je vybráno médium, které vyžaduje jistou zkušenost 

s užitými nástroji a prostředky (např. Adobe Flash) a u jednoho 

z účastníků se je tato zkušenost odlišná, lze rozdíl překo- 

a Videodialog 

VIDEO-DIALOG – VÝMĚNNÝ DENÍK 

MÉDIUM: digitální video (mini DV) 

nat verbálním motivačním vstupem. Pokud tak učiníme, měli 

bychom si však uvědomit riziko ztráty zájmu o vznik dialogu. 

Fáze průběhu mediálního dialogu 

1) Motivační – je klíčovou fází, kdy komunikátor naváže dialog 

pomocí 1. záznamu ve zvoleném médiu a zároveň tím defi - 

nuje komunikované téma. Pokud v tomto momentu nedojde 

k navázání dialogu, můžeme se pokusit změnit komunikované 

téma. Nicméně měli bychom brát v potaz, že pokud nedojde 

k navázání komunikace v 1. případě, je naděje na navázání 

dialogu v 80 % případů mizivá. 

2) Realizační – představuje samotnou realizační složku mediálního 

dialogu. Motivátor by měl být mimojiné schopen tuto fázi 

průběžně hodnotit a případně reagovat takovým způsobem, 

aby dialog mohl být i nadále udržen. (Neblíží-li se již evidentně 

svému konci) 

3) Závěrečná, projekční – rozeznat konečnou fázi tvůrčího procesu, 

či díla, vyžaduje dosti hlubokou autorskou zkušenost. 

Právě v závěrečné fázi dialogu se setkáme s největším rizikem. 

V případě, že dialog již pokračuje za snížené osobní 

participace komunikantů je záhodno jej co nejdříve ukončit. 

Na druhou stranu se v rámci mediálního dialogu často můžeme 

setkat s brilantní, z výtvarného hlediska celistvou etudou 

realizovanou v poměrně úzkém časovém rozmezí. V tomto 

případě je důležité si výsledného tvaru povšimnout a naopak 

zabránit zbytečnému ředění vzniklé esence. Pokud účastníky 

po ukončení rychlého společného díla dialog neomrzel, je 

vhodné navázat dalším tématem a pokusit se o vznik cyklu 

více dialogů. 

KONCEPT: V případě výměnného deníku jde o dialog (reakci záznamem na záznam), v jehož rámci byla verbální složka zcela omezena 

již defi nováním celkového konceptu. Úvodní motivační vstup komunikátor defi noval, s ohledem na rozvíjející se partnerský 

vztah, ambivalencí (archetypální – osobní ) – záběrem na krajinu, vrcholícím pointou bezprostředně se vztahující ke komunikantovi. 

Kazeta se záznamem byla v horizontu přibližně 6 měsíců předávána a jednotlivé autorské vstupy se realizovaly vždy o samotě 

účastníka. Případný verbální dialog byl možný jen při fyzickém předávání kazety. Faktor čitelnosti a srozumitelnosti záznamu v rámci 

TMB média vyústil v časové omezení jednotlivých příspěvků na 1 min. Tato hranice se však v průběhu dialogu posunula vzhledem 

k celkovému proměnlivému rytmu vzájemné komunikace. Výsledkem videodialogu byl přibližně 20minutový záznam, z něhož je zde 

prezentována pravděpodobně nejplodnější část. 

53 P 


a Dialog komiksový 

P 54 



Y MICHAL MARUŠKA 

a Dialog animační a Dialog zvukový 

DIALOG KOMIKSOVÝ 

MÉDIUM: elektronická malba, kresba (Adobe Photoshop) 

Úvodní téma bylo v tomto případě komunikátorem defi nováno na základě společného zájmu o žánrovou poetiku noir či horroru. 

Realizační fáze se zprvu vázala na obvyklý postup v komunikačním komiksu. Tzn. autoři spolu komunikují po jednotlivých políčcích. 

Komunikátor se však zbytečně nevyhýbal možnostem, které dialog nabízel a rytmus defi novaný konceptem proměnil. Díky komunikátorovým 

tvůrčím vstupům (první zásah barvou, koláží) došlo rovněž na straně komunikanta k uvědomění si možností média 

komiksu (aha – tak i tohle je možné?), především však samotného tvůrčího dialogu. 

Dialog probíhal emailovou formou v horizontu 1 roku. 

DIALOG ANIMAČNÍ 

MÉDIUM: elektronická animace (Flash) 

Dialog byl v tomto případě zahájen tématem prosebníka, které přímo vybízelo k celé škále možných reakcí. V realizační fázi docházelo 

k občasným technickým zdržením, což vyplývá z rizika zvoleného tvůrčího prostředku. Přes všechny technologické problémy 

však v průběhu asi 3 hodin vznikl poměrně svěží animační počin s jistou pointou. Realizace v tomto případě probíhala za vzájemné 

fyzické blízkosti obou účastníků. 

DIALOG ZVUKOVÝ 

MÉDIUM: společná hra na nástroje (elektronické bicí, elektrická kytara) 

V širokém spektru médií využitelných v oblasti výtvarné výchovy hraje zvukové vyjádření často roli dosti marginální, neboť snadno 

zapomínáme na primitivní předpoklady akusticko-hudebních dovedností, které jsou do jisté míry vlastní podstatě každého člověka 

(cyklus dechu, rytmus srdce). 

Následující záznam zde (s ohledem na svou amatérskou úroveň) především představuje akustickou variantu mediálního dialogu. 

Nahrávka vznikla jako autentický záznam volných zvukových asociací bez předchozí domluvy. 

Prameny 

Kalhous, Z.; Obst,O. a kol. Školní didaktika. Praha: Portál, 2002. ISBN 80-7178-253-X. 

Marshall Julia. Connecting Art, Learning, and Creativity: A Case for Curriculum Integration 

Studies in Art Education; Spring 2005; 46, 3; Academic Research Library, pg. 227. 

MŠMT. Bílá kniha, Ústav pro informace ve vzdělávání – nakladatelství Tauris, 2001, ISBN 80-211-0372-8. 

Valčik, Tomáš. Kokom. Diplomová práce, Katedra výtvarné výchovy PdF MU, 2007 

RVP-G, Výzkumný ústav pedagogický v Praze, 2007. ISBN 978-80-87000-11-3. 

Walterová Eliška a kol. Podkladová studie k Bílé knize, 2002. 

Zander Mary Jane. Talking, thinking, responding and creating: A survey of literature on talking. 

Studies in Art Education; Winter 2003; 44, 2; Academic Research Library, pg. 117, 120. 

55 P 


LUMÍR SEIFERT 

KRYSTAL 

Mrak, 60x80 cm, olej na plátně, 2008 

P 56 

malíř, absolvent Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity, 

obory výtvarná výchova, vizuální tvorba, občanská výchova 

V mechu, 35x55 cm, olej na plátně, 2006 

Vejce, 95x95 cm, olej na plátně, 2007 V kompostu, 91x91 cm, olej na plátně, 2007 

* Vyškov 

lumir.seifert@yahoo.com 



Y LUMÍR SEIFERT 

a Krystal, 150x125 cm, olej na plátně, 2008 

57 P 


VERONIQUE CHANCE 

Artist and Art Educator 

THE ARTIST IN RESIDENCE QUALIFICATION 

AT MORLEY COLLEGE, LAMBETH, LONDON 

From 23 rd January until the 31 st July 2007 and from the 1 st November 

2007 until 31 st July 2008, I was employed by Morley 

College, an Adult Education centre in Lambeth, London to 

act in the position of Mentor for an online Artist in Residence 

course delivered jointly by the college in conjunction with Arty- 

Bird, an online art education college that delivers a number of 

courses for artists nationally. 

I applied for the job because I was intrigued by the challenge 

it might offer me as both an artist and tutor (having had several 

years prior teaching experience within Higher Education), and 

how professionally I could act in a supportive role in a position 

that had both an educational and professional focus, but that 

was not strictly teaching. I was also intrigued by the focus the 

role had on the students taking the course, who were graduates, 

experienced and working professionals, already working 

as artists (and not learning to be artists), in varying fi elds and 

in varying capacities, some of whom might have recently graduated 

and some of whom might have graduated some time ago. 

What the artists had in common was their strong engagement 

in their own art-practice and their relationship as artists to working 

within the public arena. 

The term Artist in Residence is a broad term that has almost 

become a buzz word to describe an artist’s working engagement 

and relationship to and with a particular site or environment 

and those people who form part of these site and environments. 

The term is traditionally attributed to the invitation given 

to an artist to spend a specifi c period of time ‘in residence’ at 

a specifi c place or with a specifi c organisation, where he or 

she is expected to respond in some way to his or her placing 

within its environment. Usually this is done through the artist’s 

personal response to the place in the creation of new work, in 

conjunction with his or her social engagement and interaction 

through this process, with the surrounding community. 

Varying emphases are placed on the artist’s research and 

development of his or her own work during this time and the 

delivery of other related activities initiated by his or her presence 

such as an artist’s talk, a participatory workshop or an 

artist-led research fi eld trip to gather materials and information 

for later development. The end of the residency period is often 

marked by some kind of celebratory event, such as an exhibition 

or presentation, that showcases the work made during the 

residency period by the artist and/or by those with whom he 

or she has been engaged. The aim of the Artist in Residence 

course is for the artists on it to explore the nature of what it is 

to be an Artist in Residence and what it is to work as an artist 

within a public and professional context. 

P 58 

veronique_chance@hotmail.com 

Focussing on the practice of writing proposals for Artist in 

Residence projects, it asks those students on the course to 

seek out existing opportunities or to create opportunities for 

themselves to become Artists in Residence in a variety of contexts 

and capacities. As well as practising the writing of proposals, 

the artists are asked in the latter stages of the course, to 

develop two live projects to fruition, documenting the development 

of the work and evaluating their own experiences of the 

project as artists and also those of people with whom they have 

engaged during this time. 

The course is delivered entirely on-line by a tutor, also an artist, 

based in Leicestershire, to whom completed assignments 

are sent as attachments by email, by an agreed deadline. This 

means that the main contact and communication made between 

student and tutor throughout the course is by email. 

The need for a Mentor, therefore, who is there as a tangible 

presence, who is themselves a professional and practising artist 

and to whom the students can look to for individual professional 

advice and support is crucial in this situation, particularly since 

the course is centred on the professional development of the 

artist. In addition, being an online course, it does not take place 

in a classroom or studio with the physical presence of a tutor 

and other students. Most students work from home and fi t the 

course in part-time, between their other activities and even if 

they maintain regular contact with the tutor, they do not necessarily 

do so with the other students on the course. Thus, for the 

individual student, this could be an isolating experience. 

One of my fi rst priorities therefore as a Mentor, was to fi nd 

opportunities during the course for the individual students to 

come together as a group, as well as see me individually. This 

provided the opportunity for them to benefi t from each other 

as peers, where they would have the opportunity not only to 

discuss their experiences of the course, but also to exchange 

their experiences as artists in a wider context with each other. 

I did this through the organisation of planned non-compulsory 

informal discussion forums, which the students were invited to 

attend. These were sometimes held on site at Morley College 

and also off site in gallery and other venues. As well as providing 

an opportunity for students to meet each other on a regular 

basis and to share their experiences, it provided an opportunity 

for them to get to know each other and to engage socially. It 

was also an opportunity to respond to queries or concerns regarding 

the course, and to iron out any initial teething problems, 

without always the need to involve the tutor. An additional focus 

of the forum was the planning and preparation of the end of 



Y VERONIQUE CHANCE 

course exhibition, an activity I built into the course, as means 

to showcase the artists’ work and the projects they had been 

involved in during the course. For the fi rst group of students 

I took on most of organisation involved in this process; the second 

group of students were given ownership of this, with me 

taking on a more supervisory and advisory role. 

My experience of acting as a Mentor for this project has 

been a very fruitful one, where I have been able to develop my 

previous limited experience of Mentoring substantially and to 

gain a wider and more in depth understanding of what the role 

involves. As an artist I was made very aware of my own professional 

practice and experience and of what I could offer students 

as a consequence of my knowledge and understanding 

of working as an artist. It also showed me what I lacked and 

where I might benefi t from further experience and training. 

I was made more conscious of my own knowledge base in 

relation to the advice and support I was giving students and 

I sought out opportunities to gather information and to develop 

my knowledge, so that I could talk to students from a more in- 

formed position. If I was unable to provide the information a student 

asked for, I was always honest about this and would try to 

fi nd the answer through further research. I was also conscious 

of not always providing all the answers and of letting students 

work things out for themselves. 

Most of all my experience has allowed me to consider how 

this role could be used within a more formal teaching context. 

For the course at Morley College it made sense that the roles 

of tutor and Mentor were separate and because of the nature of 

the course being delivered online, these roles were very clearly 

defi ned, with the function of tutor and Mentor being very much 

a collaborative process at the same time. 

If I were to take what I have learned to my role as a Lecturer 

in Higher Education, it would be through what I can now offer 

students on a Fine Art degree course in terms of advice relating 

to professional practice, whilst they are still at college and 

in preparation for their future development once they have left. 

Unfortunately in many art schools, this aspect of a student’s 

education is still seriously lacking. 

59 P 


SEETHA ALAGAPAN 

Independent Artist 

THE ARTIST IN RESIDENCE COURSE 

AT MORLEY COLLEGE, LAMBETH, LONDON 

In November 2007, I enrolled on the ArtyBird Artist in Residence 

Course at Morley College, London. Prior to this course, 

I had been working for several years as a professional artist, 

also as an artist in residence, but feeling like having been 

thrown in the deep end without any method or training, I was 

keen to remedy this and also open up other possibilities of work 

and access to opportunities. 

The course provided a framework within which I could 

practice writing proposals for possible artist in residence 

projects, with the support of my Mentor, culminating in two 

live projects and it is these that I would like to document 

here. 

P 60 

seetha_a@mac.com 

In August 2008, I volunteered as an assistant artist on an 

open access mosaics and ceramics community arts project on 

the Whitmore Estate in Hoxton, London, comprising activities for 

local residents of all age groups, which came to fruition in October 

2008. The idea behind the project was to brighten up a newly 

built green area on the estate. The artists worked together with 

the residents to imprint ceramic bricks and make a mosaic with 

social activities contributing to group dynamics. The fi nished artwork 

will belong to Canalside Housing Trust with full credit being 

given to artists and residents involved in the production. 

The second project was to accompany a student trip from 

The University of Leeds to Cyprus College of Art with student 

participation in studio based and cultural activities whilst pursuing 

my own artistic activities. The idea behind this project was 

Mosaic domes in quiet area House next to mine by Jenny 

Victorian red ridged roof by Seetha Mosaics and bricks to be fi xed by the (walk) way 



Y SEETHA ALAGAPAN 

Home mosaic frieze Welcome Seetha 

Painting demonstration en plein air Hard at work 

to introduce contemporary art students from England to the wealth of culture in Cyprus, opening their eyes and minds to experimenting 

with their own ideas and creating work that goes beyond the realm of artistic production in their home country. Trips to different 

cities and to the countryside helped develop themes that could be further explored. The presence of postgraduate students 

and other professional visiting and resident artists at the College provided an opportunity for the students to see artists at work 

and exchange ideas. The activities were documented in progress and the fi nal outcome presented in the form of an exhibition. 

a Exhibition 

61 P 



a photo: Alexander Bobkin 

Přichází to obvykle skrze hlínu, horniny nebo samotnou 

zem. Není to bystrá myšlenka ani vše pronikající meditace, 

vane to zemí a přichází to k člověku, ale častěji ne. 

Jsem trpělivý, nemusím přijít, pochopit, mít zážitek, vhled. 

Jsem poutník, ne dobyvatel. 

Václav Cílek 

II SADŮM 

to ORCHARDS 



Y HANA BABYRÁDOVÁ 

HANA BABYRÁDOVÁ 

OBRAZY PŘI CESTĚ 

Lidé, kteří se zabývají takovými činnostmi, jejichž výsledky nelze 

přímo nahmatat, zvážit či změřit, ani jinak přesně uchopit, to mají 

poněkud složité. Mám na mysli nejenom fi lozofy, ale i umělce a vychovatele. 

Žijí totiž v nejistotě, jestli při svém nejlepším svědomí 

něco přece jen nedokončili, neudělali špatně, jestli neřekli něco, 

co z pohledu těch druhých není pravda atd. Jen tak mimochodem 

se občas dozvídají, že jejich práce není marná, že je jiní se 

zaujetím chápou a že (a to je snad ten nejlepší výsledek jejich 

práce) jejich myšlenky a díla inspirují jiné lidi nikoliv k pouhému 

následování, ale dokonce k navazujícím samostatným počinům. 

Takže právě v těch druhých a prostřednictvím druhých pokračuje 

jejich dílo v neomezeném časovém a prostorovém horizontu. 

Nelze ovšem dělat věci pouze spatra. Ta nejlepší mimochodem 

se zjevují paradoxně většinou při velkých dopředu dobře 

promyšlených konceptech. Působí jako opozitum systematičnosti. 

Pokud se zabýváte tím, že chcete něco ostatním sdělit skrze 

umění, je dobré mít na jedné straně koncept – tedy představu, co 

a jak chcete dělat. Ale na druhé straně je nutná určitá svoboda 

v obměně a doplňování konceptu, je potřebné mít otevřené dveře 

i pro zcela nenadálé vstupy, protože právě ony dílo oživují. Pohybovat 

se v předem přesně vymezeném prostoru je nudné, takový 

pohyb totiž vede k rigiditě, která se s uměním neslučuje. 

Již přes dvě desetiletí se pohybuji ve dvou oblastech profesní 

činnosti – ve výtvarném umění a ve výchově uměním – výtvarné 

pedagogice. Jedním z klíčových témat, kterými se zabývám, je 

otázka, zda bych mohla někoho vychovávat nebo připravovat na 

výchovu uměním, kdybych sama nic nevytvářela. Doménami mé 

výtvarné tvorby jsou haptická kresba a malba, instalace a grafi - 

ka. Zajímavé je, že teritorium své tvorby vnímám jako soukromé. 

Pokaždé, kdy bych měla někoho učit přesně to, co sama dělám, 

mám zábrany. Zkušenost z tvorby je nutná, ale je jistým způsobem 

nesdělitelná slovy. Varuji se předtím, abych někoho učila 

hmatově malovat nebo abych dělala s lidmi experimenty v leptu 

tak, jak je dělám já sama. Pokud někoho vedu ve výtvarném 

projevu, cílem je, abych mu byla pouze prostředníkem k hledání 

jeho vlastní cesty. To, co sama umím a co dělám, může být pro 

nás pouze společným východiskem. 

Osobní názor (subjektivní) nebo božská idea (objektivní)? 

Mnoho lidí si myslí, že ve výtvarné tvorbě je nutné se nechat 

něčím inspirovat. In spirere – doslova vdechovat nějaké myš- 

* Vyškov 

babyradova@ped.muni.cz 

Působí jako docentka v oboru výtvarná pedagogika na PdF Masarykovy univerzity Brno a PdF Palackého univerzity 

v Olomouci 

Je dobré nejenom přímo kráčet za svým cílem, ale mít smysl i pro to, co je po straně cesty (by the way). 

I Popelka přišla ke svému štěstí tak, že jejímu otci o kabát zavadila větev lísky se třemi oříšky a ona v nich 

našla krásné šaty, v nichž se pak zalíbila princi. Je otázkou, jestli by se mu líbila i bez kouzla šatů. Pokud šlo 

o chytrého prince, asi zkoumal spíše Popelku než šaty. Ale zdánlivé náhody v pohádkách, ale i v životě, jsou 

důležité. Dívejme se tedy i mimo hlavní proudy, pravděpodobně spíše najdeme prameny. 

lenky, předobrazy nebo něco podobného. Nechat se inspirovat 

neznamená hlavně přebírat myšlenky jiných, inspiraci je třeba 

chápat spíše jako projev onoho platonského vdechnutí božské 

ideje. A poměr subjektivního a objektivního? 

MALBA (VZNIKÁ PŘI CESTÁCH) 

Když dělám své obrazy, tak odsunuji svůj subjekt i se všemi racionálními 

konstrukcemi do pozadí, protože snímám na plátno 

to, co leží na zemi. Moje obrazy jsou otisky pouze zčásti, neboť 

prvotní otisk přírodního pigmentu ještě dlouhé hodiny později 

rozvádím kresbou a malbou. Tento přístup bych ilustrovala slovy 

portugalského básníka F. Pessoy: 

a Dvě věci, 60 x 90 cm, papír, uhlí, 2008-07-11 

65 P 

TEXTY_01_VESMIRY_finale.indd Sec2:65 30.3.2009 23:16:03

a Bez názvu, 40 x 60 cm, plátno, přírodní pigment, úhel, 2005 

Myslet na hluboký smysl věcí 

znamená přidávat, třeba myslet na zdraví 

nebo nést číši k vodě pramenů. 

jediný hluboký smysl věcí je, 

že žádný smysl nemají. 

Moje obrazy vznikají při cestě (pokud bychom doslova přeložili 

by the way). Filozof umění by řekl, že ty obrazy nejsou ani 

tak důležité, významnější je ta cesta, při níž jsou vytvářeny. Cesta 

krajinou však skončí a obrazy zůstanou. Nastupuje intence 

– vyvolaná představami, vzpomínkou. Mým záměrem je převést 

otisky pigmentů z jejich divoké přírodnosti do symbolického 

P 66 

náznaku, jenž je syntézou toho, co bylo prozkoumáno smysly 

– hmatem a zrakem a toho, co je nadsmyslové – imaginace. 

KRESBA 

Moje kresby nevycházejí z krajiny vnější jako je tomu u maleb, ale 

pocházejí z krajiny mé tělesné a intelektuální – osobní neboli 

vnitřní. Tělo má podle mne ke kresbě jakoby nejblíže ze všech 

druhů výtvarných umění, pomineme-li bodyart. Kresby jsou otisky 

mne samotné. Hmat, podle mne velmi důležitý smysl, propojuji 

při kreslení bezprostředně s introspekcí sebe sama. Kreslím 

TEXTY_01_VESMIRY_finale.indd Sec2:66 30.3.2009 23:16:13 

II SADŮM / to ORCHARDS

Y HANA BABYRÁDOVÁ 

totiž většinou tak, že roztírám po papíře úhel, uhlí nebo pigment. 

Zatímco při malbě je tu objekt neboli objektivno – reálná krajina, 

nerovný zemský povrch, prach, hlína, zbarvené nerosty atd., při 

kresbě se objektivno snažím vytěsnit. Kresba je pro mne vším 

jiným než zobrazováním toho, co je mimo mne. Zobrazuji většinou 

to, co není vidět. Pro své kresby nemám žádný model, 

vnikají zpravidla v několika vteřinách, jsou však odrazem energie 

a představ nahromaděných během delšího času. V mé paměti 

tedy jakési modely pro mé kresby existují. 

GRAFIKA 

Kovová deska – matrice pro mne představuje něco jako paměť. 

Nejraději pracuji s vrstvením zásahů kladených postupně za sebou. 

Vrstvy jsou pro mne skladbou paměti. Stejně tak jako lidská paměť 

je i grafi cká deska matricí, na niž se jednotlivé zásahy z vnějšku 

ukládají nikoliv neodděleně ale tak, že se prolínají. Zatímco pro 

jednotlivé vrstvy, jejich podoba jsou odvozeny z představy neboli 

konceptu, právě určité fáze jejich prolnutí jsou nepředvídatelné. 

Tyto průniky vznikají také skutečně jaksi mimochodem. Žijí svým 

vlastním životem. Jsou pro mne významnější než přesný koncept, 

jsou nedefi novatelné, uchovávají si svoje tajemství a jsou čitelné 

pouze pro ty, kdo jim otevírají svou vlastní imaginaci. 

Výtvarná pedagogika je dle mého názoru kreativní činnost 

– s volným uměním se sice plně neztotožňující, ale s uměním 

pochopitelně bytostně spřízněná. Je to snad podivné, ale v umělecké 

výchově považuji za důležité místo činu. V teorii výtvarné 

výchovy se moc o významu místa nehovoří. Mluví a píše se především 

o tom, co, jak a jakými metodami dělat. 

TOPOS A JEHO VÝZNAM. 

Rozdíl mezi ateliérem a třídou, učitel a žák jako dvojice tvůrců 

Místo, kde se vyučuje umění, vypadá zpravidla jinak než místo, 

kde se učí něco jiného (matematika, dějiny, jazyky atd.). Optimální 

prostor pro výchovu uměním by asi neměl být kvadratický 

ani vně ani uvnitř. Je to z toho důvodu, že tvůrčí energie cirkuluje 

především v kruzích a oválech. Rozdíl v podobě a uspořádání 

prostoru signalizuje rozdíl v přístupech ke zkoumání věci. Zatímco 

v tradiční výchově uměním se například stůl zkoumal tak, že 

byl nakreslen jeho detail nebo byl zobrazen jako celek z pozice 

určitého místa, byl namalován barvami, nebo byl frotážován jeho 

povrch, ve výchově současné se budeme zajímat spíše o jiné 

než vizuální kvality stolu…Například provedeme-li performance, 

kdy si ke stolu sedneme a setrváme s ním tiše jednu hodinu, poznáme 

stůl a svůj vztah k němu více, než kdybychom si jej prohlíželi. 

Vizualita nemizí zcela, máme zde nová média – digitální 

fotoaparát, kameru nebo počítač a skrze ně znovu vizualizujeme, 

nikoliv ovšem prostou podobu stolu. 

Stoly jako nehybné modely jsou tedy už jaksi out. Ani moje 

práce výtvarného pedagoga by neměla spočívat na principech 

zpodobování a pojednávání stolu jako vizuálního objektu. Tato 

práce by neměla mít modelový charakter. Pokud bych ji vnímala 

jako naplňování nějakého předem daného schématu – modelu, 

patrně by nemohlo žádné bytheway vzniknout. 

DVOJICE UČITEL A ŽÁK 

Dvojici učitel a žák považuji za dvojici tvůrců. Učitel – tvůrce 

disponuje zkušenostmi nabytými v delším časovém horizon- 

a Jedno a druhé, 30 x 40 cm, papír, úhel, 2008 

tu a má také cennou zkušenost s refl exí toho, co kdy udělal. 

Žák – tvůrce přistupuje k výtvarnému vyjádření bez předsudků 

s čistou intuicí, často s žádnou nebo s minimální zkušeností. 

Pedagogické působení v oblasti výtvarného projevu je na rozdíl 

od pedagogických snažení v jiných oborech více oboustrannou 

tvorbou. Výstižně tuto situaci charakterizuje Deleuze, i když jeho 

slova se přímo na pedagogiku nevztahují: 

A čím je tvořivá emoce, ne-li právě jakousi kosmickou Pamětí 

aktualizující současně všechny úrovně, osvobozující člověka 

od roviny či úrovně, která je mu vlastní, aby z něj učinila 

tvůrce, jenž je ve shodě s veškerým pohybem tvoření. Toto 

osvobození, toto vtělení kosmické paměti do kreativních emocí 

se zajisté odehrává v určitých privilegovaných duších. Přeskakuje 

do jedné duše ke druhé, tam i onam, přecházejíc přes 

uzavřené pustiny. Každému členovi uzavřeného společenství, 

pokud se vůči němu otevře, však předává určitý druh rozpomínání, 

určité vzrušení, které mu umožňuje je následovat. A od 

duše k duši načrtává nástin jakéhosi otevřeného společenství, 

společenství tvůrců, kde se přechází od jednoho génia ke druhému 

prostřednictvím žáků, diváků a posluchačů. 

Toto osvobození je genezí intuice v intelektu. Pokud člověk 

dospívá k otevřené tvořivé totalitě, činí tak tím, že jedná, že vytváří, 

spíše než že nazírá. 

Dodatečná poznámka (aneb jen tak mimochodem) 

Tento text píši v čase prázdnin v době, kdy bych neměla 

vlastně nic psát a měla bych se spíše věnovat sladkému letnímu 

lelkování. Teprve dodatečně si však uvědomuji, že právě 

teď se mi píše radostně a lehce – v čase, kdy bych psát vůbec 

nemusela. Nechci zlehčovat řád práce a odpočinku, který je pro 

lidstvo zajisté nutný. V úplném chaosu by i význam tvorby asi 

zaniknul a mohli bychom se radovat pouze z přírody. Chci však 

jen upozornit na specifi kum našich oborů – umění a výchovy –, 

kterým je jistá nevyzpytatelnost. Připouštím zde jen tak mimochodem 

myšlenku, že občas se stává, že vytváříme nejzdařilejší 

dílo právě tehdy, když je naše činnost oproštěna od úporné vůle 

a stejně tak dochází k tomu, že vychováváme, aniž o tom víme. 

Červenec 2008 

67 P 


MICHAEL PARASKOS 

ME THN EYKAIPÍA 

Last summer I spent a month looking after a group of English 

art students attending a summer school in Cyprus. This was not 

a particularly diffi cult task, although one of them was arrested 

by the police, another managed to spend a night sleeping in 

a drainage ditch, and a third was attacked at a night club. Art 

students! 

Despite these mishaps, this was not my fi rst summer school, 

but there was something very different about it. At fi rst I thought 

it was something to do with my particular group of students, but 

over time I realised it was something to do with me. I was metamorphosing, 

from someone who taught art students and wrote 

about art into someone who had an opinion about art. 

You do not, by the way, have to have an opinion on art to 

write on it. In fact, it is probably a disadvantage. If you read most 

art reviews in newspapers or magazines they use a lot of words 

to tell you nothing about whether the art on display is any good. 

It is as though everything is equal, everything as good or bad 

as everything else, all things equally worthless and worthwhile. 

In my metamorphosis I was coming to realise this is wrong, and 

that not everything in art is equal. Some things really are better 

than others, and those things that are better deserve to be celebrated 

as art, while those things that are not good should be 

discarded and dismissed. It is a controversial point of view, but 

when Marcel Duchamp claimed art is anything an artist says is 

art he was wrong. There comes a point when something is so 

bad it no longer deserves the name art. 

When I think about it, metamorphosis is the wrong word. It 

was a very hot summer last year, and often I found myself unable 

to sleep. Almost every night I would get up at about three 

in the morning, drink some lemon tea and start writing. But 

what I wrote surprised me, not because it was particularly wellphrased 

or even original, but simply because I believed it. In the 

Bible, after he is blinded by God, Saul is visited by Ananias of 

Damascus, who restores his sight. The Bible says the scales 

fell from Saul’s eyes and he could see. In a sense, that is what 

my nights in Cyprus, spent writing on art, felt like to me. Suddenly 

I could see, and it was like gaining faith, that is to say it 

was like gaining faith in art. 

Like religion, art cannot survive without faith. Artists need 

faith in the validity of what they do, and viewers need faith in 

P 68 

* Leeds 

mparaskos@mac.com 

Michael Paraskos, born in Leeds, Yorkshire, England. I am now Director of Programmes at the Cyprus College 

of Art, but I was previously Head of History of Art for Fine Art at the University of Hull. By the way, I have also 

published widely on art and culture in books, newspapers and magazines, and recently edited a collection of essays 

on Herbert Read called Re-Reading Read: New Views on Herbert Read. 

By the way, the title is the Greek equivalent for By the Way me thn eykair«a. 

what they see. Both artist and viewer need faith to overcome 

a sense of disbelief so they can accept that there is a point to 

an activity that is, on the face of it, rather strange. Using sticks 

to cover a stretched cloth in coloured mud is, by any logical 

standard, a strange way to making a living. But visiting a whitewashed 

room to look at the coloured mud on stretched cloth 

is equally strange. Only the suspension of disbelief, which is 

to say only faith, prevents these acts from being strange. Faith 

leads to a transubstantiation, allowing us to enter into the world 

that is the artwork without a feeling of awkwardness. In the 

same way, it is only faith that can transform bread and wine 

into human fl esh and blood in Church every Sunday. Without it, 

they are just bread and wine. Equally to call oneself an artist and 

disbelieve in art, which Jean-Paul Sartre called ‘bad faith’, is to 

treat the audience for art with a profound disrespect. It is to accept 

poor quality, to say things are art when they not, and, worst 

of all, to neglect the purpose of art in human life. It is inhumane 

and simply lets the Devil in. 

Yet, none of this is a sermon. I am effectively an atheist, but 

faith is not the monopoly of believers in God. As I wrote nightafter-night 

last summer, stories would start emerging that read 

like folk tales, but they seemed to embody something of this 

question of faith. The fi rst is called The Carpenter’s Cake, and 

the second The Ancient Village Well. They are part of an on-going 

project that is in some ways public, but also highly private, 

so if I seem not to reveal everything then I hope I will be forgiven. 

I performed them in Germany at the end of last summer, 

at another summer art school, this time in Irsee near Munich, 

but this is their fi rst publication. Where my project will lead me 

I do not yet know. 

THE CARPENTER’S CAKE 

Once upon a time there was a carpenter. He was a man of many 

skills, and could make you a table that looked like a table, a chair 

that looked like a chair or even a bookcase that could hold books. 

All his friends said he was a very good carpenter, but still he was 

unfortunate because he had no job. It seemed no one wanted to 

employ a carpenter with such talents any more. 

One day the carpenter decided enough was enough. Finally 

he was going to get a job and so he gathered together the 



Y MICHAEL PARASKOS 

best pieces of wood he could fi nd and began sawing and carving 

them into shape. Working all day and well into the night, 

he formed the most wonderful table he had ever made. What 

a table it was! Not only did it have four legs, but it had top on 

which one could place a cup or even a plate. The carpenter had 

also carved the legs of the table with curving patterns and when 

he had fi nished his woodwork he had painted the whole thing in 

a beautiful, if subtle, shade of brilliant white. It was a table that 

would surely astonish anyone who saw it, and anyone who saw 

it would surely give the carpenter a job. What a work is man! 

What a work this table! 

After such a long day the carpenter went to bed and fell into 

a deep sleep with his plans to hunt for a job next morning fi lling 

every inch of his head. The table would guarantee him success, 

he thought, as he left consciousness and the full moon gazed 

in through the window, casting her eerie light upon his dozing 

head. In his dreams the table seemed alive with possibilities, 

and he thought it gained the power of movement, walking on 

all four legs up the stairs and into his room. Once there, like 

a cavalier mounting a white charger, he climbed on its back 

and let it carry him through the window and through the night, 

to mysterious lands and great adventures. It fl ew through the 

moonlit sky and he fl ew with it. 

At dawn the sun rose and the carpenter went downstairs to 

see his table. It was still where he had left it the previous night, 

and showed no signs of the adventures of his dream. So he 

packed it up and carried it through the streets looking for work. 

At fi rst he called in at all the carpenters he knew and showed 

them his table. They all agreed it was a remarkable sight, and they 

praised the way he had given it four legs. He demonstrated the 

top by placing a cup and a plate on it and the other carpenters 

thought this a wonderful feature. But no one offered him a job. 

So he went further afi eld, to other carpenters in the city, and in 

the neighbouring city and in the cities after that, eventually covering 

the whole country, but still no one would offer him a job. 

Eventually the carpenter was dejected and, with head bent 

down and low, began his long journey home. It was late evening 

and the moon was in the sky, a full moon just like the one on the 

night he had made the table, the night of his strange dream. He 

had been away an entire month and wanted to go home. But, 

as he was about to leave the city he passed a baker’s shop and, 

for some mysterious reason, he stopped. At fi rst his thoughts 

were to buy some food for his long journey, but as he passed 

through the baker’s door another thought crossed his mind. 

The baker stood behind the counter, a large jolly fellow with 

bright round eyes and curving moustaches. He looked just like 

the gingerbread men who lay on the counter. To the left of the 

baker’s shop were the racks of bread, most of them empty at 

this late hour. To the right was a display of cakes, in pretty pastel 

colours, some of them with lacy trims of sugar ice and plump 

marzipan fruits that tricked the eye. 

Good evening, said the baker. How can I help you? 

Good evening, replied the carpenter. I wonder, do you have 

any work that I could do for you? 

The baker looked at the carpenter for a moment and wondered 

why this man had such a rickety old table strapped to 

his back. He saw it had four legs, each a different length, and 

so badly carved that if you touched them you would fi nd splinters 

in your hand. The table top was warped and stained with 

mildew. It made him shudder to think anyone might put a cup 

or a plate on such a dirty piece of wood. And he looked at the 

a Cyprus College of Art visited by Czech Ph.D. 

students in July 2008. Photo by Michaela Mach 

man, so tired but clearly keen to work. Eventually he said, I do 

need help. I need someone to help me bake my gingerbread 

men and my bread and my cakes. I need a baker. Can you 

bake cakes? 

Of course I can bake cakes, said the carpenter. Look, 

I made this table. 

The baker looked confused. But that’s not baking, he said. 

Surely it’s carpentry. 

Ah, said the carpenter. That is a very old fashioned view. If 

I say this is baking, this is baking. 

THE ANCIENT VILLAGE WELL 

Once upon a time there was a village in the desert, and in that 

village lived a woman with her son. Every morning the woman 

would go out with her son to fetch a pale of water from the well, 

and together they would carry the heavy bucket back to the 

house. Everyone in the village did the same, it was part of life. 

One day the woman thought to herself, my son is old enough 

now to do this on his own, so she handed him the bucket and 

told him to go to the well and bring back some water. The 

woman watched her son walk down the village street, bucket 

in hand, until he had rounded the corner, and when he had 

disappeared from sight she went back into the house to prepare 

the food for their daily meal. He was away a long time, but 

after a while the woman saw her son coming back, carrying the 

heavy bucket with both hands. As she watched him she felt 

a little guilty that he had to carry it on his own. 

69 P 


When he reached the house the woman’s son put the bucket 

on the table, exhausted by the effort. There’s a good boy, she 

said to him as she started pouring the water over the food. But 

as she poured no water came from the bucket. Instead, all that 

fl owed was dry sand and stones. Confused, she looked in the 

bucket and saw that there was no water in it at 

all, only rubble from the dry earth. She looked at her son, and 

then the bucket and then her son again, and asked, I wanted 

water, why have you brought a bucket of stones and sand? 

I went to the well, said her son, but I could not draw any 

water. Only this barren earth. 

It must be a bad year for water thought the woman, so the 

next day she sent her son out again, this time to a different well, 

further away from the village, but always guaranteed to have 

water. Her son was away for a very long time, and so the woman 

prepared a special meal to reward him for his hard work. 

After a while she again saw him struggling down the street, and 

again she thought that perhaps she should have gone with him 

to carry such a heavy load. This time she went to meet him in 

the street, and took the bucket from his hand, but again when 

she looked inside there was no water, only dry and stones. Why 

have you brought another bucket full of sand and stones? she 

asked her son. Don’t you know that we have no water left to 

drink or cook or wash? 

a Cyprus College of Art visited by Czech Ph.D. students in July 2008. Photo by Barbora Svatkova 

P 70 

I went to the well, said her son, but I could not draw any 

water. Only this barren earth. 

The next morning the woman spoke to her neighbours. 

Where did you get your water? she asked them. All the wells 

are dry. But when she said this, her neighbours just laughed. 

The wells are not dry, they said. There is more water than ever 

before. So the woman sent out her son for a third time to the 

well, but when he had left she disguised herself and followed 

him to see why he never brought home water, only dry sand 

and stones. She saw him walk through the village, and followed 

him through the fi elds and along the path to the well. At the well 

there was a huge crowd of people all drawing as much water 

as they wanted. In fact, the water fl owed more like a mountain 

spring rather than a desert well. Then she saw her son walk 

right past the well and into the dry desert. There he put the 

bucket on the ground and began scooping up handfuls of dry 

sand and stones. My son is mad, she thought. She saw him fi ll 

the bucket with dry earth and struggle to lift it, and as he did 

so she ran up to 

him and asked, My dear, my love, are you unwell? There is 

so much water in the well, but you fi ll our bucket with sand 

and stones? 

I know there is water in the well, said her son, but I do not 

want to use it. I do not like being forced to use the well. 



Y PETR VESELÝ 

PETR VESELÝ 

MIMOCHODEM... 

Po výzvě k účasti na projektu Mimochodem jsem nejprve uvažoval 

o výběru z kresebných (nebo i textových poznámek), které 

předcházely konkrétním obrazům nebo i objektům. Mají většinou 

význam nenahraditelný, neboť utvářejí nebo fi xují předběžnou 

podobu obrazu v jeho kompozici, ale vlastně odhalují, ustavují 

také jeho obsah. Velmi často se až takovou jednoduchou a bezprostřední 

kresbou něco podstatného uvidí v jakési už esenciální 

podobě. Naléhavost takového jevu (…) je ustavena, nalezena 

právě až kresbou. Ale důležité je, že jsou to poznámky osobní, 

až na výjimky nevhodné ke zveřejnění… 

Nakonec jsem vybral ukázky z těchto cyklů: 

První má počátek zhruba v polovině roku 1987. Tehdy jsem 

začal kreslit jakési záznamy, seismografy pocitů, tenzí, úzkostí… 

Mnohdy jde až o křečovité gesto ruky, nekoordinovaný výkřik, 

jindy se začíná vyjevovat nějaký řád, tendence k uspořádanosti, 

k dialogu linií. Někdy se v nich náhodně začaly objevovat fi gurativní 

nebo i fi gurální fragmenty, písmena nebo slova, které jsem 

mohl v dalším procesu buďto podpořit nebo naopak potlačit. 

Vznikaly také podobné kresby psané, tedy většinou automatické 

textové záznamy. Tyto texty několikrát přesáhly do jednoduchých 

objektů. Intuitivně jsem v tomto kreslení tušil jakýsi terapeutický 

účinek, ulpívání tenze… Na druhé straně se tato zkušenost 

začala projevovat v refl exi dalších podnětů z vnějšího prostředí 

(kresby s tématy Ozvěna a Klenba) a také nabízely samostatné 

rozvíjení ve spojení např. s určitou racionální konstrukcí, třeba 

v rozvíjení problematiky vztahu symetrie a asymetrie a podobně. 

Těchto kreseb je několik desítek, zřejmě je v nich, jak jsem 

naznačil, i nějaký vývoj, estetický posun... Několik let jsem se 

k podobnému kreslení vracel, důvod byl jak ten bezprostřední, 

intuitivní, tak i formální nebo pokusný… Jednou takovou variantou 

např. bylo postupné hledání a zaznamenávání nepatrných 

defektů či nerovností (struktury) papíru. 

V podstatě ale tyto kresby stály na okraji mé tehdejší práce, 

pokládal jsem je za velmi privátní. A to i tehdy, když jsem si 

myslím záhy uvědomoval jejich důležitost pro vlastní osobní zkušenost 

a jednou jsem je i vystavil (tuším, že to bylo v tehdejším 

kině Jadran hned někdy kolem roku 1988). Zjistil jsem však, že 

je nelze malovat, zvětšovat (mám pouze jedinou výjimku), že je 

to vlastně forma deníku nebo dopisu a jako jistá mentální zpo- 

* Brno 

p.e.vesely@seznam.cz 

Malíř a pedagog, narozen v Brně. 

Absolvent Akademie výtvarných umění v Praze a Střední školy uměleckých řemesel v Brně. V letech 1981–1989 

vyučoval na Katedře výtvarné výchovy Pedagogické fakulty UJEP v Brně, 1989–1992 na Katedře výtvarné výchovy 

Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity v Brně. V letech 2002–2007 působil jako vedoucí ateliéru Malířství 1 

na Fakultě výtvarných umění VUT v Brně. Od roku 1995 je vedoucím oddělení malby na Střední škole umění 

a designu v Brně (dřívější SŠUŘ). Člen Tovaryšstva malířského, TT klubu v Brně, Umělecké besedy 

věď nějaký posun a další použití nesnese. Tyto kresby se tak 

nestaly zárodkem pro nějakou další, třeba malířskou artikulaci 

a řekl bych, že další mou práci nijak zřetelně neovlivnily (vyjma 

snad té učitelské…, tyto i další podobné postupy jsem několikrát 

použil – vlastně i mimo školy –, ať už jako příklad, formální 

cvičení anebo konkrétní metodu k řešení nějaké, např. mentální 

akutní situace). Byly to kresby většinou perem a tuší, tužkou 

a také propisovací tužkou. 

Podstatné, i když to dnes může znít naivně, bylo zjištění, že vizuální 

projev nemusí být v kontaktu s žádnou vizuální skutečností 

(zkušeností), ani nějakou představou nebo ideou, nic, co by 

v dané chvíli bylo jaksi mimo samotný proces vznikání a pokud, 

tak jen v tušení nějakého uskutečňovaného vnitřního modelu, 

kódu, jemuž je člověk velmi niterně povinován…, že tedy nejde 

o to vědět a použít, ale o určitou nevyhnutelnost… 

a Bez názvu, tuš na papíře, 29,5 x 21 cm, 2008 

71 P 


a Bez názvu, tuš na papíře, 29,5 x 21 cm, 2008 

P 72 



Y PETR VESELÝ 

a Z cyklu Záznamy, tuš na papíře, 29,5 x 21 cm, 16. 7. 1987 a Z cyklu Záznamy, grafi t na papíře, 29,5 x 21 cm, k večeru 19. 11. 1988 

a Z cyklu Záznamy, tuš na papíře, 29,5 x 21 cm, 16. 7. 1987 

Teď si ještě uvědomuji, že formální obdobou těchto kreseb 

byly také šachové hry (říkali jsme jim všachy), které vznikly v jakémsi 

velmi intenzívním kresebném dialogu nejdříve s Janem 

Steklíkem (od roku 1988), o něco později také pravidelně společně 

s Jiřím Valochem a s celou řadou kamarádů při náhodných 

setkáních. Ten postup jsem potom aplikoval jako didakticky velmi 

účinný také ve výuce na školách, na kterých jsem učil. 

Další cyklus kreseb, jehož ukázku jsem pro tuto příležitost 

vybral, má svůj začátek asi v roce 2002. Říkám těm kresbám 

Krajiny. Jde o přibližně vodorovné, rovnoběžné krátké čárky. 

Jejich postupným řazením vzniká efekt nepatrně a nepravidelně 

zvlněné plochy. Tento cyklus jsem rozvíjel opět v několika 

desítkách kreseb (tužkou, tuší, skalpelem, barevně, suchou 

jehlou…) tentokrát v různých i poměrně rozměrných formátech. 

Jednou z podstatných věcí je pro mne možnost opřít se při jejich 

vznikání o předem danou metodu, která sice vyžaduje soustředění, 

ale není v procesu kreslení vystavena potřebě korektur, 

komponování apod. Před lety mě jeden známý pražský galerista 

požádal, abych tento (dosud neuzavřený) projekt nikde nezveřejňoval 

a vystavil nejprve u něho. Slíbil jsem mu to, ale nakonec 

z dohody sešlo a cyklus dosud vystaven nebyl … 

Třetí ukázka je z cyklu, který nazývám Vrstvy. Volně se k němu 

vztahují jak práce na papíře (zde malba ředěnou tuší), tak malby 

na drobných i větších pevných podložkách a plátně, ale také 

celá řada objektů. Jde v nich zejména o proces vrstvení barev 

(např. bílá, černá…) a různých materiálů (dřevo, papír, barevná 

hmota…) jako nositelů významů, dále také textů, tedy jejich znečitelnění 

nebo překrytí, v přeneseném smyslu také o vrstvení, 

mizení nebo prostupování časových vrstev, informací, stop… 

P. V. říjen 2008 

73 P 


a Z cyklu Záznamy, tuš na papíře, 29,5 x 21 cm, 16. 7. 1987 

NÁHODA… 

Význam pojmu náhoda je pro mě značně problematický. Jeho synonyma jsou např. slova neočekávaný, nepředvídaný, neúmyslný, 

mimoděk, mimochodem, namátkou, bezděky. Avšak jevy, které se takto zdají být náhodné, jsou vlastně následkem procesu, mají 

svoje možná nezřetelné předpoklady, jindy naopak až spekulativní rámec a postupy. Je podoba papíru, který jsem několik týdnů 

používal jako podložku náhodná nebo naopak zákonitá? Jistě, při sebemenší proměně okolností by vypadal jinak. Pramení z toho až 

jakási závrať z faktu jedinečnosti existence (říkám, že fakt existence zakládá na jejím smyslu). Ale je to právě tato vnitřní zákonitost, 

nenáhodnost jednotlivých dějů, že vnikne právě takový papír. Náhoda je jen zdánlivě něco najednou uvidět nebo vskutku uvidět 

(Miroslav Petříček). Ve skutečnosti je to protnutí možná i několika předpokladů. Samotný proces malování (…) je potom výrazem 

koncentrace nebo jiné formy účasti, tedy přítomnosti. Tady jakoby se náhoda vyloučila zcela. 

(cca 2000) 

P 74 



Y KATEŘINA MAKAR VÁCLAVKOVÁ 

KATER ˇINA MAKAR VÁCLAVKOVÁ 

MIMOCHODEM – TVOŘÍ PŘEDMĚTY 

DENNÍ POTŘEBY BANÁLNÍ REALITU? 

Námětem jsou věci obyčejné a stále přítomné ve své každodennosti. 

Jako příklad může posloužit zátiší vytvořené stálým 

používáním stejného nádobí, které je náhodně, ledabyle i rafi novaně 

rozložené na stole. Případně stůl samotný- prázdný či čistě 

prostřený. Stůl a jeho stín. Stín vržený, projektovaný. Stín závislý 

na svém hmotném původci. 

Jsou to jen některé z námětů, kterými jsem se zabývala v posledních 

letech. 

Zátiší – jeden ze základních motivů. První práce stejně jako 

ty další jsou kolekce grafi ckých listů. Tato má název Memento 

mori. Jedná se o odkaz na typ námětu známý z Holandska 

17. století. Charakter zátiší z té doby, symbolické chápání znázorňovaných 

předmětů (zátiší vanitas). 

Zátiší samo o sobě jako mrtvá příroda neboli natura morta 

sloužilo k zamyšlení se nad konečností života, nad vlastní pomíjivostí 

věcí, a tím pádem i nad životem samým. Memento mori – 

pamatuj na smrt –, nemusí notně znamenat morbidní představy 

smrtky s kosou, ale právě možné nadobytí významu života v konfrontaci 

s připomínkou smrti. Téma smrti nejde vidět samostatně 

bez života, ale ani naopak, smrt a život je jeden nerozlučitelný 

celek. Vztah života a smrti jako dvou částí jednoho celku, kdy 

* 5. 12. 1981 Brno 

sova.k@seznam.cz 

1997–2001 Secondary School of Applied Arts in Brno, Department of (applied) Painting 

2001–2007 Academy of Fine Arts and Design in Bratislava, Department of Printmaking 

(2001–2005 studio of prof. Kallay, 2005–2007 studio of prof. Jancovic) 

Prize of The Godot Gallery in Budapest, 9. International Biennal of Drawing and Grafi c Arts, Gyor, Hungary 

2004 Academie Sztuk Pienknych, ASP w Poznaniu, Poland 

2006 Svetla stinu, Namestovo, Slovak Republic (selected solo exhibition) 

Selected group exhibitions: Photography and Contemporary Grafi c Arts 2008; Bzenecky vytvarny podzim 2007; 

International exhibition of Contemporary Art 2007; 9. International Biennal of Drawing and Grafi c Arts, Gyor, 

Hungary 2007 

Selected symposia: 2006 International Workshop of Painting in Plovdiv, Bulgaria; 2005 International Workshop in 

Krzyzowa, Poland; 2003 International Workshop of Master Pavol of Levoca , Slovak Republic 

každá z částí může být chápána jako protiklad té druhé. 

Účelem sebe odlišení je zakoušet a užívat, a účelem 

těchto dvou funkcí je život – tj. umírání, které trvá po celou 

dobu lidského života. 

M. Buber 

Kompozici zátiší jsem nechala buď na životě a náhodě, jak 

budou předměty rozestavěny, nebo jsem je komponovala a nasvěcovala 

podle holandských zátiší. Fotografi e, které jsem vytvořila, 

jsem dále transformovala do grafi ky. Přesněji řečeno do 

akvatinty. Fotografi e mi posloužila jako záznam reality, jako dokument 

skutečnosti. Skutečnosti, která opravdu reálně byla, ale 

využitím dalšího média grafi ky se stává realitou odtažitou. Proto 

jako kontrapunkt stojí onen bod zmaru (znak zátiší vanitas) vytvořený 

tak, že jsem rozleptala kovové desky otiskem samotných 

lahví zachycených na zátiších. 

Obdobný poměr ve vztahu jsem našla u předmětu a jeho 

stínu. Původce a jeho stín vržený, projektovaný mohou být 

brány mimochodem také jako pouhé části jednoho celku. Stín 

bez svého předmětu – původce neexistuje a na druhou stranu 

každý předmět (věc nebo osoba) má za přítomnosti i minimálního 

zdroje světla svůj stín. Jednoznačné spojení stínu se 

svým původcem vytváří dvě části jednoho celku, který je určen 

a Memento mori V, 30 x 24 cm, 2004, Akvatinta a Memento mori IV, 26,5 x 20,5 cm, 2004, Akvatinta 

75 P 


a Memento mori III, 28 x 22 cm, 2004, Akvatinta a mezzotinta 

vzájemným působením. Stín je svojí existencí odkázán na svého původce. Může fungovat samostatně? Existuje stín stínu? Čistě 

teoreticky ve významové rovině jistě. Význam stínu, kdy je chápán jako znak, jako zástupce čehokoliv s vlastnostmi podobnými 

stínu. Ať jde o velikost nebo tvar, kterými se stín podobá svému hmotnému původci, nebo právě svou dematerializovanou podobou 

(na rozdíl od svého původce). Stín je nehmotný a v symbolické rovině bývá chápán jako ta negativní stránka dané věci – nejspíš 

díky své temné monochromatičnosti. 

Co by se stalo, kdyby stín závislý na svém vzájemném vztahu se svým původcem narušil poměr vzájemnosti a stal se v znázornění 

výraznější, jasnější, větší a působil by tak mnohem hmotnějším dojmem? V mé další práci stojí jako úhlavní a jediný předmětný motiv 

stůl a je také jediný původce vrženého stínu. Ostatní stínování a polostíny slouží k vytvoření zobrazení jednoduchého prostoru. 

Využila jsem reálné velikosti vrženého stínu stolu, který mi sloužil jako model na fotografi ích. Fotografi e opět přenesené do akvatinty 

jsem kombinovala se suchou jehlou, která tvořila reálný záznam stínu. Stůl se na zobrazeních stává více či méně čitatelným, ovšem 

jeho stín zůstává ve své jednoznačnosti. 

a Memento mori II, 33,5 x 26 cm, 2004, Akvatinta 

P 76 

a Memento mori I, 30 x 24 cm, 2004, Akvatinta 



Y KATEŘINA MAKAR VÁCLAVKOVÁ 

a Stoly I, 100 částí, každá grafi ka 27 x 20 cm, 2007, Akvatinta a sítotisk 

Stůl, centrální motiv mé další kompozice. Stůl v jednoduchém, nedefi novaném a tím pádem anonymně všeobecném prostoru. Na 

stole je položen pouze ubrus. Může se jevit na jednu stranu jako prázdný anebo na druhou jako právě prostřený. Může být nahlížen 

jako pouhý svědek denních banalit a objektivních vztahů nebo v rovině vztahů symbolických. Jako vlastní intimní svět nebo obyčejný 

kuchyňský kout. Jako tabula rasa – čistý, nekompromisní stav vědomí, ale také jako symbol silného rodinného pouta a zázemí. 

Pro mě osobně je stůl, hlavně kuchyňský stůl, znakem domova. Něčeho velmi soukromého, symbol místa plného ruchu života. 

A přece klidu a bezpečí oproti vnějšímu světu. Právě tento vztah vnitřního (osobního) a vnějšího světa tvoří hlavní námět mé práce. 

Můj osobní svět představuje můj stůl, vlastně dva stoly ze dvou obydlí. Vnější představuje reklama, inzeráty nabídky a poptávky bytů 

a nemovitostí. Fascinovala mě představa cen bytů, potažmo ceny domova. Determinující komerční pozadí osobních nekomerčních 

představ a hodnot. Ač je celá kompozice v černobílé, hlavní pointou zůstává škála šedých valérů. 

a Stůl V, 100 x 70 cm, 2006, Akvatinta a Stůl VI, 100 x 70 cm, 2006, Akvatinta 

77 P 


EVA SPĚVÁČKOVÁ 

STRUČNÝ PŘÍBĚH OBRAZŮ 

K tématu Mimochodem jsem zvolila několik zástupných obrazů, 

na kterých by bylo možné ilustrovat tvorbu a vývoj práce. Je 

pravda, že všechny obrazy mají svůj příběh, ale některé příběhy 

už odvál čas. Na druhé straně s odstupem se na všechny práce 

dá nahlížet jako na něco, co se podílí na celku a má určitou 

posloupnost, kterou lze spatřit až ohlédnutím po letech. 

Úkolem výtvarníka je reagovat na podněty z okolí svým osobitým 

náhledem. Často se stane, že mu něco uzrává v hlavě léta 

a ve chvíli, kdy téma začne zpracovávat, se rozpomíná na jednotlivé 

impulsy. K inspiraci sloužily obrazy a situace, na které už 

dávno zapomněl a přijal je za své. Je přirozené, že malíř musí mít 

otevřené oči a je tedy do jisté míry atakován impulsy z prostředí, 

ve kterém se pohybuje. Ty pomalu třídí, některé v uvozovkách 

vyhodí, některé si v paměti podrží a snaží se je mentálně zpra- 

P 78 

2002-8 studovala Fakultu výtvarných umění VUT v Brně 

v ateliéru malby u doc. ak. mal. Petra Veselého a ak. mal. Tomáše Lahody 

* 31. 7. 1980 v Brně 

e.spevackova@seznam.cz 

Spěváčková je koloristkou, do jejíž tvorby se promítá její niterný vztah k orientálním fi lozofi ím. Od počátků se věnovala 

předmětnosti a významové symbolice věcí. Záznam či přepis věcí běžné denní potřeby odkryl zájem o vnější a vnitřní 

prostor, náhled dovnitř věcí, vztah k prázdnotě (dutému prostoru) a zároveň povyšování běžné předmětnosti. 

Na obrazech se opakují předměty jako krabice či keramické nádoby, které asociují vyprázdnění, vyčištění jako 

předpoklad k naplnění novou čistou kvalitou ducha. Malířské téma se začalo spojovat s orientálním smyslem 

pro uplatnění významového prázdna (prostoru), viz. buddhismus. V posledních letech jsou nejčastějším motivem 

drapérie v přístupu opět k vnějšímu a vnitřnímu prostoru, jako něco, co zakrývá, nebo též ono vnější od vnitřního 

odděluje. Tento charakter se nejvýrazněji uplatňuje u zahalených orientálních postav. Fascinace východní tradicí 

anonymity jako protiklad k západnímu trendu individualismu, odhalování, detabuizace, se autorce stal zásadním 

výtvarným námětem, se kterým se vyrovnává ryze malířsky. Mezikulturní výměna v době multikulturalismu je aktuální 

otázkou, nabízející jak sociální či fi lozofi cké srovnání, tak atraktivitu pro výtvarné zpracování z hlediska formálního. 

Orientální předmětnost je autorce zároveň inspirací z hlediska světelnosti a barevnosti, materiálu. Charakter světla 

v sobě nese veselost a hravost, kontrastující s evropskou hloubavostí. Obrazy tyto rozdílnosti odrážejí a snaží se 

naznačit možná poselství pramenící ze srovnání kultur. 

covat. Nejpodstatnější je všímavost a bdělost, která je spojena 

s určitou sebeidentifi kací, uvědoměním si, co mě oslovuje a co 

mi je přirozené nebo přesně naopak. Tato fáze je více či méně 

uvědomělá, ale je asi nejpodstatnější, protože v sobě nese původní 

emoci, předobraz… Tyto příběhy bych ráda naznačila, 

protože mohou být poodkrytím důvodů tvorby. 

Jako studentka druhého ročníku malby na FaVU jsem se 

zrovna prokousávala předmětností a hledala si motivy pro kresby, 

které by mohly sloužit jako podnět k malbě. Jak se tak říká, 

náhodou či mimochodem jsem narazila v domě na lesklou sošku 

sériově vyráběného tlustého rozchechtaného Buddhy. Byl to můj 

dar mámě k narozeninám ke zlepšení nálady, ale on byl kdesi 

odložen bez zájmu. Pravda, nebyl to žádný krasavec, ale veselý 

tlouštík, který si žádal o lepší zacházení… Odnesla jsem si ho 

se zájmem a nejprve ho jen skicovala. Proces kreslení mě zaujal 

sebestředností, centralizací sošky. Všechny tahy vedly do tvarů 

a Část triptychu Třetí Buddha, tempera na plátně, 150x155, 2005 a Část triptychu Buddhistické roucho III, olej na plátně,175x145, 2006 



Y EVA SPĚVÁČKOVÁ 

a Z cyklu Dva (Alžířanky), tempera a olej na plátně, 110x145, 2008 

kružnic, popřípadě trojúhelníků. Buddha byl dle kánonu centrován 

dovnitř. Zaujal mě navíc i materiálně, což souvisí s ženským 

haptickým vnímáním. Určitý lesk či světelnost jsem zpracovávala 

už předtím, takže jsem tím navázala na předchozí práce a rozhodla 

se pro malířské zpracování. Tvorba probíhala nenuceně, soška 

v jedné ruce, štětec v druhé. Soška mi navozovala velmi dobrou 

náladu, komunikativnost a nadsázku, oproti předešlé nefi gurální 

předmětnosti. Jak se proces malby vyvíjel, to už je další kapitola… 

Nakonec je skutečnost taková, že jsem sošku Buddhy před lety 

koupila vlastně sobě, aniž bych to předem tušila. V tomto momentu 

se v mé malbě poprvé objevil lidský prvek. 

Sic až ve čtvrtém ročníku jsem na fi guraci navázala tématem 

Rouch. Nejprve jsem řešila drapérii věcnou, ale opět se po nějaké 

době dostala k fi guraci. Protože jsem nechtěla vařit z vody, 

začala jsem parafrází na Velazquezova Papeže. Posun měl být 

v tom, že jsem ponechala draperii její charakter splývání na těle, 

ale zcela vynechala tělo. Papež ztratil individuální rysy, tedy hlavu 

i ruce. Zůstala tak známá postava zobecněná na funkci. Už 

ani nevím, jak jsem přišla k tématu buddhistických rouch, možná 

se mi zdála také charakteristická a srozumitelná svou oranžovou. 

Tato roucha jsem povýšila do nadživotní velikosti a přišlo 

mi zcela přirozené zrušit hlavu po zkušenosti s Papežem. Díra 

dovnitř místo hlavy se mi propojila s buddhistickou fi lozofi í vyprázdnění, 

oproštění se od všech nánosů, které vznikají touhami 

a následným utrpením. Cílem je tedy se vyprázdnit, očistit, což 

má za následek useknutí myšlenkových pochodů, které vznikají 

nekontrolovanými vjemy a následnými asociacemi. 

Draperii chápu z hlediska zakrytí jako možnost ochrany (např. 

oděv), možnost něco skrýt a utajit (jinotaj) nebo jako výzvu 

k malířskému zpracování materiálu, případně ženskou záležitost, 

spojenou s odíváním a krášlením. Poslední důvody mě podnítily 

k zpracování orientálních polštářků, které nám v bytě sloužily původně 

jako dekorace. Náhle jsem draperii řešila méně z hlediska 

obsahového, ale spíš z hlediska materiálu. Zpočátku mi plnily 

funkci příjemného doplňku k fi guraci, brzy ale fi gurace ustoupila 

z obrazů a polštářky se mi staly hlavním motivem pro nejrůznější 

a Schoulení, olej na plátně, 100x100 cm, 2007 

79 P 


a Obřad, tempera a olej na plátně, 85x145, 2008 

barevné a kompoziční záběry. Jejich pestrost evokovala hravost, která se mi v obrazech záhy objevila. Aby téma nepůsobilo kýčovitě 

či banálně, musela jsem ho posunout, což jsem řešila zneklidněním, zbizarněním. Vedle této roviny odlehčení se začala nořit 

potřeba fi gurálně-významová. Paralelně se vedle sebe objevilo téma Alžířanek a zástupu buddhistických mnichů. Alžířanky mě 

napadly v návaznosti na buddhistická roucha. U přátel na návštěvě mě zaujala benefi ční pohlednice Alžířanek na poušti. Fotografi e 

evokovala samotu a kontemplativnost, spojenou s místem pouště. Stala se mi podnětem, jakýmsi předobrazem k tvorbě. Nato jsem 

potkala zahalenou muslimku v černém, což mě až uhranulo. To byly dva impulzy k zahájení práce. Postupně jsem začala řešit vztah 

mezi dvěma postavami jako určité komunikační napětí. Od dvou už není daleko k zástupu, kde jsem se mohla vyrovnávat s principem 

šablonovitého řazení mnichů. Mniši mohou být naší kultuře až strašidelní, neboť postrádají jakékoli individuální rysy. Opakující 

se oholené hlavy, roucha a bosé nohy jsou symbolem netoužení po okolních věcech. Jdou v zástupu pro almužnu a jedinou jejich 

starostí je modlitba, koncentrace na chůzi a vyšší ideu. Tento moment mě fascinuje jako kontrast k naší západní hektické materiální 

kultuře. Druhou věcí je sebeprezentace či postoj. Trendem západu je snaha o odlišení, individuaci, vlastně egocentrismus. Zahalení 

a stejnost rouch ukazují i na jinou variantu. Toto setkávání či srovnání kultur může být velmi podnětné a obohacující, pokud je člověk 

ochoten vyvinout jistou aktivitu. Jako malíř se snažím na tyto věci poukázat. 

Z naznačených příběhů vyplývá doufám to, že je tvorba otevřenou a křehkou záležitostí a je spojena s autorovým světem. Nic 

není předem dané, ale naopak hodně věcí je tvárných. Podněty mohou být zdánlivě náhodné či nevýznamné, ale jsou nosníky významů... 

(Svoboda, která je s uměním spojená může být někdy až tíživá...) Teprve pak nastupuje intelektuální zpracování a postupně 

se otevírají možná výtvarná řešení, jejichž selekcí proces pokračuje a individualizuje se. Slovo umělec má sice kořen ve slovese 

umět, ale neznamená to pouze zvládnutí řemesla, ale též kreativitu intelektuálního zpracování, schopnost seberefl exe a komunikace. 

Už sám požadavek komunikativnosti obrazu naznačuje proti verbální komunikaci omezení koncentrovat co nejvíce složek do 

srozumitelného symbolu. Slovo mimochodem, které je pojítkem projektu, mi tak splňuje tvůrčí náhodnost a otevřenost a je nakonec 

výstižné pro celé umění. Může být ale i zrádné, protože vyžaduje aktivitu, aby nic podstatného neuniklo naší pozornosti... 

P 80 



Y JAKUB HAVLÍČEK 

JAKUB HAVLÍČEK 

MIMOCHODEM... CESTOU BOŽSTEV 

Šintó, náboženská tradice obyvatel japonských ostrovů, je důležitou 

součástí japonské duchovní kultury. 1 Pro většinu návštěvníků 

Japonska zůstává šintó plné tajemství a vyvolává často 

protichůdné představy. Vybaví se nám nejen starobylé svatyně 

s důstojnými obětními obřady, ale i hlučné slavnosti macuri, 

kdy se v procesí ze svatyň vynáší v nosítkách symbol božstva. 

Někteří si možná vzpomenou na kontroverzní tokijskou svatyni 

Jasukuni, kde se uctívá na dva a půl milionu válečných padlých, 

prohlášených za ochranná božstva japonského národa. Svatyně 

Jasukuni, navštěvovaná předními japonskými politickými představiteli 

včetně premiérů, je považována za přežitek japonského 

militarismu a její samotná existence vyvolává vášně nejen v samotném 

Japonsku, ale i v Koreji nebo v Číně, jejichž moderní 

dějiny poznamenala japonská okupace. 2 

Chceme-li alespoň v hrubých rysech porozumět složitému 

souboru jevů, které tvoří současné šintó, 3 je třeba zaměřit se 

na ideovou koncepci japonského národa, která se v Japonsku 

rozvíjela po svržení vojenské správy v roce 1868. V tomto roce 

byla vyhlášena obnova císařské moci, tzv. restaurace Meidži. 

Musíme se ovšem vrátit do období před polovinou 19. století, 

kdy Japonsko ovládala vojenská správa, jejíž hlavou byl šógun, 

příslušník rodiny Tokugawů, ovládající šógunát od počátku 

17. století. Pohled do minulosti nám umožní odhalit jeden ze 

zdrojů pojetí šintó jako systematické náboženské tradice, jako 

původního japonského náboženství, s nímž se setkáváme v moderním 

Japonsku. Spojení šintó s japonskou národní ideologií 

dalo vzniknout tzv. státnímu šintó, ustavenému v císařství po 

roce 1868 a zrušenému velitelstvím spojeneckých sil po kapitulaci 

Japonska v roce 1945. 4 Jak však ukazuje mimo jiné i případ 

svatyně Jasukuni, šintó zůstává důležitou součástí japonské 

národní identity i v poválečném období, kdy ovlivňuje nejen domácí, 

ale i zahraniční politiku Japonska. 

1 Stať vznikla s fi nanční podporou Grantového fondu děkana Filozofi cké fakulty 

MU pro rok 2008. 

2 Ke svatyni Jasukuni viz např. Breen 2008. 

3 První znak slova šintó, který lze v japonštině číst jako šin, džin nebo kami, je 

možné přeložit jako bůh nebo bohové. Druhý znak – tó, dó nebo miči – pak 

značí cesta. Druhý znak slova šintó znamená cestu rovněž v čínštině, kde jej 

lze číst jako tao (dao). Kombinaci obou znaků je možné v japonštině číst jako 

šintó nebo také kami (no) miči, což znamená cesta kami či cesta božstev. 

4 Ke státnímu šintó viz Hardacre 1989. 

* 3. 6. 1978 Brno 

ashitaka@centrum.cz 

Religionista a historik, vyučuje v Semináři japonských studií Filosofi cké fakulty Masarykovy univerzity. Studoval na 

univerzitách v Brně, Vídni, Tchajpeji a Ósace. Zabývá se aktuální náboženskou situací v Japonsku, zaměřuje se na 

přetrvávání a transformaci prvků tradiční religiozity v podmínkách moderní japonské společnosti. V současné době 

dokončuje disertaci věnovanou případu kontroverzní svatyně Jasukuni v Tokiu. 

a Známá plovoucí torii, brána šintoistické svatyně Icukušima 

u Hirošimy (foto autor, duben 2004) 

Tvorba nového státního a společenského zřízení, která probíhá 

po restauraci Meidži a jež byla do značné míry založena na 

myšlence šintó jako sjednocující národní ideologie, vycházela 

mimo jiné z myšlenek vzdělanců tzv. národní nauky či školy 

(kokugaku), působících v období závěru sedmnáctého, v osmnáctém 

a v první polovině 19. století. 5 I když kokugaku není 

možné považovat za jediný zdroj japonské nacionální ideologie, 6 

je zjevné, že šlo o jeden z jejích základních pramenů. 

Samotná národní nauka – kokugaku – je mnohoznačným 

termínem. 7 V nejširším smyslu slova je možné ji chápat jako ta 

bádání a doktríny, které za střed svého zájmu nepovažovaly cizí, 

tedy v první řadě čínské, v užším pojetí (neo)konfuciánské, případně 

evropské myšlení, ale vycházely ze souboru historických 

fenoménů, které byly bez bližšího zkoumání a priori pokládány 

za domácí, čistě japonské tradice. Výzkumy národní nauky 

přitom rozvíjely dřívější zájem některých učenců japonského 

5 Shrnující informace k národní nauce (kokugaku) viz např. Bocking 1996 (s. 

101-102); Burns 2003; Devine 1981; Harootunian 1989; Kasahara 2001; 

McClain 2002; Nosco 1981; Picken 2002 (s. 121-122 – heslo Kokugaku 

Shinto); Reischauer – Craig 2000. 

6 Svou roli v koncepcích japonské národní ideologie po roce 1868 jistě sehrály 

i další ideové proudy období Tokugawů – některé z nich, včetně národní 

nauky, lze pak označit jako nativistické (srov. Breen 2000). 

7 K víceznačné povaze pojmu kokugaku viz Nosco 1981. 

81 P 


a Modlící se Japonky před svatyní Iwašimizu Hačimangú na 

hoře Otoko u Kjóta (foto autor, leden 2004) 

středověku o staré dvorské rituály, právní předpisy a další dokumenty 

a památky. Pro tato starší bádání se užívá souhrnný 

termín japonská studia neboli wagaku. 

Činnost vzdělanců, kteří jsou počítáni k národní nauce 

a z nichž zřejmě neznámějšími jsou Motoori Norinaga a Hirata 

Acutane, vyústila ve snahu navrátit se ke znovunalezenému 

souboru hodnot, považovaných za základ japonské kultury 

a národní svébytnosti. K tomu vedly především fi lologické studie 

a výklady starých textů, mezi jinými zejména japonské kroniky 

Kodžiki z roku 712 či básnické Sbírky o desetitisících listech 

(Manjóšú), pocházející rovněž z 8. století. 

Pro učence národní nauky se stalo velmi důležitým zdrojem 

zejména Kodžiki, obsahující mýty šintó o stvoření země a o pověření 

k vládě nad zemí, které svým božským potomkům, předkům 

císařské rodiny, udělila sluneční bohyně Amaterasu Ómikami. 8 

Moderní kritické bádání přitom ukazuje, že způsob čtení a výklad 

původního textu Kodžiki, zapsaného znaky čínského písma, prošly 

značně komplikovaným vývojem, kdy se historické edice textu 

u jednotlivých autorů v mnoha ohledech podstatným způsobem 

liší. Také hluboce zakořeněný názor, že jazyk Kodžiki narozdíl od 

dalších starých spisů zachovává starou japonštinu a je tudíž věrohodnějším, 

starším a původnějším zdrojem informací, je poplatný 

ideologicky podmíněným závěrům učenců národní nauky. 9 

8 V této souvislosti lze uvést sice marginální, přesto však výmluvnou diskuzi, která 

se mezi předními odborníky na japonská náboženství (např. B. Scheid, B. Bocking, 

K. Wildman Nakai, atd.) vedla prostřednictvím internetové debatní sítě H- 

Japan. Řešila se zde otázka, zda je Amaterasu ženské nebo mužské božstvo, 

případně kdy začala být vnímána jako ženské božstvo. Existuje totiž historický 

ikonografi cký materiál, kde je Amaterasu zjevně zobrazena jako muž. Debata 

svědčí přinejmenším o tom, že naše apriorní představy o cestě kami mohou 

být při bližším kritickém zkoumání značně přehodnoceny. Viz http://h-net.msu. 

edu/cgi-bin/logbrowse.pl?trx=vx&list=h-japan&month=0407&week=d&msg= 

pB4O4MQxRxCYt3GhzyZBRA&user=&pw= [18. 7. 2008]. 

9 K vývoji přístupu vzdělanců období Tokugawa k textu Kodžiki viz Burns 2003. Ke kronice 

Kodžiki viz také Švarcová 2005. Překlad kroniky do slovenštiny: Kodžiki 1979. 

P 82 

Snahou učenců národní nauky, kterou je možné chápat i jako 

japonskou formu nativismu, 10 bylo vyvodit z kronik a z dalších 

podobných zdrojů systém kulturních rysů či charakteristik typických 

pro obyvatele japonských ostrovů a abstrahovat či vydestilovat 

z písemných památek Starobylou cestu – kodó, kterou 

japonský národ vlastně sleduje již od pradávna a kterou se musí 

i nadále ubírat, aby jej nepostihl úpadek a záhuba. V dílech 

učenců národní nauky lze poměrně snadno rozpoznat směr, 

kterým tato Cesta směřuje a hlavní zásady, jimiž se mají řídit ti, 

kteří ji chtějí následovat. Přitom je zjevné, že Cesta v pojetí Motooriho, 

Hiraty a dalších učenců národní nauky do značné míry, 

ne-li zcela splývá s jejich pojetím cesty bohů, tedy s šintó. 

Představy vzdělanců národní nauky o japonské Cestě dosahují 

jednoho ze svých vrcholů v díle předního představitele 

kokugaku Motooriho Norinagy (1730–1801), který podává 

shrnující defi nici Cesty v pojednání Naobi no mitama, závěrečné 

části předmluvy ke svému životnímu dílu Kodžikiden, komentované 

edici textu kroniky Kodžiki. 11 Motoori chápal Kodžiki 

jako historicky hodnověrný zdroj, z nějž je možné vyvodit zásady 

cesty bohů a sestavit tak soubor pravidel, kterými se řídilo staré 

Japonsko a které je třeba očistit od cizích (tedy čínských) vlivů 

a Účastníci slavnosti Sagičó macuri, soubojů obřích alegorických 

nosítek, každoročně konané před svatyní Himure Hačimangú 

ve městě Ómihačiman u jezera Biwa (foto autor, březen 2004) 

a nadále dodržovat. Motoori zakládá své úvahy na předpokladu, 

že v původním textu Kodžiki lze odhalit jazyk původního, starého 

Japonska – Jamato kotoba, 12 který je zcela bez cizích (čínských) 

vlivů a že kroniku lze číst správně jen tehdy, když ji budeme číst 

v tomto původním, starojaponském jazyce. Pokud bude Kodžiki 

čtena správným způsobem, lze z ní vyvodit principy, které jsou 

vrozené obyvatelům japonských ostrovů a na nichž je založena 

existence Japonska jako přirozené komunity. 13 Tyto zjevně ide- 

10 Nativismus defi nuje Linton 1943: (...) conscious, organized attempt on the 

part of a society’s members to revive or perpetuate selected aspects of its 

culture. (230). Linton rovněž uvádí: Conscious, organized efforts to perpetuate 

a culture can arise only when a society becomes conscious that there are 

cultures other than its own and that the existence of its own culture is threatened. 

Such consciousness, in turn, is a by-product of close and continuous 

contact with other societies (...). (tamtéž). 

11 Nishimura – Motoori 1991. 

12 Jamato je termín označující staré Japonsko, v nejširším významu Japonsko 

jako takové. V užším slova smyslu jde o území v kraji Kansai jižně od Nary 

(oblast vesnice Asuka), která byla jádrem japonského státu přibližně od 3. 

stol. n. l. do roku 710, kdy byla založena Nara. Kotoba znamená slovo, jazyk či 

řeč. Srov. Burns 2003. 

13 His (Motooriho – pozn. aut.) study of the Kojiki rested on the assertion that 



Y JAKUB HAVLÍČEK 

ologicky motivované předpoklady pak vedly Motooriho k tomu, 

že ve své edici a výkladu Kodžiki záměrně potlačil fakt, že text 

kroniky je z větší části zapsán čínsky, 14 a proto je Motooriho dílo 

spíše jeho vlastní interpretací, nežli kritickou edicí původního 

textu kroniky. 

Motooriho zásady dodržování Cesty lze pak shrnout takto: 

1. Co je zaznamenáno v Kodžiki, je pravdivé, tedy Cesta. 

2. Lidé mají očistit svou mysl od čínských vlivů, aby Cestě porozuměli. 

3. Důkaz existence Cesty spočívá v pokojné vládě japonských 

císařů, jimž a přes něž je Cesta předávána. Vláda nad národem 

v souladu s Cestou byla svěřena císařské linii bohyní 

slunce Amaterasu v Době bohů. 

4. Japonský lid se má držet Cesty odhozením nepřirozeného čínského 

způsobu myšlení, studiem starobylých dějin své země, 

uctíváním Bohů, projevováním všech ctností příslušejících 

lidské bytosti, přijímáním neštěstí jako nevyhnutelných skutků 

zlých Bohů, udržováním čistého ohniště, poslušností k nadřízeným 

udržovat pořádek a vedením svých životů jako jedinců 

v míru a štěstí v souladu se svými místy ve společnosti. 15 

Z textu Naobi no mitama je dobře patrné, že Motooriho chápání 

japonské Cesty je co do podstaty totožné s cestou bohů, kami 

no miči, jak lze také číst znaky pro šintó. Motoori například píše: 

Cesta byla zděděna a zachovávána Sluneční Bohyní, která 

ji pak předala. Proto je nazývána Cestou Bohů. Termín 

Cesta Bohů se poprvé objevuje v knize císaře Jómeie 

v Nihon šóki, ale zde se vztahuje k uctívání bohů. V knize 

císaře Kótoku se říká: Spojení slov kamunagara znamená 

následovat Cestu Bohů, nebo sám ovládat Cestu Bohů. 

To je právě japonská Cesta v širokém smyslu. Uvedená 

defi nice neznamená, že existuje nějaké zvláštní chování 

označované jako Cesta. Tedy uctívání Bohů se konečně 

vztahuje ke stejné věci jako Cesta. (...) Smysl Cesty může 

být nyní poznán studiem Kodžiki a dalších starých textů. 16 

the Kojiki read correctly as Yamato kotoba, revealed a mode of consciousness 

that allowed Japan to take form as a natural community, one in which 

laws, institutions, and ethical principles had no place. Thus community became 

something not produced from outside its members or by them but 

rather constituted from within them. In Norinaga’s conception, Japan took 

form as the expression of an innate Japaneseness. – Burns 2003: 69. 

14 (...) Norinaga relied upon a set of oppositions that were ideological in nature: 

the Nihon shoki/Kojiki, Chinese/Japanese, orality/writing. (...) Norinaga 

argued that if Kojiki was written in Japanese then it must be the older text. 

(...) Because it was more ancient and more oral, the Kojiki alone, according to 

Norinaga, was capable of revealing modes of perception and experience that 

were distinctively Japanese. (...) the answer is clear – the claim that authentically 

Japanese identity was discoverable through language required him (Motooriho 

– pozn aut.) to suppress the fact that even this, arguably the earliest 

Japanese text, was written in Chinese. – Burns 2003: 80. 

15 1. What is recorded in Kojiki is truth, hence the Way. 2. People should cleanse 

their minds of Chinese infl uence in order to understand the Way. 3. Proof that the 

Way actually existed is found in the successive peaceful reigns of the Japanese 

emperors, to whom and through whom the Way is transmitted. Government of 

the nation in accordance with the Way was entrusted to the imperial line by the 

Sun Goddess in the Age of the Gods. 4. The people of Japan should observe 

the Way by discarding the contrived Chinese manner of thinking, studying the 

ancient history of their country, worshipping the Gods, performing all virtues incumbent 

on a human being, accepting misfortunes as inevitable deeds of the evil 

Gods, keeping the fi re clean, obeying superiors to maintain order, and leading 

their lives as individuals in peace and happiness in accordance with their positions 

in the society. – Nishimura – Motoori 1991: 22. 

16 The Way was inherited and maintained by the Sun Goddess, who then transmitted 

it. This is why it is called the Way of the Gods. The term the Way of the 

Gods appears for the fi rst time in the book of Emperor Yōmei in Nihon Shoki, but 

a Kněz a kněžka – miko ve svatyni Džónangú v Kjótu 

(foto autor, leden 2004) 

Tato Cesta je onou starobylou cestou – kodó –, na niž se 

musí japonský národ vrátit a kterou musí nadále sledovat. To 

dopovídá hlavním námětům národní nauky formulovaným Motooriho 

předchůdcem Kamo Mabučim (1697–1769), který 

mimo jiné učil, že japonsky psaná Kodžiki je základním zdrojem 

informací o dějinách starého Japonska, že staré japonské způsoby 

byly porušeny čínským myšlením a že japonská starobylá 

Cesta je onou vznešenou Cestou, která odpovídá Nebesům 

a Zemi. 17 

Motoori Norinaga dále v Naobi no mitama prosazuje myšlenku 

výsadního postavení japonského národa, když uvádí, že Japonsko 

je místem, kde se objevila děsuplná Sluneční Bohyně, předkyně 

všech Bohů. Proto je Japonsko nadřazeno všem ostatním 

zemím, neboť všem zemím se dostává její hojné shovívavosti. 18 

Sluneční bohyně Amaterasu pak věnovala svým potomkům, japonským 

císařům, tři posvátné klenoty, odznaky císařské vlády, 

tedy meč, zrcadlo a klenot magatama, a spolu s nimi jim svěřila 

věčnou vládu nad Japonskem. Proto císařové vládli této božské 

a pokojné zemi v souladu s Cestou Bohů. (...). 19 

Motoori uvádí do souvislosti s Cestou také úctu k předkům, 

která i dnes tvoří podstatnou součást žitého náboženství v Japonsku. 

Císař, píše Motoori, uctívá a vládne v přítomnosti svých 

velkých Božských předků. Podobně ministři, úředníci, poddaní 

a vlastně všechen lid uctívá své vlastní božské předky. 20 Úcta 

here it refers to the worship of the gods. It is said in the book of Emperor Kōtoku: 

The phrase kamunagara means to follow the Way of the Gods, or to possess 

in oneself the Way of the Gods. This is precisely the Way of Japan in the broad 

sense. The above defi nition does not mean that there is some specifi c behavior 

designated as the Way. Thus worship of the Gods refers ultimately to the same 

thing as the Way. (...) The meaning of the Way can be known now by studying 

Kojiki and other ancient texts. – Nishimura – Motoori 1991: 36. 

17 (...) august Way which conforms to Heaven and Earth (...). – Nosco 1981: 

91. Srov. Burns 2003. 

18 Japan is where the awesome Sun Goddess, the ancestor of all the Gods, appeared. 

This is why Japan is superior to all other countries, since all countries 

receive her plentiful benevolence. – Nishimura – Motoori 1991: 27. 

19 (The Emperors) have governed this divine and peaceful country in accordance 

with the Way of the Gods. – Nishimura – Motoori 1991: 28. 

20 The Emperor worships and reigns in the presence of his great ancestor Gods. 

83 P 


a Rituální tanec bugaku ve svatyni Icukušima 

(foto autor, duben 2004) 

k předkům, která byla v době Tokugawů a dodnes zůstává úzce 

spojena s buddhistickou praxí, tvoří nedílnou součást Motooriho 

koncepce cesty kami. Když se pak šintó v tomto pojetí po 

roce 1868 stává komponentem ideologického systému podpírajícího 

výstavbu nového Japonska jako moderního národního 

státu, otvírá se zároveň cesta k interpretaci uctívání válečných 

padlých ve svatyni Jasukuni jako jednoho z přirozených projevů 

tradiční japonské úcty k předkům. Přitom úctu k předkům do 

svých úvah začleňují i příslušníci dalších soudobých myšlenkových 

proudů, například představitel školy mito Aizawa Seišisai, 

vycházející z neokonfuciánství. 21 

I když díla vzdělanců národní nauky měla na vznik národní 

komunity moderního Japonska velký vliv, nelze na druhé straně 

jejich účinek přeceňovat. Podoba moderního japonského národa, 

která se formuje v období Meidži, není pouze důsledkem činnosti 

vzdělanců národní školy, ani ji nelze považovat za její přímé pokračování. 

Motoori, Hirata a další pouze poskytli novou slovní zásobu 

a nový soubor epistemologických strategií, které byly použity 

k (vy)myšlení národa v období Meidži, 22 jak ve své knize Before 

the Nation výstižně poznamenává Susan L. Burns. 

Právě z tohoto ideového prostředí se postupně vynořuje 

pojetí japonského národa, které je japonským státem ofi ciálně 

prosazováno a šířeno řadou konkrétních ustanovení v období 

Meidži. S nově formulovanými koncepty Japonska jako přirozené 

komunity řídící se Japoncům vrozenými principy, které byly 

původně záležitostí úzké skupiny intelektuálů a které díky státní 

moci nově budovaného japonského císařství pronikají do širokého 

povědomí, se buď přímo, nebo v následcích setkáváme 

dodnes, jak o tom svědčí i případ svatyně Jasukuni. 23 

Similarly, the ministers, offi cials, subjects, and indeed the entire populace worship 

their respective ancestor gods. – Nishimura – Motoori 1991: 39. 

21 Ke škole mito viz např. Harootunian 1989. 

22 (...) provided a new vocabulary and a new set of epistemological strategies 

that were used to ‘think the nation’ in the Meiji period. – Burns 2003: 9. 

23 Bylo by chybou domnívat se, že dobově podmíněné, do značné míry ideologicky 

motivované koncepce inspirované učenci národní nauky a uskutečňované 

v předválečném Japonsku jsou dnes bezezbytku historickou, moderním 

vědeckým přístupem překonanou záležitostí. Naopak, ukazuje se, že nejsou 

dodnes bez vlivu nejen na ideové ovzduší moderního Japonska, ale s jejich 

ozvěnami se můžeme setkat i v poměrně aktuálních pracích renomovaných 

badatelů. Například Hudson (1999: 55) cituje postřeh japonského badatele 

Nišikawy, který rozdal svým studentům dotazník, v němž 80 procent z nich 

prohlásilo, že jsou proti císařské ideologii. Když o dva týdny později zadal stejným 

studentům esej na téma japonské kultury a císařské ideologie, většina 

studentů japonskou kulturu hájila a uznávala důležitou roli císaře v ní – ukázalo 

se, že císařskou ideologii de facto obhajují a podporují. 

P 84 

BIBLIOGRAFIE 

Bocking, Brian (1996), A Popular Dictionary of Shinto, Richmond: 

Curzon Press. 

Breen, John (2000), Nativism Restored, in: Monumenta Nipponica 

55/3, s. 429-439. 

Breen, John (ed.) (2008), Yasukuni, the War Dead, and the 

Struggle for Japan’s Past, New York: Columbia University 

Press. 

Burns, Susan L. (2003), Before the Nation. Kokugaku and the 

Imagining of Community in Early Modern Japan, Durham, 

London: Duke University Press. 

Devine, Richard (1981), Hirata Atsutane and Christian Sources, 

in: Monumenta Nipponica 36/1, s. 37-54. 

Hardacre, Helen (1989), Shintō and the State. 1868 – 1988, 

Princeton: Princeton University Press. 

Harootunian, Harry D. (1989), Late Tokugawa culture and 

thought, in: Jansen, Marius B. (ed.): The Cambridge History 

of Japan, Volume 5, The Nineteenth Century, Cambridge: 

Cambridge University Press, s. 168-258. 

Hudson, Mark J. (1999), Ruins of Identity. Ethnogenesis in the 

Japanese Islands, Honolulu: University of Hawaii Press. 

Kasahara, Kazuo (ed.) (2001), A History of Japanese Religion, 

Tokyo: Kosei Publishing Co. 

Kodžiki. Japonské mýty (1979), Bratislava: Tatran. 

Linton, Ralph (1943), Nativistic Movements, in: American Anthropologist, 

New Series 45/2, s. 230-240. 

McClain, James (2002), Japan, a Modern History, New York, 

London: W. W. Norton & Company, Inc. 

Nishimura, Sey – Motoori, Norinaga (1991), The Way of the 

Gods. Motoori Norinaga’s Naobi no Mitama, in: Monumenta 

Nipponica 46/1, s. 21-41. 

Nosco, Peter (1981), Nature, Invention, and National Learning: 

The Kokka hachiron Controversy, 1742-46, in: Harvard Journal 

of Asiatic Studies 41/1, s. 75-91. 

Picken, Stuart D. B. (2002), Historical Dictionary of Shinto, 

Lanham, London: The Scarecrow Press. 

Reischauer, Edwin O.- Craig, Albert M. (2000), Dějiny Japonska, 

Praha: Nakladatelství Lidové noviny. 

Švarcová, Zdenka (2005), Japonská literatura. 712-1868. Praha: 

Univerzita Karlova – Karolinum. 



Y ZUZANA KUBOVČÁKOVÁ 

ZUZANA KUBOVČÁKOVÁ 

ZENOVÁ KALIGRAFIA: TRÉNING 

ALEBO UMENIE? 

ÚVOD 

Kaligrafi a, ako ju poznáme v našich zemepisných šírkach, sa 

vzťahuje k detailnému a dôslednému krasopisu. 

Pôvod tohto slova nachádzame v gréčtine, a doslova znamená 

krásne písmo. Často praktikovaná v kláštoroch, kaligrafi a 

sa vyznačovala nepravidelnosťou vo veľkosti písma, jeho štýle 

a farbe. Úlohou týchto zámerných odlišností bolo prostredníctvom 

okrášlenia časti písaného prejavu zdôrazniť a vyzdvihnúť 

dôležitosť celého textu. Týmto spôsobom západná kaligrafi a dokonale 

stelesňovala význam slovného spojenia krásne písmo. 

Východná kaligrafi a nás naopak zaujme svojou jednoduchosťou 

a jednofarebnosťou, ktorá je daná používaním tých istých 

materiálov už celé stáročia. Čínskemu alebo japonskému kaligrafi 

ckému majstrovi stačí k vykonávaniu jeho umenia papier, 

štetec zo zvieracích vlasov, a tuš sumi . Japončina je rovnako 

jako aj čínština písaná v piktografi ckých a ideografi ckých znakoch, 

ktoré sa tradične písali zvislo zprava doľava. Každý znak 

stojí samostatne, a je rovnako veľký ako všetky ostatné znaky 

v texte. Nejednotnosť v písme a štýle by v celom dokumente pôsobila 

dishramonicky, naopak dodržiavanie spoločných proporcií 

pôsobilo uhľadene a vyrovnane. Len ojedinele boli v kaligrafi i 

používané iné farby než tradičná čierna, ktorá bola v kontraste 

s belobou papiera dokonale schopná vyjadriť požadovaný obraz. 

Zároveň je potrebné spomenúť, že napríklad japonský majster 

Hakuin Ekaku (1685–1769) použil v niektorých 

svojich kaligrafi ách červenú farbu, ktorá mala zdôrazniť určitý 

aspekt celého diela. 

Táto práca sa zaoberá japonským kaligrafi ckým umením, 

presnejšie povedané myšlienkou využitia kaligrafi e v zenovom 

tréningu. Bola kaligrafi a umeleckým alebo náboženským prejavom? 

Bola praktickou súčasťou zenového tréningu alebo len 

kratochvíľou, ktorou si majstri len tak mimochodom krátili čas? 

Aká bola väzba medzi zenovými mníchmi a umením kaligrafi e? 

A prečo boli vlastne mnísi školy zen takými výnimočnými kaligrafmi? 

* 1980 Bratislava 

kubovcakova@gmail.com 

Vyštudovala odbor Japonský jazyk a medzikultúrna komunikácia na Filozofi ckej Fakulte Univerzity Komenského 

v Bratislave. Počas štúdia strávila rok na Ósackej Univerzite Zahraničných Štúdií, a neskôr pokračovala vo svojich 

štúdiách v magisterskom obore Japonské náboženstvá na prestížnej Škole Orientálnych a Afrických Štúdií 

Londýnskej Univerzity. Dnes je študentkou doktorského štúdijného programu na Ústave religionistiky FF MU, kde 

sa venuje stredovekému japonskému buddhizmu. Súčasne vyučuje japonský jazyk na Ústave jazykovedy FF MU, 

a zaujíma ju všetko, čo sa len mimochodom týka východných kultúr a náboženstiev. 

JAPONSKÁ KALIGRAFIA A BUDDHIZMUS 

Japonská kaligrafi a sa nazýva šodó , a v doslovnom preklade 

znamená cesta písma. Niekedy sa tiež nespávne nazýva 

hitsuzendó , čo môžeme síce preložiť ako zenová cesta 

štetca, hitsuzendó avšak označuje len jeden zo smerov zenovej 

kaligrafi e. Tradícia hitsuzendó bola založená teprve na konci 

19. storočia, čo je tiež jeden z dôvodov, prečo pripomína viac 

pokus o kategorizáciu kaligrafi e a jej štýlu, než všeobecné označenie 

pre kaligrafi u ako takú. Ďalšie z nesprávnych označení pre 

japonskú kaligrafi u je slovo zenga . Opäť, jeho znaky síce 

doslova znamenajú zenová maľba, obraz, jej tradícia bola však 

založená až v období Edo (1603–1868), čiže vzhľadom na dejiny 

japonskej kaligrafi e pomerne neskoro. Napriek tomu ostáva 

pravdou, že aj v literatúre dochádza relatívne často k zámene 

týchto dvoch označení. 

Pre uvedenie kaligrafi ckého umenia do Japonska neexistuje 

jednoznačný dátum. Môžeme ale povedať, že sa tak stalo s príchodom 

buddhizmu v 6.storočí, kedy boli do Japonska privezené 

čínske buddhistické texty, sútry, písané- ako inak- kaligrafi ckým 

štýlom. Čínski buddhistickí mnísí sa odnepamäti venovali 

kaligrafi i, nakoľko prepis sútier bol považovaný za činnosť, ktorá 

mala priniesť posmrtné zásluhy v niektorom z buddhistických rajov. 

Kaligrafi a v Japonsku bola teda, rovnako ako aj v Číne, od 

svojho samého počiatku neodlučne spätá s buddhistickým učením 

a jeho predstaviteľmi. Nie je prekvapením, že japonská kaligrafi 

a vychádza z praxe čínskych kaligrafi ckých majstrov, keďže 

Ríša stredu bola ríšou vzdelanosti a kultúrnej inšpirácie pre Japonsko. 

V priebehu japonskej histórie sa opakovane vyskytovali 

obdobia, počas ktorých Krajina vychádzajúceho slnka striedavo 

vzhliadala k Číne ako ku svojmu veľkému príkladu, a naopak 

obdobia, kedy boli všetky kontakty s kontinentom prerušené. 

V Číne to boli predovšetkým buddhistickí mnísi a konfuciánski 

literári, ktorí sa venovali umeniu kaligrafi e, a práve prostredníctvom 

mníchov sa toto umenie dostalo aj do Japonska. Kaligrafi a 

sa v Japonsku rýchlo rozšírila, najmä medzi cisárskou rodinou 

a dvorskou šľachtou, a v neposledom rade medzi stále sa rozrastajúcimi 

radmi buddhistických mníchov. Ako jedna z foriem 

čínskej kultúry a čínskeho učenia sa však tešila najväčšej obľube 

práve medzi mníchmi buddhistickej školy zen , ktorého 

učenie priamo vychádzalo z učenia čínskeho čchanu. 

85 P 


a Seššú: Krajinomaľba (za povšimnutie stojí zvislý pás v strede 

hory, namaľovaný akoby mimochodom... alebo úmyselne?) 

NEVERBÁLNE PREDANIE PODSTATY 

ZENOVÉHO UČENIA 

Slovo čchan pochádza zo sansrtského slova dhjána, ktoré 

znamená meditácia. Meditácia v sede, zazen , bola ústrednou 

témou a základnou náboženskou praxou v učení japonskej 

školy zen. Existuje legenda, predávaná medzi študentami zenu, 

ktorá siaha späť k samotnému historickému Buddhovi Šákjamunimu. 

Ten raz miesto rozpravy o učení Dharmy pred svojimi poslucháčmi 

len zodvihol v ruke kvet a pootočil ním, čím bez slov 

predal podstatu svojho učenia, ako aj učenia zenu. Nikto, až na 

jedného z prítomných, však toto gesto nepochopil, všetci čakali, 

kým Buddha prehovorí. Nikto až na jedného, Buddhovho žiaka 

Kášjapu, ktorý sa po Buddhovom čine postavil, poklonil sa mu 

a odišiel. Kášjapa sa týmto stal po Buddhovi Šákjamunim druhým 

zenovým patriarchom. Podľa tradície zenu bolo práve toto 

neverbálne Buddhovo gesto prvým čisto zenovým momentom 

v histórii buddhizmu. Bódhidharma (Daruma po jap.), legendárny 

zakladateľ zenového buddhizmu a prvý čínsky patriarcha, 

vyjadril podstatu celého zenového učenia v jednej jedinej 

básni o štyroch veršoch. Jej prvé dva verše po japonsky znejú 

kjóge betsuden, furjú mondži , a v preklade 

znamenajú predávanie Dharmy mimo textov sútier, bez závislosti 

na slovách a písomnostiach. Iné motto, ku ktorému sa zen 

často vzťahuje, je išin denšin , čiže predávanie učenia 

P 86 

od mysle k mysli (alebo do srdca k srdcu). Toto sú základné 

princípy zenového buddhizmu, ktoré boli po stáročia dodržiavané 

bezo zmeny. Zenová kaligrafi a je, rovnako ako Buddhovo 

otočenie kvetom, predanie podstaty zenového učenia bez závislosti 

na textoch sútier, je to najpriamejšie a najjednoduchšie vyjadrenie 

základného princípu školy zenu- bez nadmerných slov 

a inštruckií, ale priamo, jasne a zreteľne. 

Zen nekladie dôraz na nekonečné štúdium a opakovanie 

buddhistických textov, ale snaží sa primäť študenta k hľadaniu 

hlbšej, skutočnej pravdy, ktorú môže nájsť iba v sebe samom. 

Nie v sútrach leží poznanie, ale v našich každodenných skúsenostiach 

a skutkoch. Zen sa snaží odviezť pozornosť mníchov 

od kláštorného tréningu, od lipnutia na zásadách zdôrazňujúcich 

prioritu štúdia sútier a ich neúnavných obhajcov. Bol ako 

kladivo, ktoré rozbíjalo stenu naučeného poznania a hľadalo, čo- 

a či vôbec – je za tým. Napádal knihomoľstvo a nútil študentov 

nahliadnuť hlbšie a uvidieť povahu ľudskosti ako takej. Zen si 

kládol za cieľ spochybniť všetky zásady s cieľom odhaliť hlbšiu 

pravdu o prirodzenej podstate vecí okolo nás. 

V tejto snahe zenoví majstri a ich učiteľské metódy neraz prekračovali 

všeobecne uznávané spôsoby výuky, čo spôsobilo, že 

zen je často opisovaný ako neobalený, neľútostný, drsný, a dokonca 

krutý – najmä v spojení s výkrikmi a údermi čínskeho 

majstra Linčiho (?–867). Akoby krédom zenových majstrov 

bolo čím priamejšie a šokujúcejšie učiteľské metódy, tým účinnejšia 

a rýchlejšia cesta k študentovmu pochopeniu. Zenová 

kaligrafi a mala mať podobný efekt, jej cieľom bolo komunikovať 

žiakovi myšlienku priamo, jednoznačne a bez okolkov. Tak, ako 

história zenu započala prostredníctvom Buddhovho vizuálneho 

odkazu, tak aj kaligrafi a mala napĺňať to isté posolstvo. 

Kaligrafi a stelesňovala spôsob komunikácie medzi majstrom, 

a jeho žiakmi; medzi maľujúcim a pozorujúcim. Na pohľad jedno- 

a Majster Linči 



Y ZUZANA KUBOVČÁKOVÁ 

duchá- až primitívne jednoduchý čierny tuš dopadajúci na čistý 

biely papier, a niekoľko ťahov štetcom namaľovaných rôznou intenzitou 

a silou. Každý ťah štetcom mal vlastný symbolický význam. 

Napriek tomu sa niektoré kaligrafi e javili ako nedokončené 

alebo napoly prázdne. Tiež mohli obsahovať element, ktorý 

sa zdal, že tam vôbec nepatrí (obr. 2). Námetom kaligrafi e mohli 

byť dávni čchanoví alebo zenoví majstri (obr. 1, 4), niekoľko znakov, 

ktoré mali priniesť či už šťastie (obr. 3), alebo poznanie 

a prebudenie pre toho, kto sa na kaligrafi u díva. Kaligraf mohol 

tiež čerpať inšpiráciu z ľudových povestí a nakresliť nejaké 

zviera, ku ktorému sa viaže poučná legenda (obr. 5). Kaligrafi a 

sa takto stala zosobnením zenovej hádanky kóan , ktorá sa 

vyznačovala nelogickosťou svojho riešenia. Na jej zodpovedanie 

bolo potrebné, aby študent prekonal rozlišujúce nahliadanie 

sveta a svoje duálne zmýšľanie, len tak mohol prijsť so správnou, 

resp. vhodnou odpoveďou. Azda najznámejší kóan od už spomínaného 

majstra Hakuina je ako znie tlesknutie jednou rukou?. 

Kaligrafi a je maľovaný kóan, a študent zenu je tým, kto si má 

zodpovedať otázky významu, nedokončenosti alebo nedokonalosti 

danej maľby. Meditácia v sede, zazen, je aktivita, ktorá je 

stelesnením zenu. Kóan je jeho verbálne vyjadrenie, a kaligrafi a 

je jeho obrazom. Všetky tri cesty sú rovnako efektívne a majú 

rovnaký cieľ- priviesť praktikujúceho k poznaniu, precitnutiu 

a pochopeniu. Je to divák, pozorujúci kaligrafi u, koho úlohou je 

naložiť s jeho obsahom. 

ZENOVÝ TRÉNING ALEBO UMENIE? 

Život v zenovom kláštore zahŕňal veľa povinností. Mnísi delili 

svoj čas nielen medzi tradične zaužívné štyri meditačné sedenia 

denne, spievanie sútier a zbieranie almužien. Zároveň sa venovali 

aj manuálnej práci- medzi najzodpovednejšie patrila funkcia 

kuchára tenzo , ako aj služba v kuchyni, upratovanie kláštora 

a jeho okolia, vrátane hrabania lístia v záhradách či čistenia 

toaliet. Prvé čchanové chrámy totiž neboli podporované štátom, 

a mnísi si preto museli zabezpečiť obživu sami. V náväznosti na 

túto skutočnosť bola v čchanových kláštoroch zavedená tradícia 

manuálnej práce, v súvislosti s ktorou sa čínsky majster 

Paičang (720–814) preslávil výrokom deň bez práce je dňom 

bez jedla 1 . Každá z týchto činností, keďže bola súčasťou chrámového 

tréningu, mala byť vykonávaná v meditácii, v nepretržitej 

koncentrácii mysle. Meditácia neprebiehala len počas zazenu 

v meditačnej sieni, ale počas celého dňa, v priebehu každej aktivity. 

Súčasťou chrámového tréningu bolo samozrejme aj vzdelanie 

v oblasti buddhistického učenia, ktoré zahŕňalo aj štúdium 

a prepis sútier, čiže kaligrafi u. Hakuin zdôrazňoval, že tichá meditácia 

v sede nestačí na dosiahnutie prebudenia; zen musí byť 

praktizovaný počas všetkých denných aktivít 2 . Jeho kaligrafi a, 

ktorej centrálnou časťou je zvýraznený znak stred, bola vyjadrením 

tohto ideálu. 

Kaligrafi a mala teda dvojakú úlohu: ako obrazové vyjadrenie 

kóanu slúžila jednak na vyjadrenie mníchovho stupňa pochopenia 

zenového učenia; a na druhej strane jej forma prezrádzala 

stav mysle písajúceho, hĺbku jeho koncentrácie. Každý ťah štetcom 

prezrádzal mentálny stav kaligrafa, jeho vyrovnanosť a vnútornú 

harmóniu. Kaligrafi a nemala prezdrádzať tuhosť a strnu- 

1 Kazuaki Tanahashi (1984) Penetrating Laughter: Hakuin‘s Zen and Art. New 

York: The Overlook Press, s. 93. 

2 Addiss Stephen (1989) The Art of Zen: Paintings and Calligraphy by Japanese 

Monks 1600-1925. New York: H.N. Abrams, s. 115. 

losť, ale naopak ľahkosť a spontánnosť, a práve praktizovaním 

kaligrafi e sa mních cvičil v koncentrácii. Každá kaligrafi a tak 

zároveň svojou priamosťou a nemožnosťou nápravy vyjadrovala 

buddhistickú myšlienku dôležitosti každého okamihu. Súčasne 

bola stelesnením idey príčiny a následku – každá kaligrafi a bola 

následkom cvičenia v meditácii, rovnako ako každá nepodarená 

kaligrafi a bola výsledkom nedostatočného tréningu. 

Zenový majster Dógen (1200–1253) povedal, že praktizovať 

a pochopiť cestu dávnych buddhov znamená uvedomiť si 

ju v nás samých 3 . Iba prostredníctvom tréningu a praxe je možné 

poznanie. Vyjadrením tréningu je meditácia a vyjadrením prebudenia 

je, okrem iného, zenová maľba. Maľba, kaligrafi a, ktorá 

je taktiež, akoby mimochodom, stelesnením základného odkazu 

zenového učenia – predávania učenia bez závislosti na knihách 

a textoch, v jeho najjednoduchšom prejave. 

3 Hui-Jin Kim (1975) Dogen Kigen: mystical realist. Tucson: Univesity of Arizona 

Press, s. 70. 

87 P 


MARCELA ZEMANOVÁ 

LÍNTIME ET LE FÉMININ DANS LÁRT 

A propos, on se concentre sur la féminité dans le contexte de 

l´époque contemporaine mais on oublie souvent de se rappeler 

des racines, des bases du féminin, de se reférencer à 

lárchétype et aux liens intimes féminins. 

Au début de sa jeunesse la femme trouve son côté féminin 

comme un fait génant. Elle essaie de le cacher et de le transformer 

dans une forme quélle est capable dáccepter. Son potentiel 

féminin attend donc de se laisser découvrir, ce qui se passe 

tout au long de sa vie. 

I. LE CORPOREL ET LÍNTIMITÉ 

I.I Líntime 

Le caractère naturel de l´homme est la protection, au moins 

dún petit morceau, de son intimité. Ce territoire secret est le vrai 

refl et de son propre soi. Ce sont des rêves, désirs, éclats dídéaux 

et modèles gagnés à force de prier auprès de notre univers intérieur, 

qui se mélangent avec les doutes, angoisse, nervosité et 

attitude critique par rapport à sa propre réussite. Cependant, tout 

ce qui se cache sous le titre du privé peut être seulement vu et 

compris que par líndividu à qui cet espace intime appartient. 

Dans léncyclopédie Le Petit Robert on découvre ce qu‘est 

líntimité: 

Líntime 

• qui est contenu au plus profond dún être 

• qui lie étroitement par ce quíl y a de plus profond 

• qui est tout à fait privé et généralement tenu caché aux 

autres 

Lásile intime représente la position inchangeable dans la vie 

de líndividu. Cést le 

seul endroit où l‘on peut sábriter et contempler, tranquillement, 

affranchi du cours de passage du quotidien. 

Líntimité est une dénomination fragile pour les contenus 

délicats. Si l‘on se prononce au nom privé de la thématique, 

on doit prendre en considération le fonctionnement de ce mécanisme 

délicat. On comprend par líntimité ce qui est caché 

sous le regard de léntourage et en même temps exposé aux 

sens de líndividu. 

Au cours de l´étude des femmes artistes, on peut se rendre 

compte que justement léspace intime sert souvent de source 

P 88 

* 28. 09. 1981, Vysoké Mýto 

marcelli@email.cz 

ancienne élève de la Faculté de pédagogie de lÚniversité Masaryk à Brno, diplômée en Arts plastiques et Langue 

et littérature françaises 

à partir de 2005 doctorante en Arts plastiques à lÚniversité Masaryk 

à partir de 2006 également doctorante à l´École doctorale Arts plastiques, esthétique et sciences de lárt de 

lÚniversité Paris 1 Panthéon-Sorbonne 

en ce moment elle élabore sa thèse intitulée Le tabou féminin dans l’art contemporain (contexte social et 

artistique, présentation des femmes artistes contemporaines et actuelles) 

son à propos Gnóthi seauton 

dínspiration pour lóeuvre naissante. Les images du privé portent 

cependant le message de la transformation – línformation 

où le privé devient public. 

Quand je regarde et suis le développement de la création 

de certaines femmes artistes, je peux déterminer quelques types 

dártistes pour qui líntimité est entrée dans le champ de la 

création en tant que coeffi cient dínspiration. 

1) Information clef 

Tout d’abord, il ságit des femmes auteurs à qui un certain 

moment passé dans le privé est devenu l´événement clef de 

leur travail, et à qui un certain ouvrage a ouvert une nouvelle 

porte de connaissance. 

2) Inspiration constante 

Ensuite, ce sont elles qui sont inspirées par líntimité au 

cours de toute leur création. Elles ne changent pas lórientation, 

elles restent conservatrices dans le domaine déxhibition de 

leurs contenus intimes. 

3) Développement naturel 

Enfi n, ce sont les femmes artistes qui, pendant le développement 

de leur oeuvre, nónt pas abordé le sujet du privé. Elles 

lónt séparé du travail de lártiste et elles arrivent naturellement 

avec l‘âge vers un certain témoignage. 

Si jássocie ma création au privé, jápporte donc à lóeuvre une 

authenticité plus forte, plus infl uente et probablement plus suggestive 

pour lóeil du spectateur de lártefact fi nal. Tout consiste 

dans lápproche de láuteur qui crée une oeuvre dárt. Le privé en 

tant quínspiration peut rester une simple inspiration parce que 

dans lárt fonctionnent les pouvoirs de límagination et souplesse 

de lídée porteuse qui naît dans lóeuvre sous différentes formes. 

Il peut ainsi changer límpuls original produit par líntimité, le couvrir 

ou línsérer dans un autre niveau sémantique. Lárt peut tromper, 

dans le bon sens ou péjorativement. Quand láuteur maîtrise 

les sens du futur spectateur de son oeuvre artistique, cette 

dernière devient líntermédiaire de sa volonté. Comme síl avait 

enchanté les sens de celui qui entre en contact avec sa création. 

L’enchantement, nést-il pas le but de chaque artiste? 

Si je parle de lárt féminin, nést-il pas vrai que lénchantement, 

ou la féerie, soit lié avec la polarité féminine? Cést la femme qui 

est souvent le médium puissant dans le domaine de la magie. 



Y MARCELA ZEMANOVÁ 

Cést la femme qui est souvent dans les légendes une sorcière 

ou magicienne plus puissante que l´homme. Pourquoi? Peutêtre 

que grâce à un grand lien avec les différents éléments naturels, 

la femme-mère, peut bénéfi cier d‘une grande absorption 

d‘énergie, et ainsi provoquer une résonance beaucoup plus 

puissante vers l‘univers externe. Cést pourquoi la femme-artiste, 

peut-être inconsciemment ignorante de cette connection, 

est capable démontrer une confession plus essentielle. 

Le tableau intime peut n´être quún seul souffl e, aspiration – respiration, 

comme dans lóeuvre de Guiseppe Penone. Celui-ci transforme 

en artefact aussi le toucher. Lóeuvre dÁdriena Šimotová, 

dont on va parler plus tard, est également liée au vécu tactile. 

I.II Dimension symbolique 

On apprend à comprendre notre univers intérieur. On devient 

sage. On se réveille. 

Ce mon moi, le message privé caché et fragile, résonne 

dans le contenu de lápproche sensible de lártiste ou femmeartiste. 

Renaître dans lóeuvre est le plus grand miracle de 

l´harmonie de líntimité. 

...et si cést la sagesse que tu veux, marie lésprit à l´âme, 

cést-à-dire marie láction à la passion, láudace à la sagesse, 

l´énergie à la profondeur... et invite tous les aspects 

de la psyché au „hieros gamos“, ce mariage sacré. 

(Estés, 2007, p. 29) 

Clarissa Pinkola Estés est une des auteurs qui découvrent ce 

quést léspace intime de la femme. Elle parle de lárchétype féminin 

qui célèbre l´âme grandiose presque divine de la femme. 

Sa fameuse femme sauvage nous rappelle cette dimension symbolique 

qui est présente dans chaque oeuvre dárt travaillée par 

une femme-artiste. Je trouve que dans le travail artistique féminin, 

il ságit toujours d´énergie liée à la profondeur (comme elle 

l´écrit) qui se rélève de lóeuvre. Il faut juste accepter lápproche 

intime et très fragile qui y surgit. Quand on observe lártefact on 

a une sensation de vertige, pas physiquement mais plutôt dans 

un vécu physique lié à la sensation psychique. Parfois on se retrouve 

devant un tableau ou objet qui nous éblouit, cést peutêtre 

là où on vit notre hieros gamos – mariage sacré où on entre 

dans lóeuvre et découvre láspect spirituel, la trace laissée par 

láuteur en tant que guide de notre voyage à travers lóeuvre. 

II. FEMMES-ARTISTES INTIMES 

II.I Intimité truqueuse 

Quand on regarde le champs artistique on peut souvent 

sássurer de l´épreuve díntimité. Annette Messager. Lúne 

des premières à avoir manifesté ses mythologies personnelles 

à líntérieur de la création artistiques des années 70. 

(Lebovici, 2004, p. 16) Messager est une femme artiste qui 

sápproprie son espace intime et personnel ouvertement sans 

scrupule. Souvent même le pronom personnel est présent. On 

se souvient de ses oeuvres dárt appelées Mes Clichés, Mes 

Trophées, Mes Ouvrages etc. De la même façon, elle (et on) 

décline aussi lártiste même. Annette Messager Artiste. Collectionneuse. 

Truqueuse. Les Messagers. Ses travaux projettent 

le je intime sur la scène dárt. 

Comme si elle s´était retrouvée dans l´énonciation intime. 

Elle mélange des sentiments avec des cauchemars. Elle fait rire 

et exprime lángoisse en même temps. Dans cette formulation 

a Elian Lou, hlubotisk, rozmer 32x22 

artistique on reconnaît une spécifi cité de la création féminine. 

Annette Messager est léxemple dún artiste qui extériorise et 

essaie de saisir ses propres vécus et impressions grâce aux 

notes de son journal, morceaux de souvenirs étranges, bref, de 

motifs personnels. 

Je suis partie de líntime, du secret, des cabinets de curiosités, 

des vitrines, tout en animant beaucoup lésthétique 

et látmosphère des carnavals, des spectacles de rue, du cirque, 

ce qui semble paradoxal, mais jén suis pas à une contradiction 

près. (Messager in Duplaix, 2007, p. 170) Comme elle 

le confi rme, ses inspirations se mélangent. Pourtant, láuteur 

évoque ses pensées en les rangeant avec une certaine tendresse. 

Le messager veut dire également le courrier. Cést à 

nous, spectateurs, de découvrir les messages intimes transmis 

par láuteur qui utilise des pratiques dites féminines – broderie, 

couture, dessin etc. 

II.II Intimité sincère 

Une autre femme Adriena Šimotová (1926) est remarquable 

pour son oeuvre intime. Elle est lún des plus grands personnages 

de la scène artistique tchèque de la deuxième moitié du 

20ème siècle. Ses gravures, dessins, peintures et objets rayonnent. 

Les empreintes de corps faites avec le pigment décrivent 

léspace personnel de láuteur. Les fragments de silhouettes 

enchantent le papier perforé ou papier-calque. Šimotová raconte 

sa vie à travers la manière légère et fragile, ce qui est 

souvent renforcé par la transparence du papier. Sa recherche 

de lídentité et du sens de léxistence humaine se refl ète également 

dans sa poésie: 

Si tu regardes la direction „au-delà de“ tu marches en 

sûreté et ta solitude est en même temps ta liberté. Hélas 

toutefois si tu lances un regard „sous“ tes pieds sur le 

chemin où tu marches. Après la solitude devient si vaste, 

autant de notre monde que même un autre mouvement 

de lávant-pied est un geste surhumain... 

(Šimotová, 1994, p. 16) 

Líntimité est une partie de nous-même. La présence physique 

du corps nous rappelle des vécus originels. Certains cachent 

leur espace privé, certains le montrent et ne se privent 

pas du plaisir de séxhiber. Šimotová parle de la solitude et 

il me semble que lísolement est un moment que lón doit vivre 

pour atteindre la compréhension de líntimité. A la fi n nous 

89 P 


a Srdce, 70x100, tus, pigment..rok 2007 a Bez názvu, 70x100, tus, pigment..rok 2007 

sommes seuls ou seules pour déchiffrer notre terre secrète et 

privée. Cela représente une grande importance pour la vie de la 

femme. Une fois découverte et accueillie, une âme de jeune fi lle 

doit saisir un nouvel état féminin, celui de jeune femme, mère, 

grand-mère, une femme sage et respectueuse etc. La transformation 

de líntimité féminine est très délicate. 

II. III Intime et corporel 

Dans lárt, si lón généralise, le thème de líntimité est devenu 

primordial pour toute une génération dártistes, et cela a été 

lié au contexte sexuel. Elisabeth Lebovici le précise: La sphère 

intime de la sexualité est devenue lóbjet depuis des années 

90, à la fois dún discours normatif et dún discours revendicatif. 

(Lebovici, 2004, p. 19) On pourrait donc dire quíl ságit 

dúne approche essentielle pour lóeuvre de certains artistes. 

En République tchèque les années 90 présentent une nouvelle 

génération de jeunes femmes-artistes qui reprennent les approches 

artistiques et se laissent inspirer par la philosophie de 

lóccident. Une fois la Chute de Mur de Berlin et la Révolution 

de velours en 1989 passées les artistes découvrent ce quést 

la liberté: la liberté déxpression. Evidemment, léxhibition de 

líntimité y joue un rôle important. Léxhibition de la sexualité 

était importante dans certains ouvrages dártistes tchèques: Veronika 

Bromová, Lenka Klodová ou Jana Štěpánová, ou même 

des Slovaques comme Aneta Mona Chisa et Lucia Tkáčová. 

Pour confi rmer une certaine envie de cet exhibitionnisme, on 

peut évoquer le biomorphisme de Louise Bourgeois qui énonce 

son rapport du dedans – dehors. [...] Dans cette liaison étroite 

entre le moi et le monde, lánatomie subit des transformations radicales 

par fragmentation, amputation, mutilation: yeux, jambes, 

mains... Matière première fondamentale – „Pour moi, la sculpture 

est le corps, mon corps est ma sculpture“, déclare lártiste. 

(BA Editions, 2008, p. 26-27) Cést donc la preuve de líntimité 

déclarée par le corporel et introduite dans lóeuvre dárt. 

Exprimer ou montrer ses sentations envers le territoire intime 

implique de bien connaître son physique et bien ressentir 

son psychique. Que cela soit femme-artiste discrète dans ses 

techniques artistiques, ou celle qui ne sárrête pas devant les 

conventions, il est évident que líntime et le privé ont une im- 

P 90 

portance considérable pour línspiration de la femme-artiste. 

Etre spectateur du corps nu exposé, ou de fragments ou de 

traces rappelant le vécu intérieur; ná aucune différence dans 

le champ de líntime féminin. Léssentiel est de transmettre le 

message, être messager. 

BIBLIOGRAPHIE: 

Dir. DUPLAIX, S. Annette Messager: Les messagers 1ère éd. Paris: coédition 

Centre Pompidou/Editions Xavier Barral, 2007. 608 p. ISBN 

978-2-91517-323-9. 

ESTES, C. P. La danse des grands-mères. 1ère éd. Paris: Grasset, 2007. 

ISBN 978-2-246-72311-0. 

LEBOVICI, E. Líntime. 1ère éd. Paris: Edition Ecole nationale beaux-arts 

– Edition DÁrt en questions, 2004. ISBN 2-84056-146-8. 

ŠIMOTOVÁ, A. Uvnitř – vně. 1. vyd. Praha: Trigon, 1994. 27 s. ISBN 

80-85320-46-0. 

Hors série du Beaux Arts Magazine: Louise Bourgeois au Centre Pompidou. 

1ère éd. Paris: Beaux Arts Editions, Avril 2008. 67 p. ISBN 

978-84278-591-8. 

České résumé: 

INTIMNÍ A ŽENSKÉ V UMĚNÍ 

Přirozenou vlastností člověka je uchránit si alespoň kousek 

svého soukromí. Toto tajné území je pravým odrazem vlastního 

já. Intimita je křehkým pojmenováním pro křehké obsahy. 

Během studia ženských autorek si lze uvědomit, že právě intimní 

prostor bývá často používán coby inspirační zdroj pro vznikající 

dílo. Obrazy ze soukromí však nesou zprávu transformace 

– soukromé se stává veřejným. Lze určit několik typů výtvarnic, 

jimž intimita vstoupila do tvorby coby inspirační modul a stala se 

klíčovou informací, neustálou inspirací, či přirozeným vývojem 

díla autorky. Umělkyně inspirující se intimním zázemím zastupují 

Annette Messager či Adriena Šimotová; nelze však opomenout 

i porevoluční generaci umělkyň v Čechách experimentující 

s tělesnou intimitou. Ať už se jedná o výtvarnice pracující 

a vyjadřující se k intimitě diskrétní formou, nebo o ty, kterým 

konvence nezabrání okázale exhibovat své soukromí, je zřejmé, 

že intimní a důvěrné má pro umělkyně podstatnou inspirační 

hodnotu. Ta jim umožňuje být poslem ženské přirozenosti. 



Y LUCIE BARTOŇKOVÁ 

LUCIE BARTOŇKOVÁ 

INSTALACE A RECYKLACE. 

DUCHOVNÍ SVĚT NEŽIVÝCH VĚCÍ V PROSTORU 

Studium: Pdf MU, Brno – Výtvarná výchova, vizuální tvorba 

Velbloud a Lunda: http://www.youtube.com/watch?v=O7r1UbdBQqw 

Baví mě zachránit věci těsně před tím, než se propadnou 

do zapomnění, pozvednout je do jakési vyšší formy bytí. 

František Skála 

Recyklace (z anglického slova recycling = recirkulace, vrácení 

zpět do procesu) znamená znovuvyužití, znovuuvedení do cyklu. 

Recyklace je výraz pro takové nakládání s odpadem, které vede 

k jeho dalšímu využití. Recyklace umožňuje šetřit obnovitelné 

i neobnovitelné zdroje a omezuje zátěž životního prostředí. V původním 

slova smyslu se recyklací rozumí vrácení do procesu, ve 

kterém odpad vzniká – tedy pro původní účel a stejný systém. 

Lze ji považovat za strategii, která opětným využíváním odpadů 

šetří přírodní zdroje a současně omezuje zatěžování prostředí 

škodlivinami. Recyklace umožňuje zajištění zásob v případě absolutního 

nedostatku, snížení nákladů při stoupajících cenách 

surovin a snížení ekologické zátěže prostředí odpady. 

Část dizertační práce s názvem Sakrální instalace v současné 

vizuální komunikaci refl ektuje současné výtvarné umění, které 

nějakým způsobem reaguje na téma recyklace a instalace... Součástí 

této práce je několik projektů, které řeší návrat a zapojení 

sakrálního umění (a to nejen v původním významu), do současné 

vizuální komunikace v několika prolínajících se liniích. Zároveň 

předpokládá aktivní účast umělců na konkrétní realizaci. 

* 11. 4. 1982 Brno 

lu28@centrum.cz 

Téma recyklace není myšleno jen v rovině ekologické, ale i etické. 

Je to jakési léčení starého, zpravidla užitého umění, které 

zdánlivě ukončilo svůj život. Říká se, že Bůh na svět sesílá boží 

dary každý den a každému... lidé jen nevědí, jak s nimi naložit. 

Prvotní lidé vyhranili bez psaných tradic víru, ve které duchové 

nebo duše zavdávají příčinu života v lidských tvorech; malují 

duši jako přízrak, podobný páře nebo stínu, který může přesídlit 

z osoby mrtvé na živou, do rostlin, zvířat a do neživých předmětů. 

Chtěli vysvětlit důvody spánku, sny, vytržení a smrt; rozdíl 

mezi žijícím a mrtvým tělem a přírodou. 

Existuje umělecké dílo nebo zkrátka jen obyčejný předmět, který 

ani uměleckou hodnotu nemá, ale našel si v tom svém životě 

své místo a měl štěstí, protože si ho třeba někdo oblíbil a povýšil 

ho na jakousi svou osobní věc, která do sebe přijala část lidské 

duše. Velice mě osobně potěšila odpověď současného umělce 

Františka Skály v jistém internetovém rozhovoru na otázku Myslíte 

si, že věci mají duši? Já si to nemyslím, já to vím. 

Já sdílím stejný názor nejen proto, že jako dítě jsem komunikovala 

se svými hračkami jako s živými osobami, ale proto, 

že postupem času pro mě tyto předměty nepřestávaly ztrácet 

onu magickou moc. Neustále se obklopuji věcmi, které jsou pro 

mě životně důležité a přitom vlastně pro jiného člověka mohou 

být zcela nepraktické. Proto si myslím, že věci mají svou duši 

a mnohdy je zcela necitlivě zničíme a násilně pohřbíme... To 

byl asi největší důvod, proč se zaměřit v mé dizertační práci na 

toto téma. To vše umocněno mou čtyřměsíční zahraniční stáží, 

kde jsem najednou viděla, že lidé se starých věcí nezbavují, ale 

posílají je do oběhu a dávají jim novou možnost realizace... to 

všechno působení a ovlivňování, kdy mi do cesty přicházely neustálé 

znamení v podobě nalezených předmětů, snů, poznávání 

nových lidí a životních změn, uvěřila jsem, že vše se děje formou 

náhod a náznaků. 

Znamení, která mě provázela měla mnoho podob... Do cesty 

mi neustále přicházely předměty, na které jsem v danou chvíli 

myslela. Nevěděla jsem zpočátku, jestli je to náhoda, nebo jestli 

mám skutečně věřit v nějakou magickou moc... Ale potom jsem 

si řekla: pokud mi opravdu někdo něco naznačuje, zkusím poslechnout... 

Začala jsem sbírat pohozené, často poničené předměty 

a pokusila se vrátit je do původního stavu. Znovuožívání 

předmětu, jeho znovuzrození. 

91 P 


Ano, věci mají duši... slýchala jsem často od lidí, nezávisle 

na sobě. Pojem duše vznikl u primitivních národů, které dosud 

neměly představy a zkušenosti, které by mohly vysvětlit jinak 

než představou jakéhosi druhého já, lehčího a pohyblivějšího 

než tělo lidské, tedy duše. Sen, v němž člověk pobýval jinde, 

než kde jeho tělo odpočívalo ve spánku, stín, který člověka 

provázel až na práh jeho chýše, zrcadlový obraz, který odrážel 

jeho podobu na hladině klidné vody, vedly shodně k této představě. 

Potvrzením existence duše byla smrt, která odváděla 

z živého těla to, co je oživovalo. Za tento životní princip byl 

považován dech, který přestával v okamžiku smrti. 

Dech, duše zemřelého, odcházela z jeho těla, aby se usídlila 

jinde. Přitom zachovávala všechny povahové rysy zemřelého. 

P 92 

Účastnila se, ač neviditelná, dále života svých druhů, zasahovala 

do něho příznivě nebo rušivě, mohla způsobiti úspěch, neštěstí, 

nemoc. Bylo třeba věnovat jí stálou pozornost a vykonávat vliv 

na její činnost, nakloniti si její přízeň. Tím, že si přírodní síly člověk 

představoval podle sebe sama, došel k názoru, že příroda je 

oživena a že přírodní síly jsou sídlem duchů. 

Je zvláštní, že některé předměty, které nás obklopují nás nechávají 

chladnými, zatímco některé pro nás naopak mají často 

až magickou moc. Chtěla bych prostřednictvím praktické části 

mé dizertační práce dát těmto nevyužitým a odepsaným předmětům 

novou podobu, vdechnout jim nový život, dát jim nový 

smysl a ukázat jim cestu mezi živé... 



Y LUCIE BARTOŇKOVÁ 

Každý reálný předmět, činnost či člověkem obývané území 

(příp. chrám, město) má svůj mimozemský archetyp pojatý jako 

plán či forma nebo prostě jen protějšek, existující na vyšší kosmické 

úrovni. Ale kupříkladu člověkem nedotčená území takový 

archetyp postrádají, jsou součástí Chaosu, a pokud mají být 

obydlena, je nutné je nejdříve zformovat, kosmizovat. V tomto 

případě zformovat umění, které sice nepostrádá svůj mimozemský 

archetyp, ale postrádá živý prvek. Je zdánlivě mrtvé, odumřelé 

a jeho účel zmizel. Ale opravdu jen zdánlivě, neboť toto 

umění pouze bezvládně leží v prachu a neztrácí naději na své 

uzdravení. 

Myslím, že největší nedorozumění mezi lidmi spočívá 

v tom, že si myslí, že umění je nutno porozumět v logických 

větných souvislostech, tím povrchním způsobem, 

jak lidé myslí... Úkolem umění však není, aby bylo chápáno 

ve smyslu plného porozumění. Umění má vstoupit 

do člověka a člověk do umění. Musí být možné úplné 

‘prostoupení’ v takovém smyslu slova… 

Joseph Beuys 

Každé umělecké dílo je nositelem své vlastní zvěsti, má 

svou vlastní hodnotu, sobě vlastní formu. A u každého se musíme 

dotazovat po jeho osobitosti. Zde začne vznikat dialog, 

komunikace s uměním. Ve své práci se pokouším kombinovat 

předměty denní potřeby s věcmi, které jsou v životě chápány 

pouze jako pojem. Pokouším se překonat materialismus tím, 

že se ho snažím kombinovat s duchovností. Duchovnost je, 

v doslovném smyslu, starost o věci ducha. Je často porovnávána 

s pozemskostí. Proto mé instalace jsou tvořené povětšinou 

v grafi ckých programech, které mi umožňují instalovat 

to, co je v reálném světě nenainstalovatelné. Často kombinuji 

úpravy v grafi ckých programech i s klasickou malbou, čímž 

u mě získává ještě (alespoň pro mě) specifi cký posun k experimentálnímu 

vyžití. Poměrně často používám do svých instalací 

i sebe v různých podobách. Tím se dobrovolně začleňuji 

do krajiny, která vzniká za objektivem a poskytuje mi zážitky, 

které jsou téměř nesdělitelné, ale pro mou osobu nesmírně 

obohacující. 

Je krásné dívat se kolem sebe i na místě, které nám přijde 

už okoukané. Stejně tak je krásné dívat se na umělecké dílo, 

které už zdánlivě známe. Postupným pozorováním zjišťujeme, 

že neustále nalézáme nové fragmenty, které jsme před časem 

nevnímali. Jedná se o postupný vývoj naší mysli a ovlivněním 

naší osobnosti okolními vlivy a momentálním rozpoložením. 

Stokrát projdete tím samým místem a vždy zaregistrujete 

nový vjem, přestože si to možná ani neuvědomíme... Recyklace 

umění umožňuje neustále měnit umění, dávat mu novou 

podobu a nový smysl... nový fénix vstává z popela a jeho křídla 

neztratila svůj zlatý lesk... 

93 P 


JAN KARPÍŠEK 

P 94 

Narozen 1981 v Jihlavě, vyrůstal v jihočeské Třeboni, nyní žije v Brně. V letech 1999–2005 vystudoval Fakultu 

Výtvarných Umění VUT v Brně, atelier malířství prof. Martina Mainera, kde působil jako technický asistent. 

Půlroční stáž absolvoval v atelieru performance Tomáše Rullera. Pro jeho tvorbu je charakteristické tematické 

zaujetí plynutím, erotikou a zejména pak spiritualitou, zabýval se intenzivně meditací a řada maleb je jen záznamem 

registrování vjemů systému těla a mysli. Obrazy však nevykazují žádnou formální jednotu – tvar tenduje jednou 

k naivistické ilustrativnosti a grotesce, jindy ke gestické abstrakci. Zabývá se rovněž akční malbou a konceptuálními 

malířskými performance. Tématem bakalářské i magisterské práce Jana Karpíška byl Čas. V roce 2003 byl oceněn 

Cenou děkana za vynikající bakalářskou práci za cyklus velkoformátových maleb hartungovského ražení, v roce 

2004 mu bylo uděleno 2. místo ve studentské konfrontaci Artkontakt. V témže roce jeho dílo zakoupila Národní 

galerie v Praze, aby jej během léta 2005 představila na Mezinárodním bienále současného umění v Praze. Od roku 

2001 se Karpíšek zúčastnil více než pěti desítek výstavních projektů. Je členem skupiny Punkwa. (Galerie Holec) 

OVŠEM NAPSAT NĚJAKÉ VTIPNÉ MIMOCHODEM? TAK TO NEVÍM 

* 1981 Jihlava 

Mimochodem nedávno jsem řešil velice, že chtít být vtipný je jaksi pomýlené a znamená to, že se dotyčný bere vážně. 

Souvislosti se sítí lidí, kteří jsou zastoupeni v připravované publikaci, je nemálo. (U Hany Babyrádové měla moje milá dělat doktorát, 

ale po diplomce už ji zlobil zrak. Babyrádové Didaktika výtvarné výchovy si našla místo do mé diplomky. Lucie Bartoňková je 

nejlepší kamarádka mojí nejlepší kamarádky. Přednášky Martina Mrskoše patřily na FaVU mezi mé nejoblíbenější, často působily 

jako zjevení, jak má probíhat ideální souznění představ studenta o tom, co by chtěl na vysoké škole studovat. 

Petr Veselý byl spolu s Radovanem Kutrou objektem mé první seminární práce. Jiné další znám, z povzdálí sleduji, uznávám, 

potkávám. Jiní neznámí jsou sítí mi podsouváni, jsem u vytržení zejména z Tora Lundvalla 

a Šakuhači freestyle, akryl na plátně, 135x160 cm, 2008, soukromá sbírka, Španělsko 



Y JAN KARPÍŠEK 

KOUZELNÁ OSKERUŠE 

Kouzelná oskeruše, akryl na plátně, 70x55 cm, 2008 

Květ, olej na plátně, 125x80 cm, 2000 

Ježci (Koloběh fází), olej na plátně, 70x100 cm, 2005 

95 P 


ZACHARY PEIRCE 

PRIPYAT, A SOVIET POMPEII 

P 96 

Education 

BA Fine Art Degree / Middlesex University / 1993–1996 

Art Foundation / Middlesex University / 1993 

Awards / Exhibitions 

2008 ACAVA Open Studios 

Selected for 2008 RBSA Open Portrait Exhibition 

Shortlisted for Royal Academy Summer Show 

2007 ACAVA Open Studios 

2005 CCA Gallery, Cyprus 

1996 BA Fine Art Degree Show, Middlesex University 

* 24. 8. 1974 

enquires@zacharypeirce.com 

20 years on, Chernobyl stands as a permanent reminder to the world of what can happen when nuclear power goes wrong. It 

is now one the most radioactive regions on the planet with areas that will remain uninhabitable for an estimated 700,000 years. 

But it also exists, paradoxically, as a place of strange and unexpected beauty. A place where wildlife is actually thriving (the 30km 

exclusion zone around the power plant is now Europe’s largest nature sanctuary). A region returning to an era before humans, 

a land of forests and wolves. The workers town, Pripyat, has become a modern Pompeii. The hastily abandoned Soviet buildings 

are now frozen in time as radioactive animals move in, radioactive trees grow inside and the concrete slowly crumbles. 

A lot of my recent work is about Chernobyl and Pripyat. My paintings of buildings in the region try to convey the atmosphere 

of decay, abnormality and threat. 

a Chernobyl Landscape, oil on canvas, 170cm x 140cm – 2006 



Y ZACHARY PEIRCE 

a Chernobyl Landscape, oil on canvas, 219cm x 119cm – 2008 

Painting preparation / Pripyat, Chernobyl Exclusion Zone, oil on canvas, 193cm x 173cm – 2008 

Pripyat, Chernobyl Exclusion Zone, oil on canvas, 102cm x 102cm – 2008 / Pripyat, Chernobyl Exclusion Zone, oil on canvas, 91cm x 61cm – 2008 

97 P 


RADEK ČÁK 

Student ateliéru kresby FaVU VUT v Brně pod vedením J. Daňka. Později ateliéru grafi ky u M. Titlové. Žije a tvoří v industriálním městě Adamov, které 

ovlivňuje jeho náměty. Zobrazuje především urbanistickou tvář města charakteristickou panelovými domy. Zároveň rozšiřuje tento zdánlivě neaktraktivní 

námět o další prvky běžného života např. pejsky, rakety, kaktusy a jiné. 

REAL – PLENER – MONDRIAN 

Každý z nás jistě navštívil některé sídliště. Mnozí z nás v něm 

dokonce žijí. Všichni víme, jak takové sídliště vypadá a každý, ač 

už chtěně, nebo jen tak mimochodem pozoruje jeho proměny. 

Už od samotného počátku výstavby byla panelové sídliště 

předmětem mnoha debat a měla své zastánce i odpůrce. Po 

převratu převládl v jejich posuzování pejorativní tón a v devadesátých 

letech začala doba jejich vylepšování a zkrášlování. 

Tak zvané humanizace a revitalizace probíhající v poslední 

době hustě téměř na všech sídlištích po celé republice sebou 

nesou určité znaky, které se dotýkají i ostatních druhů přestaveb. 

Humanizace sídlišť, byla dříve pokládána za hlavní úkol, jak 

hranaté paneláky polidštit, a tak se v různých variantách prová- 

P 98 

* 12. 4. 1282 Brno 

děly bizarní nadstavby, na ploché střechy se přidávaly šikmé 

střechy sedlové, mansardové, jehlance a věžičky. Z panelových 

domů zkrátka dělaly něco, co nejsou a navíc bez ohledu na zlepšení 

funkce domu. Současné revitalizace se nyní, s mohutnou 

podporou státních fi nancí, věnují především funkčním otázkám 

domů. 

Nejčastějším zásahem do stávající stavby je výměna starých 

oken, která se nahrazují plastovými. Plastové okno je jedním 

z důležitých prvků pozvolné proměny staveb, která nepostihuje 

nejen panelové domy. Nese s sebou ztrátu detailu a hloubku 

okna nahrazuje plochým vyzněním a funkční dokonalostí. (Otázkou 

však zůstává, zda by např. funkcionalističtí architekti ze 

třicátých let nepoužívali právě ona plastové okna a jim podobné 

doplňky, kdyby v té době již byly vynalezeny.) Tato plíživá 

proměna všech domů, které na nás již z větší části hledí svými 

plastovými okny je nyní doprovázena další a o to zřetelnější 

proměnou. Tou je zateplení fasády a její nové barevné řešení. 

Jestliže první případ proměny je téměř nenápadný, tak druhý se 

prezentuje s masivní okázalostí. 

Futuristické vize nám předváděly město budoucnosti jako 

mnohaposchoďové křižovatky, na nichž se míjejí zavěšená, 

nebo volně létající vznášedla labyrintem konstruovaným z odlehčených 

železných nosníků. Podoba těchto měst budoucnosti 

měla být výsledkem technických funkcí – v duchu mašinistických 

představ měl novou podobou krásy vytvořit technický styl 

nového věku. Smělý rytmus modernismu měl smést všechno 

vyumělkované a ozdobné. 

Když se dnes podíváme kolem sebe na to jak se sto let staré 

představy o 21. století naplňují v praxi, vidíme, že to futuristům 

vyšlo tak napůl. Duch inženýrské tvořivosti sice skutečně zvítězil 

a prosadil se naplno, avšak ke škodě věci nám technicky nadaní 

tvůrci příliš nevnucují žádnou technicistní a krutě prostou podobu 

novodobé krásy, ale spíš naopak, snaží se podle možnosti 

vyhovět obecné představě o atraktivním, veselém a útulném 

prostoru na bydlení a ze všech svých inženýrských sil se pro 

nás pokoušejí vytvořit něco hezkého. 

Funkčnost zateplení je patrně nesporná. Izolace panelových 

domů, vzhledem k jejich zastaralému provedení a obrovským 

tepelným ztrátám je nutná k udržení nejen tepelných, ale i konstrukčních 

vlastností. Na fasádách se však objevují nové barvy, 

nerespektující původní podklad. Jsou vybírány především na 

základě dohody společenstva majitelů domu, nebo stavební 



Y RADEK ČÁK 

fi rmou provádějící rekonstrukci, která čerpá z omezené typové 

nabídky stvořené patrně nějakým stavebním inženýrem. 

Z estetického hlediska jsou zářivé barvy (a jejich jásavé 

vzezření) nových fasád hlavními faktory všeobecné spokojenosti 

s jeho prováděním. 

Ve skutečnosti však mechanická tvořivost nenabízí nic víc. 

Umí nabídnout tři zrcátka uvnitř pouťového kaleidoskopu. Jako 

samospasitelný návod jak tvořit životní prostředí vedou v konečném 

důsledku k nudě ještě hroznější, než byla někdejší nenáviděná 

nuda šedá, hroznější o to, že tato nová nuda obsahuje 

někde ve svých základech odpudivý rys prefabrikované zábavnosti, 

mechanického zmnožení příjemných počitků, které v nejkřiklavějších 

případech (nikoli bez vnitřní souvislosti) působí 

nakonec až trochu halucinatorním či psychadelickým dojmem. 

V souvislosti s těmito motivy, které jsou přinejmenším z devadesáti 

procent pravoúhlé, se nabízí srovnání s kompozicemi 

např. Pieta Mondriana a malířů, kteří prosazovali geometrickou 

abstrakci. 

Promyšlené komponování malířů, často na základně matematických 

principů, chce např. postihovat abstraktní vesmírný 

řád. Základní geometrické formy malíři využívají jako nejuniverzálnější 

prostředky k vyjádření harmonie jak tvarové, tak i barevné. 

Geometrické obrazce na fasádách domů jsou naproti tomu 

často bezděčné, jen tak mimochodem uspořádané čtverce, 

obdélníky, křivky. 

Abstraktní umění, ani po tolika letech od jeho objevení pro 

výtvarné umění většina populace ještě není schopna přijmout za 

umění. Na domech tato abstraktní výzdoba však nikoho neuráží. 

Vychází to patrně z ambivalence, mezi vnímáním umění jako něčeho 

vyššího a výzdobou domů, jako pouhou dekorací. 

Naštěstí umělec poučený smiřující zkušeností postmoderního 

vnímání, která před koncem dvacátého století postupně 

vytlačila modernistickou přísnost z našeho posuzování estetické 

podoby architektury, je schopen hledat a nacházet cestu 

k polidštění a skutečnému znovuoživení i takto komplikovaně 

a vnitřně poškozených estetických struktur. Takovou cestou je 

například projekt s názvem: real – plener – mondrian 

Tvůrcům fasád se sice nepodařilo zvládnout svou roli samozvaných 

architektů úplně na jedničku a příliš nenaplnili očekávání, 

které do nich jako do projektantů vizuální podoby města 

21. století vkládali někdejší proroci modernismu, ale za to se jim 

podařilo něco jiného, Jejich činnost umožnila realizovat absurdní 

umělecké předsevzetí: 

Malíř vyjde se stojanem a plátnem ven, do městské krajiny 

a realistickým způsobem zachytí viděné. Vytvoří obraz 

v duchu nejpřísnější geometrické abstrakce rovnou odpozorovaný 

ze skutečnosti-z viditelného světa, z fasád panelových 

domů. 

Při práci může intenzivně přemýšlet o rozdílu mezi abstraktní 

a zobrazivou malbou v podmínkách 21. století. 

Na závěr bych chtěl poděkovat svému učiteli Doc. Mgr. Josefu 

Daňkovi za cenné rady při projektu a při psaní textu. 

99 P 


MARTINA IBLOVÁ 

NÁHODNÁ ZASTAVENÍ 

Náhoda je neuvěřitelným zdrojem inspirace. Velké objevy 

jsou v řadě případů dílem šťastné či nešťastné náhody. Tyto 

věci se prostě stanou. Stanou se tak mimochodem. Pocity strůjce 

při takovém objevu jsou, dle mého názoru, těžko popsatelné 

a velice individuální. Zřejmě však můžeme obecně říci, že je 

prvně více či méně překvapen, poté ohromen a zřejmě i šťasten. 

Někdy ovšem si svůj náhodný objev neuvědomuje a tyto objevitelské 

pocity tudíž neprožívá, je o ně ochuzen do doby, než dílo 

náhody prohlédne. Legendy o náhodě se váží například k vzniku 

abstraktního umění či k Senefeldrovu objevu technologie litografi 

e. Avšak příkladů nejen z oblasti výtvarného umění je celá 

řada – penicilin, suchý zip, lepicí pásky… Takové objevy, které 

změnily dějiny, se nedějí denně, nicméně existují i naprosto malé 

obecně bezvýznamné náhodné objevy, které člověk zažívá při 

běžném životě, a jsou pro něj zdrojem stejně příjemných pocitů, 

zdrojem inspirace a mohou pro něj mít obrovský význam, který 

ovlivní řadu věcí příštích v jeho životě. Stanou se přirozeně. 

Vezme-li malé dítě prvně do ruky pastelku, i přes určitou pomoc 

svého okolí, je pro něj stopa, kterou jeho ruka zanechává 

pomocí pastelky, naprosto úžasným zážitkem. Malé dítě má 

samozřejmě těchto zážitků s poznáváním svého okolí nepřeberně 

mnoho. Prožívá je každé dítě, což těmto objevům v žádném 

P 100 

* 24. 3. 1980 Stod 

martina.f@email.cz 

Jmenuji se Martina Iblová (roz. Fišerová). Narodila jsem se 24. března 1980 ve Stodě. 

Vystudovala jsem výtvarnou výchovu na Fakultě pedagogické ZČU v Plzni, doktorské studium na Pedagogické 

fakultě MU v Brně, poté jsem působila jako učitelka výtvarné výchovy na ZŠ v Praze. 

Nyní jsem v podstatě mimo chod výtvarného školství, věnuji se rodině a vlastní výtvarné tvorbě. Věci, které se 

dějí mimochodem, jsou mi velice blízké. Zajímám se o lidskou přirozenost, spontaneitu výtvarné tvorby dětí, hru 

a náhodu ve výtvarném tvoření. 

případě neubírá na významnosti. V tu danou chvíli jsou pro člověka 

jedinečné, on je prožil poprvé, podporují jeho další chuť 

k poznávání světa kolem sebe. 

Pro člověka je vždy daleko cennější, objevuje-li sám cílevědomě, 

náhodně nebo je k tomuto objevování citlivě veden, než když 

je mu poznání zprostředkováno bez objevitelského zážitku. 

V pedagogickém vedení, při výchově dětí, či v jakémkoliv 

jiném rozvoji lidského ducha je, podle mého názoru, velice důležité 

preferování tohoto způsobu poznání. Poznání, které podporuje 

zvídavost, otevírá mysl k podnětům z vnějšku a je založené 

na aktivní účasti jedince. 

Prožila jsem zajímavý rok. Byla jsem učitelem. V podstatě mé 

předchozí počínání k tomu dlouhodobě směřovalo. Několik let 

jsem se na toto povolání připravovala. Jednalo se o přirozený 

vývoj. Najednou ovšem máte přidělenou, poněkud neosobní, 

učebnu, vybavenou opotřebovaným nábytkem, do které za 

Vámi pravidelně docházejí děti – malé, co sotva unesou tašku, 

větší, ale i zcela velké, co už jsou tak trochu dospělé. Střídají 

se přesně podle rozvrhových hodin a potkáváte se týden, co 

týden. Zprvu jsou to anonymní tváře, které postupně poznáváte 

v davu ostatních, časem je znáte všechny jménem, něco málo 

o nich víte a tušíte, co od nich můžete očekávat. Během těch 

týdnů nastávají situace, na které Vás žádná příprava nepřipravila 

a záleží jen na Vás, jak se s nimi vypořádáte. Na povinnosti, 

které máte kromě samotné výuky, se zprvu velice soustředíte, 



Y MARTINA IBLOVÁ 

pote je již plníte automaticky. Zřejmě to tak neprobíhá pokaždé, 

ale v mém případě to tak bylo. Výuce jsem věnovala maximum. 

Od začátku jsem byla motivována nahromaděnou silou z let příprav. 

Chtěla jsem předat vše, co jen půjde a dělat tuto práci, co 

nejlépe. Nejdříve zřídka a poté častěji byla má snaha odměněna 

nadšením malých i velkých dětí. Ovšemže ne všech. Najdou se 

jedinci i mezi dětmi, kteří nepřistoupí na hru za žádnou cenu. 

Objevovali jsme společně krásy výtvarného tvoření, kouzlili jsme 

při různých experimentech, snažili jsme se najít v takovém počínání 

smysl, hráli jsme si s náhodou. Podporovala jsem přirozenou 

spontaneitu dětí, nechávala je náhodně objevovat a radovat 

se z těchto objevů. 

Školní rok skončil. Utekl velice rychle. Z určitých důvodů 

jsem ze školy odešla. Vzhledem k tomu, že se z mé strany tento 

rok odehrával v neuvěřitelném tempu a vypětí, je tomu dobře. 

Myslím, že bych takto intenzivně nemohla pokračovat, ale zároveň 

bych nechtěla zklamat. Rok je, podle mě, dlouhá doba na 

to, aby se mnoho prožilo a navzájem se lidé poznali, ale je to 

příliš krátká doba na to, aby se práce stala rutinou. Proto tento 

rok byl výjimečný, měl začátek a konec a lze jej s odstupem času 

analyzovat. Z vytvořené výtvarné práce považuji za zásadní proměnu 

prostoru výtvarné učebny, oné neosobní místnosti, kam 

žáci přicházeli a odcházeli. Na této proměně se podíleli téměř 

všichni návštěvníci jednak v rámci dlouhodobého projektu, ale 

zároveň se tak stalo mimochodem s myšlenkou ukázat své dílo, 

zpestřit interiér, zanechat výtvarnou stopu. 

Učebna se stala výtvarným dílem. Dílem všech, kde každý 

respektoval práci ostatních, vážil si možnosti průběžně se podílet 

na společné práci. Učebna se stala inspiračním prostorem, 

výtvarným ateliérem. Místem, kde se odehrávaly neuvěřitelné 

fantazijní příběhy, kde ožívaly sny plné barev, kam vstoupila 

pestrobarevná příroda. 

Cílem dlouhodobého projektu bylo pomocí výtvarných prostředků 

z omšelého interiéru vytvořit přírodní oázu, barevný 

a veselý prostor, kam by se děti rády vracely. Do prostoru školní 

učebny byl přenesen vysněný svět z vnějšku, exotická příroda 

doprostřed pražského sídliště. Důraz byl kladen na zajímavá 

řešení, respektování tvarů nábytků, využití různorodých ploch 

k výtvarnému pojetí. 

Učebna se časem jistě zase změní. I děti budou časem jiné. 

Věřím ale, že pro návštěvníky v uplynulém roce mělo toto místo 

určitý význam. Vytvořili jej společně. Stalo se tak mimochodem 

během hodin výtvarné výchovy. 

101 P 


EVA KOKEŠOVÁ 

SVĚT JE NÁDHERNÁ KNIHA, 

ALE NEMÁ CENU PRO TOHO, KDO NEUMÍ ČÍST 

Určitě se mnou souhlasíte, že dobří učitelé jsou základním předpokladem 

pro kvalitu školy. Co to je však dobrý učitel? 

Pro školní práci je podstatné žít z Ducha. Znamená to, mít 

čisté svědomí, žít v radosti a uvědomovat si, že jsme profese, 

která jednak přijímá a jednak dává. Jsme majákem pro druhé. 

Jsem a vždy jsem byla ráda učitelkou, mám ráda školní atmosféru, 

všechny děti, i ty osobité a problémové. Vždy mě potěší 

rozzářené oči dětí při dobrých výsledcích. 

a ZŠ Jana Babáka 

P 102 

* Přerov 

Narozena v Přerově, výtvarnice a pedagog pro 1. stupeň na ZŠ Jana Babáka v Brně. Dáma, kterou potkat před 

třemi lety, mimochodem s dětmi, v brněnském Domě umění, byl dar a dnes mám tu čest se s ní přátelit. 

Barbora Svátková 

Dnešní škola je moderní, živá a žijící. Měla by žáky naučit orientovat 

se v chaosu informací, které se na děti hrnou ze všech 

stran. Nutností je naučit se myslet. Přemýšlet o neznámém, 

dozvídat se co nejvíce, ale umět věci redukovat, naučit se používat 

platné zásady v občanském životě. Dítě se může vychýlit, 

převrhnout, zakolísat, ale rodina a škola by mu měla pomoci stát 

na pevných základech. Aby se člověk rozvíjel plně a plnohodnotně, 

potřebuje nutně k stejnosměrnému rozvoji položit základy 

výtvarné, estetické a hudební výchovy. Již malý človíček se 

musí učit vnímat krásu kolem sebe. Učitel a rodiče jsou ti první, 

kteří pokládají tyto výtvarné základy. Výtvarné výchovy je vždy na 

škole málo, děti se musí učit vnímat krásnou realistickou tvorbu 

od tohoto pozvolna k abstraktnu. K žádné kresbě se nemohou 

vracet. 

Učím děti malovat a kreslit tak, jak hudebník tvoří skladbu. 

Učím je vnímat barvy jako akordy a přidáváním dalších experimentují. 

Tónů i barev je přibližně stejně. 

Musím se přiznat, že směřuji děti k postupům a myslím si, že 

svým vkusem je ovlivňuji. Děti se rády nechají vést jak po stránce 

barevné, tak i kompoziční. Při nástupu do této školy před 

devíti školními léty jsem nastoupila do strohé budovy, která byla 

doplněna archivními reprodukcemi. Kolem těch děti bezmyšlenkovitě 

procházely, vůbec je v ničem neoslovovaly. Proto jsem 

postupně školní chodby upravila tak, aby byly prostory blízké 

dětem, aby reprezentovaly dětskou tvorbu, aby zapůsobily mile 

na všechny, kteří školu byť jen jedinkrát navštíví. Už to, že pěkné 

prostředí všechny děti, učitele i rodiče velmi motivuje. Čím více 

dětských autorů, výtvarníků na chodbách vystoupí a tvoří, tím 

více radosti a potěšení je mezi dětmi. 

Jsme škola jazyková, ale když se projdeme školou, tak směle 

řekneme, že výtvarná dílka by mohla konkurovat školám s výtvarným 

zaměřením. 

Znovu si troufám zdůraznit, že všichni nejsou milovníci umění. 

Ale je nesmírně důležité vést děti ke kráse, vychovávat je, učit je 

vnímat krásu, dá se říct zasívat krásu. Zasetá krása pak vyzařuje 

z jejich duší. Určitě citliví lidé, schopni vnímat krásu kolem sebe, 

dokáží i s citem vnímat své spolužáky, ostatní lidi kolem. A to 

je účel. 

Na závěr bych chtěla popřát žákům laskavé učitele, učitelům 

vnímavé a pilné žáky. Žákům i učitelům také přeji vše dobré, 

a aby se dovedli radovat z darů života. 



Y EVA KOKEŠOVÁ 

a Mgr. Eva Kokešová se svou třídou na výstavě Pohled medúzy v Moravské galerii v Brně, 2006 

a Mgr. Eva Kokešová spolupracuje od roku 2005 na projektu galerijních animací studentů Katedry výtvarné výchovy Pedagogické fakulty 

Masarykovy univerzity. Na snímku v programu Ode mě k tobě ve Wannieck Gallery v Brně (vedly studentky H. Hetmerová, M. Ušiaková, 

S. Lašanová, H. Škvařilová, garance B. Svátková, 2007) 

103 P 


DANA PUCHNAROVÁ 

PŘEDIVO ŽIVOTA – SÍLA A MOC BAREV 

Barvy patří mezi energie, které nás silně ovlivňují, plně rozvíjejí 

elektromagnetické síly slunečního světla v našem těle, a tak jsou 

vlastně kosmickým zdrojem síly, která poskytuje zdraví a vyváženost 

těla i duše. Jsou to viditelné síly, které nás stále všude 

obklopují a hluboce ovlivňují naše myšlení a city. Energetické 

vyzařování barev v nás vyvolává pocity, které jsou přijímány 

fyziologicky i psychologicky a mohou rozhodně ovlivnit naše 

tělesné a duševní blaho. 

Jestliže se začneme vědomě zabývat významy barev, prožívat 

je a využívat nejrůznějšími způsoby, můžeme postupně změnit 

mnoho ve svém životě. Začneme vnímat a uvědomovat si nové 

dimenze svého vnitřního světa, získáme větší citlivost, potřebnou 

k rozšíření a prohloubení vyššího vědomí. Můžeme postupně 

odhalit svůj vnitřní duchovní zrak, svůj vnitřní svět a budeme 

ho dále moci rozvíjet, jestliže využijeme svou energii, schopnosti, 

dovednosti, čas, talent a kreativitu novým způsobem. 

Barevné energie nám mohou předat povzbuzující, harmonizující 

a regenerující síly, povzbudivou vitální energii, prokazatelně ovlivňují 

nervy, žlázy, různé orgány, jejich činnost. Mají proto nesporný vliv 

na naši psychiku, i když si tyto vibrace neuvědomujeme. Charakter 

vibrací okolního prostředí se tedy odráží v každé buňce našeho 

těla. Nedostatkem barevných a světelných podnětů dochází postupně 

k poruchám normálních tělesných funkcí. 

Barevné energie mohou způsobit velmi pozitivní změny nejen 

na tělesné úrovni, ale i na úrovni psychické, mohou významně 

zlepšit celkový zdravotní stav, zbavit člověka depresí, nastolit 

dobré mezilidské vztahy, proměnit jeho vztah k domovu i životu. 

Porozumíme-li významu a účinkům barev, můžeme vytvořit 

uzdravující prostředí všude, kde jsme – a to nejen pro své tělo, 

ale i pro svou mysl. Takovou změnou emocí můžeme způsobit 

změnu chápání světa a změnu našeho myšlení. 

Stav našeho těla samozřejmě rozhoduje o tom, kam až postoupíme 

na své cestě a kolik duševní radosti prožijeme. Nasměrování 

proudů světla a barev do našeho těla může pozitivně 

ovlivnit naši energii. 

Tomu podle mého mínění mohou napomáhat mé obrazy čistých 

barev a čistých tvarů i průsvitné litografi e, složené z vícebarevných 

vrstev do plexiskel, instalované před zdroj světla či před 

okna. Na mých výstavách je těchto koncentračních podnětů 

velmi mnoho, neboť jsou vytvořeny pro různé lidi, různé povahy, 

P 104 

* 22. 1. 1938 Praha 

Výtvarnice, malířka, grafi čka, ilustrátorka, autorka 20 realizací v architektuře. Přes 3O autorských výstav a účast na 

více než 120 skupinových výstavách u nás i v zahraničí. Raná tvorba umělkyně vychází z exprese, gesta a zpočátku 

souvisí s Informelem a jeho českými modifi kacemi. Geometrické formy vnáší do autorčina díla posupně řád, hledání 

nových forem pokračuje zcela v duchu kontinuity duchovního smyslu umění. Experiment, vize a tradice jsou tři 

roviny díla Dany Puchnarové. 

Umění je práce s čistým vědomím člověka. Pro mne od prehistorie mělo význam jako výraz duševních sil 

a pomocník při kontaktech s nejvyššími energiemi, nazývanými v průběhu dějin bůh, božství, světový Duch, 

univerzální síla, kosmické vědomí… Čisté tvary a čisté barvy mohou být nositeli energetických vibrací a předávat 

je divákovi. Chápu to jako důležité aktivity pro zlepšení psychické situace lidí. 

a Dole i nahoře, 1998, průsvitná litografi e v plexiskle, 80x40 cm 

různé situace, různé mentality, citové stavy a potřeby diváků. 

Ten, kdo chce pracovat s barvami a svým vědomím a city, by si 

měl vybírat podle vlastního současného cítění takové výtvarné 

dílo, které jej nejvíce energetizuje či uspokojuje, přenést je do 

svého prostředí a nainstalovat tak, aby mohl nerušeně prožívat 

chvění, energie a harmonizační účinek barev a tvarů co nejdelší 

dobu denně a pravidelně. Je třeba, aby se divák dlouhou dobu 

koncentroval na jedno dílo, vnímal průsvitné záření barev tak 

dlouho, až zapomene na své okolí, na svůj denní život s jeho 

starostmi a problémy, až se jeho psychika dostane do stavu 



Y DANA PUCHNAROVÁ 

naprostého lidu a míru. Takový stav je možné přirovnat k mystickým 

stavům, a lze jej dosáhnout snadno, pokud člověk opravdu 

chce a udělá si pro to dobré podmínky. 

Druhý aspekt vlivu barev uměleckého díla je fyzikální: nejen 

naše oči, ale i kožní receptory celého těla jsou kanály, kterými 

tělo přijímá barevné energie, aby působily ve všech buňkách. Ty 

se bleskově šíří do oblastí chybného chvění v těle a harmonicky 

je vyrovnávají. Tak se výtvarné dílo stane tvarovým zářičem, 

zvyšujícím bioenergetický potenciál svého majitele, který z něj 

může čerpat vitalitu a harmonii stále více, úměrně ke své rostoucí 

schopnosti prožívání barev. 

Jestliže tedy současní umělci využijí moderních poznatků vědy, 

mohou velmi podstatně přispět ke zkvalitnění duchovního působení 

umění a usnadnit společný spirituální vývoj dnešních lidí. 

Velký německý myslitel – přírodovědec, básník, filozof 

J. W. Goethe při studiu barev dospěl jako první k poznání, že 

barvy silně ovlivňují duševní svět každého člověka a že existuje 

úzká souvislost mezi barvami a pocity. Považoval svou nauku 

o barvách /Farbenlehre 1811/ za své životní dílo, daleko významnější 

než celou svou literární práci. Ve svém učení defi noval 

fyziologické aspekty barev jako zrakové počitky a vycházel 

z hlubokého poznání, že člověk musí barvy sám v sobě prožít 

a zakusit, aby měl pojem o jejich hodnotě, síle a moci. Dokonce 

byly pro něj barvy svědectvím vyššího světa. 

To je pro nás velmi významné poselství ze sfér duchovní práce 

a radosti, základ pro spolupráci umělců s lidmi, kteří se chtějí 

vlastními zkušenostmi rozvíjet, zažít nové stavy duše, úžas nad 

nepopsatelným poznáním vnitřní krásy a moci fantazie. 

a Princip tří, 2003, kresba pastelem, 80. 56cm 

Květen 2005 

a Princip šesti, litografi e, 70x70cm (1997) 

UMĚNÍ – ŽIVÁ ŠKOLA DUŠÍ 

(psáno pro studentky) 

Dne 12. dubna 1992 v noci ze soboty na neděli jsem viděla 

ve snu na stroji napsaný text úvahy, která spojovala myšlenky 

o rozvoji uměleckých schopností s vývojem duševních sil 

člověka 

Duše, které jdou cestou uměleckého rozvoje, se již v útlém 

věku jako děti (i později během života) poučují z nespočetného 

množství drobných maličkostí, jejichž prostřednictvím přijímají 

zlaté paprsky vnitřního poznání. Zůstávají často zahleděny ve 

zvláštním zamyšlení, odděleny v neviditelném ochranném obalu 

od vnějších starostí, událostí a mnohých příběhů hmotného 

světa. Tehdy zcela přirozeně potřebují ticho, tak jako rozkvétající 

květina potřebuje slunce. 

Takové mladé duše často ztrácejí kontakt s vnějším světem 

a nalézají velké poklady ve vnitřních vizích, které se jim ukazují, 

aniž by na to duše vynaložily jakékoliv úsilí vlastní vůle. Duchovní 

děje probíhají nevědomě, duše v nich však nalézají radost, blaženost, 

opojení pohybem v zářivých myšlenkových sférách. 

Protože však málokdy najdou porozumění u svého okolí, naučí 

se zakrývat své vnitřní zážitky a být nenápadní pro okolí. Klopýtají 

poslepu přes překážky a těší se ve svém čistém srdci, že jednou 

najdou učitele, který jim pomůže užívat svých skrytých schopností 

tak, aby promluvily k ostatním bytostem a našly s nimi spojení. 

Nalézají diamanty, ale nevědí, jak je mají zpracovat, do kterého 

šperku je zasadit. Jsou to drahokamy, hodné koruny královské, 

a přesto nenalézají toho, který by tyto poklady citlivou 

rukou porovnal, zvážil, pomohl v jejich zabroušení do konečné 

zářivé podoby – do formy jasného poselství. To vzácné poselství 

obsahuje sdělení o nalézání a vstupování do světů nad naším 

rozumem a smyslovým vnímáním, do oblastí, jichž se lidská 

slova dotýkají jen opisem, metaforami či symboly, a nejraději se 

ukrývají do mlhavého oceánu mlčení. 

Takové duše jsou nadány mnoha schopnostmi a skutečně 

potřebují jemnou péči jako křehké sazeničky vzácných rostlin, 

které pěstuje a opatruje zkušený zahradník od samého počátku, 

od přípravy půdy a zasetí semínek až k plnému vzrůstu. 

105 P 


a Patafyzický kabinet A. Jarryho (cyklus Křivky), 1967, kresba barevnou tuší a perem 

Takové duše jsou velmi samostatné a statečné, obětavé a trpělivé, 

laskavé a vynalézavé. Mnohé dobré vlastnosti jim byly 

vdechnuty zároveň s jejich talentem, aby mohly splnit své poslání 

ve světě. Naučí se brzy překonávat překážky, naslouchajíc 

více vnitřnímu vedení než projevům zvenčí. Učí se postupně 

citlivě zacházet se svým tělem, rozumět mu, dávat mu dobré 

podmínky a péči, aby dobře sloužilo. Naučí se i vládě nad myšlenkami, 

které zpočátku svým vířením zatěžují duši. 

Jsou duše, které jdou cestou beze slov, a přesto mohou dát 

svému vnitřnímu vidění a citu velmi silný výraz. Zdá se, že jejich 

počet narůstá – nejen proto, že lidstvo se množí s geometrickou 

řadou, ale i protože stále více sílí touha jít výš a dál, stoupat 

svým vědomím do dalších a dalších prostorů. 

Ta touha je hmatatelná, viditelná, slyšitelná v mnoha obrazech, 

sochách, proudí světem hudby, zpěvu, tance, fi lmu, poezie, 

divadla, je esencí mnoha projektů, podstatou představ, 

imaginací a vizí. 

Duševní schopnosti lidstva se mohou znásobit vzájemným 

sdílením a otvíráním. Tyto neviditelné řeky spojují národy a kontinenty, 

dokonce i přes současné krutosti, jimiž se vybíjejí živočišná 

hnutí v lidech, skupinách i národech. Neviditelné plameny 

hoří na vrcholech hor ducha a dávají si tajuplná znamení. 

V povědomí lidstva sílí touha po skutečném vnitřním poznání. 

Lidé jsou stále méně spokojeni s boomem techniky a kybernetických 

supervynálezů. Duše se od nich odvracejí samy k sobě, 

rozhodnuty se vnitřně proměnit a jednat spravedlivě se všemi 

bytostmi, se svým okolím i samy se sebou. Sílí touha obnovit 

a povýšit soužití lidí a zvířat, rostlin, řek, hor, potoků, soužití 

rozdílných etnických a náboženských skupin. Takové ideály 

P 106 

a hluboká hnutí srdcí a myslí se mohou s náhlou naléhavostí 

rozletět do všech koutů naší planety po všech vlnách masmédií. 

Prolínají jako živné proudy do neviditelného oceánu, kterému se 

říká velmi zjednodušeně umění. 

Co však dnes pod tímto výrazem chápeme? 

Kdybychom měli jistotu, že slova mohou opsat nekonečné 

bohatství snů, myšlenek, citů i představ, které přilétají se silou 

vichru a zmocní se duší náhle a nečekaně, vzbuzujíce v nich někdy 

až posedlost touhou vyjádřit se – pak by se ze světa ztratily 

obrazy, sochy, přestala by znít hudba, nekonaly by se slavnosti, 

zmizela by divadla a všechny druhy umění by se vtělily do slov. 

Díla umění všech dob byla realizována na různých duchovních 

úrovních. Jsou v nich ukryta velmi odlišná duchovní poselství. 

Duše je citlivě přijímají jen v těch situacích, kdy jejich 

jemné kanály jsou naladěny na stejné vlny vibrací a energií, které 

vysílají umělecká díla. 

Jsou v nich poselství jiných národů, jiných civilizací, jsou 

v nich tisíce rozechvělých výrazů naléhavých stavů vědomí, divokých 

i něžných, jemných i drsných, vážných i hravých, okouzlujících 

i odpudivých. Je v nich nepřeberná škála možností a cest, 

kterými se může dát hledající duše, probíjející se překážkami 

a nalézající tak svůj vnitřní výraz, nalézající tak i souzvuk s ostatními 

dušemi. To ohromné bohatství se duším otvírá zázračným 

klíčem pokory, cítí-li duše nutnost něco nevyslovitelného vyjádřit 

pro druhé, když v tvořivém zápalu vysílá signály ve vibracích 

barev, zvuků, tónů, světel, tvarů a forem ve hmotě či v gestech 

a pohybech lidských těl. 

Citlivost duší je pak stále mohutnější, takže mohou dobře 

vnímat hodnoty již realizovaných příbuzných vibrací. Přichází sa- 




movolně hlubší duchovní poznávání a nikdy nekončící studium, 

jež si ukládá duše sama, vedena vlastním vnitřním hlasem. 

Když více věnujeme pozornost tomu, za jakých podmínek 

vznikají a vznikala umělecká díla v jiných kulturách, než je ta 

naše evropská, skutečně zjistíme, že nikoliv na vzdělání, ale na 

touze a na radosti, i na odříkání a sebezapření spočívala a spočívá 

lidská schopnost tvořit. Nezáleží na tom, jaké školení člověk 

prodělal, zda a kdy se řídil příklady mistrů, zda je znal osobně. 

Umělecká bohatství národů celého světa vznikala po tisíciletí 

bez systému vysokých škol a teorií. Díla velkých světových kultur 

starověku – jako byla např. egyptská, mayská, sumerská, perská, 

čínská, japonská aj. – nás ještě stále uvádějí v úžas. Obdivujeme 

malby v pravěkých jeskyních na evropském kontinentu, 

v Africe i v Austrálii. Dodnes žijí tradice lidového umění afrického, 

indiánského, evropských národů, mladá generace v Evropě 

oživuje keltskou kulturu. 

Mezitím, co se školy a univerzity, teoretikové a kritici snaží 

vývoji uměleckých schopností lidí dát nějaký pevný řád, určité 

zásady, usoustavnit vývoj duší do přehledných kategorií, na citová 

hnutí a vize vymyslet řádné pojmy, srovnat individuality hezky 

do skupin a dát tak historii a teorii umění zdůvodnitelný teoretický 

systém – tryskají nezadržitelně na mnoha místech planety 

gejzíry dalších uměleckých výrazů – sebevyjádření duší, které se 

nevešly nebo ani nedošly do kamenných škol. 

Možná, že tisíce, možná, že desetitisíce anebo více let existuje 

na této planetě ona trvalá a všudypřítomná 

ŽIVÁ ŠKOLA DUŠÍ, která pracuje bez střech a zdí, neomezena 

žádnými institucemi a pravidly, dorozumívá se vlastními symboly, 

signály a vibracemi, a tak využívá a manifestuje proudění 

energií světového ducha (Hegel). Rozhodně je potřeba podporovat 

duševní zaujetí a nadšení pro vyjádření a sdílení vlastních 

prožitků u všech duší, i u těch nejmladších, i u těch, které odborným 

školením neprošly. 

Často se takový talent projeví až později – v dospělém věku, 

často se stane, že v dané oblasti takové školy nejsou, anebo 

prostě lidé o nich nevědí. Duše může mít více talentů a schopností 

najednou: často se hudební vlohy pojí s výtvarnými a divadelními, 

bývá i potřeba speciálně zdokonalovat tělo a pracovat 

s vědomím či pečovat o dobré zdraví, aby tělo duši k vyjádření 

dobře sloužilo. Takové všestranné živé školy duší těžko vzniknou 

při státních institucích. Je tedy na umělcích a i na všech hledajících 

nadaných lidech, zda takové malé neofi ciální školy sobě 

pro radost si vymyslí a založí. 

Dokončeno 18. 2. 2004 

PURE COLOURS AND FORMS 

IN THE WORK OF DANA PUCHNAROVÁ 

I have been working as a painter with pure colours since 

about 1965. I have been mainly occupied with their psychological 

effects and their symbolism. I have studied a great deal 

of the literature and opinions of individual artists. I have succeeded 

in creating a system which combines the psychological 

effects of colours with the physical effects of light. 

I work with simple shapes and curves which become the vehicles 

of basic pure colour tones. In 1990, in addition to paintings 

on large canvasses, I began to use various and translucent 

and transparent materials in works of multi-layered coloured 

drawings, in which each layer introduces a single creatively 

elaborated concern. This translucent work in large formats is 

hung in spaces so that the viewer can discover individual large 

surfaces and read the drawing, discovering shapes and letting 

oneself be infused by the effects of individual colours. In 

this way the cycle Shrouded Drawings was created. Curves 

became an autonomous expressive medium, representing symbols 

of differing psychological states. 

After 1996 curves were connected at their endings into simple 

geometric forms with rounded edges. At fi rst these were 

triangular forms, then hexagonals, out of which networks began 

to be formed as symbols of the connectivity of individual human 

beings into the great oneness. NETWORKS are manifestations 

of the present collective human consciousness, people’s cooperation 

into a network of spiritual unity and their communal 

path to peace and harmony. Here each individual form represents 

one person, one individual consciousness. 

Forms in the network are vehicles radiating pure colour pigments 

which were augmented and accented in the installations 

of my coloured prints (lithographs) on translucent material in 

plexiglass. 

The use of plexiglass makes possible the composition of 

many layers of prints in such a way that the viewer may enjoy 

the experience of the penetration and diffusion of individual colours 

in a spatial installation. 

The basic phenomenon of my large drawings and translucent 

graphic works on plexiglass is LIGHT. I purposely use materials 

which allow the luminous radiation of the work from both sides. 

This is the best way to let the special quality of pure colours 

infl uence the spirit and the senses of the viewer. 

My presentations in recent years have been based on these 

principles. Installations with the titles CERTAINTIES, DELI- 

CATE STYLE and NETWORKS emphasise the effects of pure 

colours and translucency of the works by natural or artifi cial 

light. I work not only with colour symbolism, but also with the 

modern psychology of colours, for I am interested in the theories 

of modern physics and works on human consciousness. 

I study colour theory and in recent times even the therapeutic 

effects of different colour tones. 

I often use contrasting colours, for example in the themes 

Rivals or Duels, where the sharpness and purity of colours symbolises 

the keenness of antagonists, both in the psyche of the 

individual and between people or groups and nations. The confl 

ict of emotions and thoughts inside people makes possible 

and affects warlike psychoses, with terrible results. 

According to psychologists, opposites and contrasts are an 

inseparable part of human life and it is up to us as how to balance 

them. 

107 P 


My ideal in artistic endeavours is to compensate for these 

stressful states in the consciousness and feelings of modern 

people through the effects of pure colours and shapes in light. 

My goal is to create an atmosphere of peace and calm, joy and 

possibly even happiness—both in the area of creative art and in 

the area of the art of living. 

Fritjof Capra in his book The Tao of Physics compares the 

bootstrap model in particle physics to the concept of Indira’s 

net in Buddhism. The story of Indira’s net is as follows: 

Suspended above the palace of Indra, the Buddhist god 

who symbolises the natural forces that protect and nurture life, 

is an enormous net. A brilliant jewel is attached to each of the 

knots of the net. Each jewel contains and refl ects the image of 

all the other jewels in the net, which sparkles in the magnifi - 

cence of its totality. 

In this poetic fashion the current theory of matter in modern 

physics is explained, and has been a huge inspiration for my 

work. 

In the catalogue of my exhibition New Certainties in Prague 

in 1998 (the text is my own): 

The strength of colour is also the strength of belief—both 

support our spirit in its attempts to do good. — The colours are 

so pure! I touch them with my fi ngers and palms and spread 

them carefully across the white surface of the canvas. The 

painting is illuminated in this way: I apply the paint delicately 

so that the white base shines through from below. This is in 

conjunction with research into optics, but at the same time 

in conjunction with the law of interior necessity as Wassily 

Kandinsky postulated for the artist in his book Concerning the 

Spiritual in Art. Pure colours thus acquire their own inner glow, 

to which I am led to the inner necessity of the work itself, even 

spraypainting across the picture a translucent veil of white 

a Dialog (cyklus Znaky), 1972, barevný lept s akvatintou 

P 108 

paint, which opalesces areas more brightly, so that the images 

dive into the common areas of our infi nite consciousness. It is 

an attempt to catch the infi nite into the network, similar to how 

several modern physicists understand the spiritual structure of 

matter—in the form of Buddha’s network. 

MY WORK WITH COLOUR SINCE THE 1960S 

My early work with material structures and colour (Informel 

– a Czech abstract period in the 1960s) absorbed me and 

helped me to develop abstract thought. It has been teaching 

me to live in the picture. My interest in philosophy has grown 

since then: Plotinos, Plato, Aristotle, St. Thomas Aquinas, 

Blaise Pascal, G.W.F. Hegel, Immanuel Kant, Jacques Maritain, 

Pierre Teilhard de Chardin, Henri Bergson, then existentialism , 

and oriental philosophy (yoga as daily training, Buddhism, New 

Age. I was studying the psychology and technology of colours, 

their physiological laws and symbolic functions in the history of 

mankind, and their cultural diversities. 

My M.F.A. at the Academy of Fine Arts in Prague in 1964 

was a cycle of colour etchings based on the books of FRANZ 

KAFKA – he was really the typical hero in this dark and diffi cult 

political, social and spiritual atmosphere. 

The communistic totality very strongly limited the fi eld of art, 

including all of the fi ne arts programs at universities. Therefore 

our generation was living in a deep depression, because the attainment 

of inner satisfaction and certainty involved doubt and 

discovered contradiction in all areas of social life. 

Then I was creating a large structural cycle of paintings, drawings 

and graphics entitled GEOMETRIA SPIRITUALIS (1963- 

1964) awarded with the Prize Folkwang–Presse–Preis at the 

exhibition of Czech Art at Folkwang Museum ESSEN (1966). As 

a young artist I demonstrated in my fi rst presentation abroad really 

the inner situation of my generation, of our people. 

From 1965 I began to work with pure colour and lines on 

canvas, drawings and colour etching. I have studied the theories 

of many masters about colour (Leonardo, Michelangelo, 

Vasari, Ucello, Titian, Rembrandt, Delacroix, Runge , Cézanne, 

Signac, Daumier, Manet, Monet, Renoir, Bernard, Van Gogh, 

Picasso, Braque, Matisse, Chagall, Mondrian, Malevitch, Klee, 

Franz Kupka and many others). 

I have studied also scientifi c theories of optics and colour, 

because I became a teacher of painting and drawing and had 

to prepare my lectures on these topics for students at the University 

at Olomouc, Czech Republic (1991–2004). 

I was very interested in the theories of colours by Johannes 

Itten and have applied methods from Albers (Interaction of Colours) 

at my teaching in the Department of Art at the university. 

I organised many workshops of painting and drawing and 

taught a special technique of multiplicated colour drawing. Every 

semester I gave courses for students. Others of my lectures 

at symposiums and conferences were published (for instance 

at the memorial volumes of INSEA = International Society for 

Education through Art). These days I am leading two students’ 

master’s theses: the fi rst is on the use of colours in architecture, 

the second on the use of colours as a medium of subjective 

expression of humanistic ideas– the latter would be realised 

via a series of great multiplicated colour drawings. Since the 

1970s I have studied the science of colour of Rudolf Steiner, 

founder of anthroposophy, the principles of which Franz Kupka 

and Wassily Kandinsky explored in their books. 




The basic idea of the interior necessity of painting inspired 

me to use the primary force of colour to explode through concrete 

symbolic forms. My method was developed as a rhythmical 

system of forms in a gradual scale of colours, or as a composition 

of contradictory contrasts, sometimes strong and powerful, 

sometimes weak and subtle as though the colour were 

going to disappear. There is a very important principle of play 

in my work, according to modern psychology and the sociology 

of art. 

Since 1972, for some time now I have been collaborating 

with some psychologists on workshops of experimental art– 

therapy, where I have demonstrated my own specifi c methods 

of play with colours. There is a very simple process to awake 

individual creative energy and power in anybody—young or old, 

male or female. This is the question of simple play with pure 

pigments, play with lines and simple forms play of fantasy—to 

develop a deeper understanding of imagination. This creative 

method can help to make an insight into the world of hundreds 

of nuances of colours and to develop our expression of subjective 

visions. 

Since childhood I have always loved music—having studied 

piano, harmony, chords, scales and singing—I have used this 

experience in my colour compositions on the pictures, drawings 

and colour prints (silkscreen, etching and lithography). 

My great picture Fugue of J.S. Bach was purchased by the 

Czech National Gallery. Some names of the other works: Scale 

of Colours, Sunrise, Air and Water, Plays, Contrasts, Curves, 

Harmony, Variations... 

I have found great inspiration for my artistic and educational 

methods in the ancient folk art of Indians in the USA, Mayan and 

Aztec cultures, the art of ancient China, Japan, India, Africa, Celtic 

cultures, Greece, Crete (and more). They too have manifest 

symbolic signifi cance of colours, and of geometrical forms. 

I prefer abstract art, because it can better express the states 

of the human soul, as declared W. Worringer in ABSTRAC- 

TION AND EMPATHY: 

The original artistic impulse has nothing to do with the reproducing 

of nature. It aims at pure abstraction. 

I am convinced that nature and exterior forms represented an 

obstacle in the path of the elevation of the human spirit. I have 

eliminated some basic forms and colours to allow the spirit to 

reach complete liberty. I wish to feed the imagination only with 

colours and so to fully evoke emotions and sensations. I think 

this can be the right and good compensation of all fears and 

the stressful situations of our restless time. I feel the great joy of 

strong, pure, fi ery colours. In the analogy of music and physics 

I see my colours and forms sounding and vibrating. 

This vibrant fi eld of colour is formed by contrasts between 

warm and cold, light and dark colours. According to modern 

science, I am trying to substantiate a secret, inner relationship 

between the stimulus of colour and its psychological-spiritual 

effect on the viewer. The canvas of my pictures and drawings is 

relative large, they have the height of a person or more , in order 

to make a bigger infl uence on the viewer. Colours and forms 

may to show us the free interplay of elements. 

An increasing tendency toward making elements more geometrical 

led me to the international movement of concrete art. 

I took part in the Czech group of the International Club of Concretists, 

founded at Prague in 1966. 

In my last works I invite you to lose yourselves in the magma 

of colour, to let be transported by a net of sensations. The cycle 

SUBTLE COLORS NETWORK I might describe as a con- 

a Znak naděje pro 21. srpen, 1968, barevná litografi e 

trolled improvisation and variation of forms and colours. I hope 

that they are charged with inner energy and are going out of 

intuition, the greatest power in us. 

My pieces were installed at Gallery Caesar in January of 

2004. It was the fi rst time when I was able to present my transparent 

lithograph-prints as a spatial installation, all pellucid, 

infl uenced by artifi cial light. The colours were affected more 

translucent, delicate and soft as good perfume or cosmic music. 

One critic wrote that they formed a symphony of beauty, 

light and colours. On the vernissage there was organised concert 

of live music and my speech about THE SPIRITUAL IN- 

TERPRETATION OF MODERN ART. 

109 P 


ZUZANA STRAKOŠOVÁ 

KDY BUDE PLES? 

P 110 

* 5. 5. 1980 Opava 

strakosova.zuzana@seznam.cz 

Zabývá se ručně tištěnou velkoformátovou grafi kou, absolventka Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity, 

Fakulty výtvarných umění VUT v Brně, v doktorském studiu na PdF MU pracuje na disertační práci s tématem 

využití nových médií ve výtvarných workshopech koncipovaných pro mentálně postižené. Vede výtvarné dílny 

v Ústavu sociální péče Nové Zámky u Litovle. Členka uměleckého sdružení Rasvád. 

VYUŽITÍ NOVÝCH MÉDIÍ VE VÝTVARNÝCH DÍLNÁCH S MENTÁLNĚ POSTIŽENÝMI 

Výtvarné workshopy zaměřené na využití nových médií probíhají v ÚSP Nové Zámky u Litovle od roku 2005. V rámci těchto 

workshopů se snažíme zapojit do výtvarné práce dospělé muže, postižené v pásmu středně těžké a těžké mentální retardace. 

Často se jedná o klienty s vícenásobným postižením (s mentálním postižením a přidruženými tělesnými a smyslovými vadami), pro 

které je vyjadřování pomocí klasických výtvarných prostředků (kresba, malba, grafi ka) obtížné nebo přímo nereálné, jelikož jejich 

jemná motorika je z důvodu postižení narušena. Tělesná postižení se týkají omezení hybnosti z důvodu vrozených vad, zejména 

poruchy hybnosti způsobené na základě raného poškození mozku – diparetické formy DMO (dětské mozkové obrny). Dále získané 

vady hybnosti jako důsledku nesprávného držení těla, progrese dalších onemocnění, amputací apod. 

a ÚSP Nové Zámky u Litovle. Výtvarné workshopy s mentálně postiženými. Od roku 2005 



Y ZUZANA STRAKOŠOVÁ 


Projekt pracuje se statickým i dynamickým obrazem – videem, každý klient má možnost sám si zvolit své 

oblíbené téma a před dataprojektorem se poté libovolně pohybovat a rozvíjet vlastní fantazii v reakcích na 

promítané video. Klienti jsou tedy účastni tvůrčího procesu a ve stejném časovém úseku sledují svoji tvorbu na 

druhé projekční ploše. Možnost sledování tvůrčího procesu v přímém přenosu byla při vytváření funkčního systému 

prioritní z důvodu jejich snížené schopnosti vnímání a paměti. 


111 P 


a ��, 140 x 100 cm, papírořez, 2009 

a Kojetín, ručně tištěný tiskový rastr, 70x100 cm, 2007 a Leeds, UK, ručně tištěný tiskový rastr , 70x100cm, 2006 

P 112 



Y PETR KOVÁŘ 

PETR KOVÁR ˇ 

DRUHÝ LES 

učitel, malíř, redaktor Literárních novin 

člen uměleckého sdružení Rasvád 

bydlištěm v Dolní Cerekvi 168, 588 45 

ale žije v Kuřimi na zámku 

* 1979 Jihlava 

kalambur@centrum.cz 

Loni na podzim se mi podařilo zabloudit v lese. Byl to jiný les. A zřejmě jenom můj. Chtěl jsem se k němu přihlásit, nějak ho uchopit, 

propojit s lesem obecným. Vybral jsem nějaké větve, pařízek a šišku, a odnesl je domů, kde jsem ze dřeva vyřezával jejich portréty. 

Kopie. 

Nikdy předtím jsem se dřevem takhle nepracoval, což záhy přineslo své ovoce; když mi rydlo sklouzlo a přejelo ukazováčkem, 

měl jsem možnost chvíli pozorovat ještě prázdné koryto, které po sobě zanechalo. O pár hodin později jsem zjistil, jak vypadá 

ukazováčkova šlacha, i když v trochu nepřehledné situaci, a několik dní na to, že běžné úkony zastane pravá ruka sama, ale na 

koncertě nezatleskáš. Práce byla od té doby zdlouhavější a jaksi napínavější. 

Moje nové větve, pařízek a šišku jsem potom umístil zpět na původní místa v lese. Obraz lesa by tak měl zůstat zachován. 

A přesto je to obraz mnou vytvořený. Pro náhodného návštěvníka, který se s artefakty setká blíže, aby rozeznal stopy dláta, půjde 

o zvláštní tajemství. Podivný příběh. Příběhy, co tvoří druhý, třetí, čtvrtý les. 

(z obhajoby bakalářské práce na FaVU VUT v Brně, 2005) 

113 P 


P 114 



Y PETR KOVÁŘ 

NEBOŽCE GORILE 

Své práce jsem v jakémsi vlastním uceleném konceptu poprvé 

vystavil na jaře roku 2000. Mimochodem, výstavy se vkladem 

jednoho obrazu zúčastnila také moje sestra Jitka a kamarád 

Tomáš Tůma. 

Dne 4. 4. 2000 se probuďte. Jděte na záchod a zůstaňte 

tam dle potřeby. Něco snězte. Nějaké jídlo nebo jiné jídlo. 

Snězte ho kdekoli, kdykoli a jakkoli. Pijte. Vypijte toho tolik 

nebo více. Během celé akce, započaté dle vašeho uvážení 

nejpozději probuzením, vědomě nebo nevědomě dýchejte. 

Akci můžete kdykoli svobodně ukončit. 

(z pozvánky na výstavu U Gorily) 

V mimořádném podniku U Gorily, na rohu Šilingrova náměstí 

v Brně, kde zavírali v pět ráno na dvě hodiny a nikde jste nemohli 

dostat lepší chleba se sádlem, jsem pro svou expozici získal prostor 

chodby k záchodkům. Vystavil jsem několik velkoformátových 

maleb na papíře a umístil je přímo na podlahu tak, že z každé 

strany zůstalo ke zdi asi dvacet centimetrů volného linolea. 

S dojetím jsem sledoval štamgasty, jak opatrnou chůzí, ne 

nepodobnou zdolávání horských pěšin, kdy na jedné straně ční 

příkrá stěna, na druhé pak nedozírná umělecká hloubka, vrávorají 

k záchodům a zpět. I přes mé výzvy, aby přešli po malbách, 

důsledně zachovávali svou obtížnou chůzi mimo. 

Obrazy ležely na podlaze dva měsíce. Vzhledem k patině, 

jíž získaly, bylo možné usuzovat, že v průběhu dní se citlivost 

návštěvníků otupovala, strach z hloubky slábnul. Navzdory tomu 

tato zkušenost jasně dokazuje, že lze překonávat věci mimochodem 

a přitom nanejvýš pozorně. 

115 P 


JIR ˇÍ GROSSMANN 

NAČATÁ ZPRÁVA O PŘÍPRAVĚ VÝSTAVY, 

O SYNCHRONICITĚ A VLASTNĚ O NĚČEM JINÉM 

Setkám-li se se situací, kdy se osobně dotknu synchronicity, 

jsem až napřimován do člověčenství, do radostného tajuplného 

úžasu. 

Důvody synchronicity si asi nikdy nevysvětlím, ale nebere mi 

to možnost se o to pokoušet a hlavně prožívat pocit z prožitku 

čehosi nezávisle společného. 

Já člověk můžu být členem společenství. 

Při přípravě první své výstavy ve městě, ve kterém žiji bezmála 

půl století, jsem absurdně nejvíce času ztratil hledáním názvu 

výstavy. 

Vystavujeme ve třech. Já, mezi dvěma přáteli – výtvarnicemi. 

Budou tam samí andělé (kresby, malby, plastiky, sochy); Ti, mezi 

nebem a zemí. 

Těším se na vernisáž, mezi své hosty – přátele. 

Těším se na tu společnou chvíli mezi cestou z práce a cestou 

do noci. 

I to rozhodování mezi bílým a červeným bude stát za to. 

Snad se i něco odehraje mezi artefakty a hosty (to považuji za 

důležité). 

a Má louku v krvi, A je to na něm vidět. šamot. hlína 30x30x7 plastika 

P 116 

* 1963 

grossmann.jiri@centrum.cz 

Výtvarník-amatér (dřevo, hlína, sklo, ytong, beton), žije a pracuje v Opavě. Samostatnou tvorbu v podobě keramických 

kachlí, fi gurálních plastik, keramických a skleněných objektů představuje na samostatných i skupinových výstavách 

(samostatně: 2000 Ostrava: galerie Magma, 2001 Havířov: galerie Spirála, 2003 Frenštát p. Radhoštem: městská 

galerie, 2007 Krnov: galerie Cvilín, 2008 Opava: galerie U Jakoba – Mezi), účastní se výtvarných plenérů (2007 

Malá Morávka, 2008 Dub nad Moravou). 

a david A davidofka, hlíněn. model, 15x15x40, 4m socha, dřevo 

Tak mě prostě napadlo, že možná to skutečně důležité se odehrává 

kdesi mezi. V mezičase, v meziprostoru. Ale ono to dějící 

se mezi dokážeme uchopit, pojmenovat, pouze jejím časovým či 

prostorovým vymezením. A vymezujeme obecně srozumitelnými 

a pro svou obecnost snadno uchopitelnými širokými pojmy. 

Je možné, že takto příliš dominující hranice překřičí náš námi 

nepojmenovatelný obsah. 

Sdělit nesdělitelné, uchopit neuchopitelné. A tak tady žijem. 

A tak byla jedna výstava jednoho autora pojmenována: Mezi. 

A jen tak mimochodem, nemáte pocit, že z tratoliště slov právě 

vyvstal Mimochodův bratranec? 



Y JIŘÍ GROSSMANN 

a Vůl, šamot. hlína, 45x40x10, plastika 

OD DOTAZŮ Z VERNISÁŽÍ, 

PŘES SOBECKÉHO EXHIBICIONISTU K ILUZÍM 

Divákovy dotazy: 

- Proč to děláte? – Co z toho máte? – A to vás uživí? 

Autorovy odpovědi: 

- Dělám to, protože mě to baví. Já tak žiju. 

(Jen na nepoloženou otázku, nedostanete odpověď. 

Jen na otázku si položenou, dostanete další otázky. 

I cesta může být cíl.) 

(... o autorovi) 

Autor vulgaris je sobecký exhibionista. Exhibicionista, protože 

se svou rádoby vyčiněnou kůží se producíruje na očích 

veřejnosti, a sobec, protože nikdy neřekne vše, vždy nechá 

něco nedořečeného. V tom sobectví je ale, omluvme jej, trochu 

nevědomě a trochu proto, že s tím nic nenadělá (a to je i dobře). 

Možná jeho první-levá neví, co dělá (bude dělat) jeho druhápravá; 

a ještě k tomu mimochodem (mimošlapem). Nešlape to, 

nešlape z Á do Bé. 

(... o tvorbě) 

Někde za tou Pietou/var.12 se možná skrývá neuvědomělá 

bolest z neschopnosti vlastního vzkříšení, za Jedlíky brambor se 

možná skrývá kručení v břiše, za Výkřikem možná panika z prázdného 

ticha, a taky možná něco úplně jiného. Autor opravdu neví, 

a Tři grácie: etudy, šamot. hlína, 25x20x75, objekt 

proč je ta čára tak dlouhá a ta šmouha tak podivně namodralá. 

Odpusťte mu, protože kolikrát ani neví, co činí. 

(... o recenzích) 

Nepranýřujme jej za to, že z té jedinečné mnohosti vytrhl 

právě ony jedinečnosti a ne jiné, že je zprznil v našich očích 

k nerozpoznatelnosti. Poskvrnil čisté panenské plátno barevnými 

fl eky a ještě se pod to podepsal. Dejte mu čiré vody a on v ní 

vymáchá svůj špinavý štětec; podejte mu skývu nekvašeného 

chleba a on vám z ní vymačká kreaturu. Obdarujte ho dobrotou 

chvály a on se sobě čertem pochyb odmění. Prostě nežádejte 

po sobě zvěstování zjevení jazykem logiky, nežádejte svědectví 

bipolární slovesností. 

(... o divácích) 

Vidíte přešlapujícího diváka před vámi ve frontě u pokladen 

hypermarketu s tak přetékajícím vozíkem, že tomu za vámi uteče 

začátek druhé série telenovely. No a jak má potom jeden rozumět 

tomu příběhu. Každá rada těžká, ale vždy zavádějící. Vypněte 

zvuk. Obraz se zjevuje iluzí obrazu. To ostatní jsou jen řeči. 

(A možná jednoho dne takydivák-pokladní nám účtenkou zjeví 

ty své prožité obrazy, a my se nebudem stačit divit, kolik že 

nás to stojí. A drze se ještě zeptá: Bude to všechno?) 

ZÁZNAM SETKÁNÍ 

PŘED JEHO OBRAZEM VE TVÉ INTERPRETACI 

Jehož je obraz: Na obraze, před kterým stojíme, je kupka třpytivě 

bílého prášku na cípu bílé látky na nachovém pozadí. 

host pro sebe polohlasem: Poznám přece krystaly soli. 

host (ona) obdivně k autorovi: Příjemně sladěné barvy. 

již zmíněný host opět polohlasem: Příšerně přeslazené plátno. 

jiný host si otírá bříško ukazováku o palec: A ještě lepí a čpí 

terpentýnem. 

ona zasněně: Voní domovem. Je to kupka kypřícího prášku do 

pečiva, co se dává do bábovky 

další host s popraskanými žilkami v obličeji: Cítím z toho rum. 

jiný s přimhouřenýma očima: Už jen kreditkou narovnat do lajny 

a ... (hlasitě nosem...) 

jiná ona: ...a trochu kouřem, jak mi o vánocích netáhla kamna. 

To víte, osamělá ženská. 

jiná ona: Nám o vánocích taky bouchly kachláky a nic nešlo 

vyprat. 

117 P 


a Andělský chór na prknech, co znamenají svět, šamot. hlína, 20x20x20, sestavené plastiky 

první ona: Ano. To je prášek na praní, viďte mistře. 

jiná ona: Snad ne ten, jak se moje maličká z toho celá obsypala. 

on dedukuje: Jo, to by šlo. Pod tím je plínka. 

on polohlasem: I kapesníky jsou dnes papírové. 

ona: Že to není papír. Nebo je? 

on pro sebe: Nic není jako dřív (a jen tak mimochodem seškrabuje 

z rámu zbytky mouchy. 

jehož je obraz: Prosím Vás, nehledejte na obraze... A nedotýkejte 

se mi ho! 

P 118 

Kontrolní otázky: 

- Kolik vystupovalo osob včetně estetika výtvarného umění? 

- Vzali se? Vysypala si na své svatbě solničku do klína sama? 

- Kdy byl obraz namalován? 

- A stalo se to předtím nebo potom? 

Dovětek: 

Možná se to ani nestalo. Možná na to nikdy nikdo ani nepomyslel. 

Až teď ty a předtím já. 

A jindy zas někdo jiný. 



Y KAREL ŽÍLA 

KAREL ŽÍLA 

KONVICE ZE ČTYŘ DÍLŮ 

* 1965 Brno 

zilakarel@gmail.com 

Absolvent Střední školy uměleckých řemesel Praha. 

Působil v keramické huti v Kunštátě na Moravě. Od roku 1991 se věnuje svobodnému povolání. Je členem Unie 

výtvarných umělců – Sdružení keramiků Brno. Vyučuje na Střední škole umění a designu a Vyšší odborné škole 

restaurátorské v Brně. Je autorem knihy Průvodce keramika (2004). Příležitostně publikuje v časopise Keramika 

a sklo. 

I. Pokud chceme posuzovat úroveň řemesla jednotlivce, pak nejsnazší je 

podívat se, jaké vytváří konvice. Konvice je totiž jeden z nejkomplikovanějších 

tvarů. Sestavuje se minimálně ze čtyř dílů, které musíme sestavit 

v harmonický celek. Víčko musí dobře sedět v dvojitém zámku, hubička 

nesmí cmrndat a musí být správně nasazená na tělo konvice s ústím ve 

správné výšce. Ucho musí být nalepeno tak, aby se konvice dobře držela, 

a mít optimální sílu… 

119 P 


II. Těžko se defi nují jednotlivé podněty, protože ty hlava zpracovává jaksi samovolně. Samozřejmě jde vždy o to všímat si všeho kolem sebe. Tradičně pracuji 

s kameninou, neboť umožňuje zřejmě nejlepší symbiózu kvality, použití různých vytvářecích technik a v neposlední řadě je z výrobků při výpalu ohněm cítit 

ona zemitá podstata… 

To nejlepší na keramice je, že od začátku do konce vše závisí výhradně na vás. Jde tím pádem o jeden z nejtvořivějších oborů. A pokud výpal probíhá 

v ohni, který dokáže výsledný efekt dotáhnout do konce, jde o nesmírně povznášející pocit. Při dnešní úzké specializaci mnoha oborů zůstává tento přece 

jen renesanční… 

III. Současná úroveň řemesla bohužel odráží postavení keramiků ve společnosti. 

I když kolem sebe vidíme všeobecný kulturní úpadek, musíme sebekriticky 

přiznat, že na tom máme sami svůj podíl. Pokud se totiž budeme 

svou produkcí podbízet zákazníkům bez špetky vkusu, namísto abychom 

rostoucí úrovní řemesla tuto úroveň pozvedli, nemůžeme nic jiného ani 

očekávat… 

V příspěvku jsou citovány úryvky z rozhovoru Lenky Velínské s Karlem Žílou 

(listopad–prosinec 2005). 

P 120 

IV. K nejsilnějším zážitkům, i když není úplně z poslední doby, byla účast na 

výměnné akci s korejskými keramiky. Přímý kontakt s hrnčíři, kteří mají tak 

hluboce zakořeněné tradice a zvyky a navíc mohou stavět na tak silném 

kulturně-historickém a zákaznickém zázemí, je nedocenitelný… 



Y KAMILA GOJNÁ 

KAMILA GOJNÁ 

ODKUD PŘICHÁZÍME? 

KDO JSME? KAM JDEME? 

Obdivuji se alchymii života. 

I am marvelling the alchemy of life. 

Stejnojmenný obraz Paula Gauguina obsahově představuje 

oblíbené uměleckohistorické téma tří věků člověka. V Gauguinově 

pojetí věk dětství sugeruje přírodní duši, čas her a důvěřivý 

pohled na svět, věk mládí je symbolizován stromem poznání 

a věk stáří se ztrácí pohledem do krajiny, kdy se pozemský život 

uzavírá a navrací se zpět do stavu původního (přírodního). Rozkrývání 

významů námětu Tři věky lidské roztáčí tajemství koloběhu 

života a zrcadlí nepřeberné variace podnětů vyzývajících ke 

kontemplaci a zamyšlení. 

Otázka odkud přicházíme je jedním ze stereotypů myšlení 

a v podstatě i výchovy vůbec, je vlastní každému jednomu člověku 

kterékoli historické epochy a na kterémkoli místě. Zodpovědět 

otázku odkud je nutné pro přijetí sebe sama jakož 

i smýšlení o sobě. Opustili jsme všeobjímající jednotu přírody 

i víru v transcendentní původ člověka, kráčíme vstříc životu 

a jen životu, který je nám dán. Odkud tedy přicházíme a kam 

jdeme? 

WHERE DO WE COME FROM? 

kamiko@email.cz 

WHAT ARE WE? WHERE ARE WE GOING? 

The same named Paul Gauguin´s painting is contentualy presenting 

favourite art – historical motive The three ages of the 

man. Gauguin´s conception is suggesting primitive soul, the 

time of games and very dewy view of world as the age of infancy, 

the age of adulthood is symbolized by tree of knowledge 

and the age of old is disappearing in landscape view, in which 

the earth – life is closing and regressing back into fontal ( natural 

) condition. Detecting meanings in theme The three ages 

of the man starts to whirl the mystery of circle-life and refl ects 

inexhaustible variations of suggestion, those are appealing for 

contemplation and cogitativeness. 

The question Where do we come from? is one of many items 

of human stereotypical thinking and in principle culture as well. 

This question is peculiar to each one in whatever historical epoch 

and place. To answer where is needed for process of developing 

self –acceptance and self – opinion. All embrancing 

unity of nature and faith in transcendental human origin were 

left, nowadays we are heading for life and only life, which had 

been given to everyone. Where do welcome from and where 

are we going? 

121 P 


Hledajíce počátek na cestě životem směřujeme neznámým 

směrem, k otázce odkud připojuje se dotaz kam. Odpověď 

hledáme v přirozeném lidském, ve vlastním nitru, 

u sebe samých. Odkud a kam se setkávají v otázce co. Co 

jsme? Lidské bytí propojuje minulé s přítomností budoucího 

okamžiku. Hledáme kdo, nebo co jsme a nalézáme sami 

sebe na cestě vinoucí se odněkud někam. V sobě spojujeme 

minulé a budoucí v momentálním nyní. Vzpomínky 

minulé a sny budoucí tvoří s momentálním s momentálním 

bytím jednotu. Každý jeden z nás je schopen uchopit 

odpověď na otázku kdo jsme? jedinečným způsobem, ze 

sebe sama. 

P 122 

Looking for the very beginning we are drifted on our way of life 

towards unknown direction, question where from joins where. 

The answer we are looking for human nature (old Adam), to one´s 

own inward, to her / him / self. The answers where from and 

where come together in what. What are we? The human being 

is permeating presence of future with past. We are seeking what 

or who we are and fi nding ourselves on the gyre way from somewhere 

to somewhere. In ourselves (each ens) is bygone and future 

connected with instantaneous moment. Bygone memories 

and future dreams are forming unity with momental ens / being. 

Each and every one of us is able to grasp the answer who we are 

uniquely and namely out of him / her / self. 

MIMOCHODEM ŽIVOT JE JEDEN BY THE WAY... LIFE IS THE ONLY ONE 

MIMOCHODEM ŽIVOT JSEM JÁ BY THE WAY... I AM THE LIFE 

MIMOCHODEM JÁ JSEM JEDEN/NA BY THE WAY... I AM THE ONE 

MIMOCHODEM JEDNOU JSEM JÁ BY THE WAY... ONLY ONCE I AM 

V JEDINEČNÉM OKAMŽIKU JSEM IN THE UNIQUE POINT OF LIVING I AM 

MIMOCHODEM... O VÝCHOVĚ UMĚNÍM 

V neustálé snaze uchopení fenomenality života hledáme často 

správný směr a pravou cestu a mimochodem míjíme významné. 

Co potkáváme mimochodem, jen tak by the way, tvoří drobné 

části přepestré mozaiky života, bez nichž by nebylo možno 

po cestě kráčet. Drobná mimochodem dláždí naše životní cesty, 

jsou poklady skrývající podstatu, kterou hledáme i naplnění, po 

kterých toužíme. 

Je krásné cestu hledat a je důležité na cestu se ptát, je obohacující 

cestu sdílet, je šťastné se na cestě potkávat. Během 

putování jsou příjemná mimochodem, kdy prožíváme, vnímáme, 

sdílíme a cítíme. Každé samozřejmé mimochodem je drobnou 

částí cesty, kterou se ubíráme, každé běžné mimochodem je 

jedinečným neopakovatelným klenotem bytí. 

Zázrakem tvoření je stvoření – vetkávání asociací do tvarů, 

forem, barev, výrazů, gest. 

Imaginace a obrazotvornost – eidetické splývá s reálným ve 

věku přechodu od snu dětství do světa dospělosti. 

Co jsem já a co už nejsem já – potřeba sebeuvědomění je 

prvním důvodem výtvarného projevu dětí. 

Dokonalé dílo – sledovat a porozumět procesu výtvarného 

projevu je nám důležitější než výsledek výtvarného počinu. 

Metaforou lidského bytí může být cesta, metaforou jedinečnosti 

bytí třeba cesta labyrintem. 

BY THE WAY... ABOUT EDUCATION THROUGH ART 

During continuous endeavour of grasp the fenomenality of 

life we are also searching for the right direction and the right 

way and by the way we are passing through signifi cant. What 

are we meeting by the way, that creates bijou fragments of variegated 

mosaic, called life. Without those fragments would be 

impossible to walk on the way. Our ways of life are paved with 

tiny by the ways, that are treasures hidden essence, which we 

are looking for and impletion also, we are yearning for. 

It´s glamorous look for the way, very important to inquire for 

the way, enriching to share the way and felicitous to meet on 

the way. During pilgrimage are pleasant by the ways, when we 

are experiencing, perceiving, sharing and feeling. Every common 

by the way is unique unrepeatable jewel of being 

The miracle of creation is existence – to intertexture associations 

into patterns, forms, colours, expressions, gestures. 

Imagination and fancy – eidetic is blending with real in the 

transition age from dream of infancy into world of adult. 

What I am and what I am not – the need of self – acceptance 

is primary reason for children´s art. 

The excellent piece / creation – to observe and understand the 

creation is more important for us than fi nal product / creation. 

Metaphor of human being could be the way, metaphor of 

uniqueness being the way thro´ labyrinth. 



Y ALENA BAISOVÁ 

ALENA BAISOVÁ 

AB 

Moje výtvarné začátky sahají až do raného dětství. První čmáranice 

jsou v maminčině Kuchařce. 

Odborného výtvarného vedení se mi dostalo až v 8. a 9. 

třídě na LŠU v Blansku u p. uč. Evy Kupové. Po absolvování 

I. a II. stupně této školy jsem měla příležitost se rozvíjet na 

SpgŠ v Havířově. Po pauze (mateřských dovolených) jsem 

působila postupně na SOU Adast, ZvŠ Blansku, a ve Školní 

družině při ZŠ v Adamově. Po revoluci jsem měla možnost učit 

na I. a II. stupni ZŠ v Adamově mimo jiné výtvarnou výchovu. 

Po pár letech trápení se na základce jsem se rozhodla využít 

příležitost a nastoupit na poloviční úvazek do ZUŠ Adamov jako 

učitelka výtvarného oboru. Život v této škole jsem sledovala 

přes svoje syny, kteří školu navštěvovali – starší syn ve výtvarném 

a mladší v hudebním oboru. 

* 14. 8. 1959 Brno 

alena@baisa.net 

Narozena 14. srpna 1959 v Brně, žila v Nížkovicích u Slavkova, od roku 1964 žije v Adamově u Brna. V dětství 

dojížděla do ZUŠ v Blansku, kde absolvovala oba cykly výtvarného oboru. Maturovala na Gymnáziu v Blansku, 

maturitní zkoušku z výtvarné výchovy složila na SPgŠ v Havířově. Vychovala dva syny, s jejich osamostatňováním se 

začala denně věnovat vlastní výtvarné tvorbě (akvarel, dekalk, kresba, koláž, kombinovaná technika). Od roku 2002 

učí výtvarný obor v Základní umělecké škole v Adamově. Své ilustrace představuje v učebnicích pro základní školy 

(nakl. Nová škola, Brno: Košanová, M.: Kateřina v zemi Ásů, vyd. Motto; Nauč se hrát na housle), její tvorba byla 

prezentována výstavou ve fi nském městě Kotka u Helsinek. 

a Environmentální tvorba žáků Aleny Baisové (ZUŠ Adamov), Adamov u Brna, 2008 

Paní učitelku výtvarného oboru jsem obdivovala od prvního 

setkání. Věra Kovářová, aniž by o tom věděla, mi otvírala oči, 

dodávala odvahu experimentovat a byla mi vzorem jako člověk 

a pedagog. Teď už učím na plný úvazek a plně si užívám výtvarničení 

s dětmi. 

Je pro mě potěšení sledovat, jak některé naše aktivity strhnou 

zájem nejen rodičovské veřejnosti. 

Tou poslední byla malba na zdech budovy trafostanice fi rmy 

e-on. Od návrhů k realizaci uběhly dva měsíce. Díky pomoci 

přátel školy jsme dílo ukončili do začátku prázdnin, jak ukládala 

smlouva s vedením fi rmy. Cílem akce bylo zakrýt čmáranici graffi 

ti zajímavou malbou. 

Autorka návrhu je dvanáctiletá Anna Konečná. Jen na okraj 

– přání představitelů fi rmy bylo, aby v malbě převažovaly fi remní 

barvy – červená a bílá. 

123 P 


a Environmentální nástěnné malby (Adamov u Brna) a projekt trafostanice fi rmy e-on žáků Aleny Baisové, ZUŠ Adamov, 2008 

Jak mě zpětně ovlivňuje tato pedagogická činnost, by bylo 

velmi dlouhé povídání. Pokusím se tento proces popsat trochu 

zjednodušeně. 

Na začátku se musím přiznat, že jsem nikdy nechtěla učit. 

Jako nejstarší jsem se starala o tři mladší sourozence, vymýšlela 

jsem hry a hračky, společně jsme stavěli úkryty pokladů, skrýše, 

domečky, zahrádky – samozřejmě v přírodě. 

Ta mi je inspirací, vzorem a autoritou dodnes. Velký úsek mé 

vlastní tvorby jsem věnovala náladám v krajině. Základ obrázků 

byl dekalk a nekonečné experimenty s ním. Těším se, že se 

k technice opět vrátím. 

a Z ateliéru výtvarného oboru Aleny Baisové, ZUŠ Adamov 

P 124 

Vůbec to hledačství je asi můj celoživotní úděl. Díky vlastnímu 

předělávání v ZUŠ (dívám se na výtvarno už jinýma očima) 

jsem si osahala různý materiál, vymýšlím postupy, aby žáci 

daného věku pochopili a zvládli řešení výtvarných úkolů. Chci 

je naučit větší samostatnosti a taky, aby nekopírovali komerci, 

originálně uvažovali, uměli hledat skrytou krásu, uměli si prožít 

radost z tvorby tak, jak se to daří mně. Taky bych si toho chtěla 

sama ještě hodně vyzkoušet. Láká mne zápas s hmotou. 

Co se týká materiálu, nejdostupnější je odpadový materiál 

a hlína. Moje současná velká bolest je, že nemám dosud po 

přestěhování školy zapojenou keramickou pec. Roční přestávku 



Y ALENA BAISOVÁ 

a Z ateliéru výtvarného oboru Aleny Baisové, ZUŠ Adamov 

bez keramiky už vnímají i moji žáci. Letos jsme si tento nedostatek 

nahrazovali prací s papírem. 

Vrátím se ke své tvorbě. V současné době připravuji ilustrace 

do knihy Kateřina v zemi Ásů od M. Košanové (2. vydání). 

Jde o pohádky – nepohádky. Náročnost práce je v tom, že se 

musím držet obsahu a drsnou severskou mytologii přeložit do 

obrázků pro děti od 8 let. Sama jsem zvědavá, co na to paní 

autorka řekne. 

Do budoucna plánuji výstavu inspirovanou opět přírodou 

– budu si hrát s akrylovou barvou a pohrávat s tématem Divoké 

zahrady. 

Abych nezapomněla: moje velké potěšení (možná až úchylka) 

je dotýkání se přírodních textur – kamínků, klacíků, plodů, kůry, 

stromů, travin. Instalace, kompozice, obrázky a objekty z nich. 

Jak snadno se potom toto přenese na děti (nejsnadněji na ty 

nejmenší od 4-5 let) a dále rozvíjí: vymýšlíme krátké příběhy Jak 

se potkaly oříšky, O čem si povídají listy na stromech, Co by 

se stalo, kdyby ožil kousek kůry stromu. Co zjišťuji o dětech, 

jsou zajímavé věci, ale to už bych odbočila. Je to ohromně dobrodružné, 

napínavé, ale i pro mne poučné. 

Nahlížím tak přes výtvarno do dětských duší a rozumím jim. 

Moje starší kamarádka z Finska – výtvarnice – mi řekla, že i ve 

mně je kousek malé Alenky. Asi má pravdu. 

Když jsem se o ní zmínila, musím také přiznat, že je mým dalším 

vzorem. Liisa Mäkelä (letos létě vystavovala v Brně v Zemanově 

kavárně abstraktní obrazy) už dva roky neučí, užívá si důchodového 

volna, ale aktivně: maluje, píše poesii, dělá divadlo, 

věnuje se velké rodině. 

Kde se ta energie v malé subtilní Liise bere? Obdivuji ji a těším 

se, až se opět setkáme v nádherném Finsku. 

Plánů je hodně, čas utíká a já běžím ty plány uskutečnit. 

a Z ateliéru výtvarného oboru Aleny Baisové, ZUŠ Adamov a Z vlastní tvorby Aleny Baisové (dekalk) 

125 P 


TOMÁŠ VRÁNA 

ATELIÉR NA STUDÁNCE 

a foto z atelieru 

P 126 

* Nové Město na Moravě 

vrana@zusjk.cz 

Absolvent Filosofi cké fakulty Univerzity Palackého v Olomouci, obor český jazyk – výtvarná výchova. 

Výtvarník, působil na středních pedagogických školách, vyučuje výtvarnou přípravu na SOU tradičních řemesel 

a VOŠ Brno, od roku 1983 je pedagogem výtvarného oboru ZUŠ Jaroslava Kvapila Brno. 



Y TOMÁŠ VRÁNA 

a ukázky vlastní tvorby – tapiserie a keramika 

127 P 


MICHAL ŽIŽKA 

P 128 

vyučuje na Střední škole umění a designu v Brně 

POULIČNÍ TABULKA A JEJÍ VNITŘNÍ T 

* 23. 4. 1980 

michalzizka@centrum.cz 

Ploché TABULKY ulice se staly před dvěma lety předmětem mého zájmu. Jsou všudypřítomné a stále patrné v našem společném 

veřejném prostoru. Ploché tabulky přitisklé na nárožích, tabulky zaklesnuté v drátěných plotech, tabulky přilíplé na zítkách. Visící či 

plandající tabulky. Svou decentní přítomností jen tak mimochodem ovlivňují vizuální zkušenost pouličního chodce. Tento tabulkový 

motiv je v desítkách situací denně vtiskáván do těkajících pohledů spěchajících chodců, čekajících či bloumajících chodců ulice. 

Děje se tak dnes a denně, stále a všude. 

Na výstavě Limitovná edice jsem představil výběr toho nejlepšího z ulice s cílem podtrhnout v této koncentrované sestavě onen 

jinak neprojevený potenciál tohoto tabulkového fenoménu – tabulkového světa, který je (jak jsem mohl zjistit) široce rozmanitý 

a půvabný zároveň. 

Svět se známkami stáří, zchátralosti, deformace či zmrzačení. Právě tyto známky opotřebovanosti přikrášlují, ozvláštňují a i oživují 

jinak původně fádní a banální plochy plastových tabulek. Nová tabulka je mrtvá tabulka! 

Proces kultivujícího krášlení stářím a životem probíhá mnoho let a začíná od okamžiku instalace nových tabulek. 

Tabulky jsou do značné míry skupinovým dílem bez možnosti identifi kace autora. Celá kolekce 58 vybraných tabulek byla evidentně 

různými způsoby poznamenána rukou anonymního chodce. Tu ji poničil bezejmenný vandal, onde byla tabulka atakována nedbalou 

rukou omítkáře, tu ji bylo vylomeno jedno z jejich číselných políček a onde byla dokonce vytrvale močena. 

Vše anonymně ale vždy k vizuálnímu prospěchu a lahodnosti tohoto tabulkového fenoménu. 

Při detailním pohledu do nitra tabulky rozesvítí se živé písmeno T, tisíckráte reinkarnované a stále ohlodávané životem. 

Znak T v mnohých variacích na domě přede mnou, za mnou, přes ulici. Písmeno T v tisíceré podobě v jediném okamžiku teď. 

Ploché, nenápadné a všudypřítomné T je lahodné sousto pro oko grafi kovo. 

Ploché T je předpokládané i nečekané setkání. 

Ploché T je důvěrně známý přítel z ulice. 

Nová tabulka je pro mne mrtvá tabulka! 



Y MICHAL ŽIŽKA 

129 P 


TEREZA VYHNÁLKOVÁ 

ODRAZ MÉ SKUTEČNOSTI 

P 130 

souč. bydliště v Mokrých Lazcích 

stud. III. ročník na AVU v Praze 

studium 2002–2006 SUPŠ v Opavě obor propagační grafi ka 

2006–dosud AVU v Praze ateliér kresby paní profesorky Jitky Svobodové 

I. Ateliér / 2008 

grafi ka – linoryt / tisk na papíře a matrice z lina / velikost asi 5,2 x 5 m + matrice tištěných grafi k na zemi 

* 26. 11. 1986 Opava 

bahnacka@seznam.cz 

je to impulsivní grafi ka, rytá, škrábaná, vykousávaná… do lina, jako náhrady za přímou zem ateliéru. V koutě, kde jsem grafi ku ryla, postupně vznikal 

v oknech skutečně viděný, ale zároveň snový, odraz ateliéru, následně otištěný a tak znovu odražený na zeď. Jako odraz mé skutečnosti 



Y TEREZA VYHNÁLKOVÁ 

II. Psi I - XVI / 2007 

grafi ka – suchá jehla / suchou jehlou je postupně dorývaná jedna a ta samá matrice / z každé fáze mám jiný počet výtisků 

rozměr graf. listu: 285 x 230 mm / rozměr grafi ky: 195 x 140 mm 

III. V polance / 2007 

grafi ka – tisk z výšky / soutisk papírových matric na papíře 

velikost jednoho čtverce cca 42 x 43 cm celková velikost asi 

6 x 1,3 m 

každý čtverec odráží kousek místa, které jsme si postupně zařizovali. Hrála 

jsem si s prostorem, jak ve skutečnosti, tak v grafi kách. Malý úzký prostor 

dostává na papíře možnost ukázat, jak na mě působí. Jednoduše, surově… 

pokaždé trochu jinak. 

IV. Miladka jako anděl / 2005 

tempera na papíře / vel: 90 x 60cm 

131 P 


PAVEL ADAMEC 

SNÍŠ O JARNÍCH ZAHRADÁCH 

Jen tak – mimochodem – vznikají současně s malováním 

na zahradě nebo jinde v bezprostředním kontaktu s přírodou 

texty, které jsou jakýmsi doplňkem akvarelových maleb. Pro 

vznik těchto maleb je pobyt v plenéru, v obklopení zahradní 

vegetací, velmi důležitý, ačkoliv je viděná skutečnost často 

jen počátečním impulzem k malbě i k psaným záznamům 

– dále už je to pouze při neobyčejně pozorném nazírání 

nacházení toho, co je často dovedně pod povrchem ukryto. 

a Zahrada 11. 9. 2008, akvarel 

P 132 

* Brno 

Malíř a pedagog, absolvent Školy uměleckých řemesel v Brně, kde od roku 1978 vyučuje malířským technikám. 

Vlastním nákladem vydává již řadu let malé autorské knížky kreseb, textů a básní. 

Akvarely vznikají nejčastěji – od jara do podzimu – na zahradě v Brně na Červeném kopci. Při letních pobytech 

v Jeseníkách maluje už řadu let v horské obci položené vysoko nad městem Jeseníkem, která má neobvyklý, ale 

poetický název Rejvíz. 

JEMNÁ PODMALBA žlutou a modrou s příměsí hnědé 

v popředí – rozvržení světlých a tmavých tónů v kompozici 

– teprve potom po zaschnutí přidat další barvy: žluť světlá 

a tmavá, okr, ultramarin modrý, payenova šeď, umbra pálená 

a možná trochu chromoxidu tupého... 

SNÍŠ O JARNÍCH zahradách. Červeň střechy malého domku 

probleskne bělí kvetoucího větvoví. Jsi zasažen, odchycen 

a podvědomě odsouzen k soustavnému malování proměn 

malého kousku přírody, který zahrada štědře poskytuje... 

ČERVNOVÁ ZAHRADA přináší vše, co můžeme od tohoto 

klidného přírodního zákoutí v příznivém počasí očekávat. 

Nepodstatný není ani výběr hudby, která malování akvarelem 

v posledních dnech provází – do komorního prostředí zahrady 

nezbytně patří komorní skladby bez ohledu na to, jde-li 

o hudbu barokní nebo soudobou. Dnes souzněl se soumrakem 

Rachmaninov... 

SLYŠÍŠ ten zvolna utichající šepot listoví v korunách stromů 

tak podobných těm obdivuhodným na Corotových obrazech. 

Den sklání se k večeru, nastává chvíle, o níž Camille říkával: 

Když zapadne slunce, vychází slunce umění. Zvláště v červnu 

jsou tyto chvíle nezaměnitelné úchvatnými slokami intimní 

poezie soumraku. Měkké, zvolna mizející světlo, obejme celé 

okolí ve své konejšivé náruči a barevnost vegetace tiše splývá 

do tónů nadcházející noci... 

V POZDNÍM ODPOLEDNI, když slunce osvětluje zahradu 

a v zeleni stromoví změknou světla a prohloubí se stíny, tehdy 

v předzvěsti večera nastávají chvíle s přemírou citů tolik svědčící 

akvarelům. Neodcházej a maluj až téměř do setmění... 

Z POHODOVÉ letní nálady s azurem oblohy, na níž vyrůstají 

skvostná bělostná oblaka a zeleň pod nimi je občas provívána 

příjemným vánkem – z této zahradní idyly zcela samozřejmě, 

jakoby mimochodem, vznikají obdobně laděné akvarely... 

V DUSNÉM odpoledni za doprovodu drobného deště hledám 

v řadě malých formátů akvarelů trvalé zaměření zahradních 

variací oscilujících na pomezí viditelného a skrytého... 



Y PAVEL ADAMEC 

a Šebetov 5. 7. 2006, akvarel 

NA ZAČÁTKU LISTOPADU je zahrada stále trochu barevná, 

ale už bez slunce. Listí je více na zemi než v korunách k spánku 

se zvolna ukládajícího stromoví. Drobný popílek ze spáleného 

papíru na ohništi dosedá na rozmalované akvarely i do barev... 

RYTMUS Vivaldiho hudby přechází do rytmů tahů či úderů 

štětce, akvarel je malován občas ve strhujícím tempu, což plně 

odpovídá této vpravdě královské malířské technice, jejímu 

bezprostřednímu, neopakovatelnému, ryzímu charakteru... 

PRŠÍ. Od včerejška vytrvale prší a Rejvíz se ocitá na dlouhé 

hodiny v mracích. To je tak často odvrácená tvář tohoto jinak 

kouzelného, vysoko na náhorní plošině položeného místa. 

Akvarelové barvy i štětce bohužel nuceně odpočívají... 

BUBLINKY vyskakují z drobných kamínků na dně prameniště. 

Jedna, druhá, pak zase několik současně a na různých místech. 

Voda jako křišťál průzračná se množí a je tu potůček přeskakující 

radostně kameny. Až do moře dojdou vody, které se tu v bublání 

zrodily... 

a Zahrada 23. 9. 2007, akvarel 

a Rejvíz 1. 8. 2008, akvarel 

133 P 


STANISLAV D ˇ URIŠ 

VINOHRAD 

Rád maluju a kreslím ke cti Boží. Když se procházím 

jarní krajinou, všímám si krásné přírody, která je skutečným 

uměleckým dílem. Stromy, kterým už vyrašily listy, si užívají svých 

listů a traviny se vlní a děkují za své bytí, které ať je co nejdelší. 

Proto se rychle přerůstají, v zimě to přece dělat nemohou. Také 

vinohradů poslední dobou přibylo. Myslím, že se vysadily nové 

vinice, protože se jim zde kolem Mikulova daří. 

Když se podívám na zdravý strom, je to umělecké dílo, které 

je svou dokonalostí dosud lidem nedosažitelné. Každá rostlina 

je skutečně uměleckým dílem, dokonce i plevel. Oblíbil jsem si, 

P 134 

* 9. 2. 1982 Břeclav 

Studium: Střední škola uměleckých řemesel v Brně (užitá malba, vedoucí oddělení doc. ak. mal. Petr Veselý) 

V současnosti se věnuje kresbě, která vychází z organických tvarů. Pozoruje plynutí času v přírodě, 

a snaží se jej zachytit i ve své tvorbě. Žije a tvoří v Mikulově, kde zároveň působí jako správce vinohradu. 

mezi jiným, třeba bylinu banánovník - jeho široké listy působí 

nádherným tropickým dojmem. Vyzařuje teplo. Samozřejmě má 

i výborné ovoce. Viděl jsem jej jednou na radnici, měli ho tam 

v jedné místnosti, byl už odrostlý, zaujal mne svou majestátností. 

Dosahoval kolem dvou metrů výšky. Ale krásný je i vinohrad. Než 

vinohrad raší, vytéká z jeho ostříhaných částí mazlavá tekutina, 

často jsem si na ní sahal. Říká se, že vinohrad pláče. Především 

když je horko. Když vyrostou malé lístky, ukážou se velmi 

miniaturní a křehké jako veškerá zeleň. Kolik příroda poskytuje 

ochrany, aby se tyto křehké lístky staly silnými. Vinohrad roste 

a jeho výhony se mění v mohutnou zelenou masu, která musí 

být usměrňována čištěním kmínků a zastrkováním. Dále potom 



Y STANISLAV ĎURIŠ 

sečkováním neboli zastřiháváním všech nadměrných výhonů. K tomu se někdy vytrhávají zálistnice. Když jsem hlídal vinohrad, prožil 

jsem změny krajiny, bylo to pěkné, až na ta nepříjemná hejna špačků. 

Mám rád přírodu, rád podle ní kreslím i maluju. Rostliny člověka živí. Člověk sice může jíst maso, ale nakonec bez rostlin by 

nebyla ani zvířata, která maso poskytují a rostlinami se sytí. V raném křesťanství se umělci vyjadřovali velmi ryze, jejich díla obdivuji. 

Byly protkány touhou tvořit ke cti Boží, mimochodem, to je i mé přání. Jejich díla jsou osvěžující a mají v sobě život. Myslím, že tímto 

směrem se vyvíjející umění nikdy nebude prázdné. 

135 P 



a photo: Lucie Bartoňková 

Lidské tělo je strom bez kořenů 

a spoléhá pouze na dech 

jako na kořeny a větve. 

Lu Kúan Yü 

III TVORŮM 

to CREATURES 



Y LAURA WILLIAMS 

LAURA WILLIAMS 

Laura has a studio 

at Bow Arts Trust based in London. 

BY THE WAY... I DIDN’T TELL YOU 

WHY IT MEANS SO MUCH TO ME 

I’m a creature of simplicity in many respects. Fairly intelligent, 

hard working and thoughtful when refl ecting in my practice. 

I don’t like committing comments to paper through an inbred 

under confi dence in the ‘academic’ world and my own personal 

experiences of education. It’s not that I can’t do it but rather the 

question of why should I? 

In younger days I excelled in the art and drama departments 

at school, often regarded as study for pupils struggling in other 

areas of the curriculum, and therefore not academically minded. 

A stigma that I know is unjust and untrue. 

In my opinion it begins with the value placed on drawing in 

daily school practice. The teacher is often caught instructing 

pupils when you’ve fi nished your writing you can do a drawing. 

This is often used as an extension or time fi ller whilst the slower 

children catch up. In this light, drawing is held as second 

regard and a treat after the real work has been accomplished. 

It is devalued in it’s potential as a form of communication, in 

a Catharsis, 2008, charcoal on paper, 300x400 cm 

a Forbidden (detail), 2008, charcoal on paper, 150x400 cm 

* Sheffi eld 

farmlaura@yahoo.co.uk 

addition to the basic manipulation and co-ordination skills 

needed when learning to write. 

The expectation to justify or share learning in my own education 

simply was never requested until I studied my degree as a mature 

student in later years. I embraced education relishing in the 

academic challenge missed in earlier years. I was however, writing 

about my drawings and placing them in context academically. 

I graduated with First Class Honours and fi lled with optimism, 

I went out into the world to put back what I felt was going 

drastically wrong in the early education of our children. 

As most things in life, this happened through discourse 

and a continuing learning journey. I worked at the Tate Gallery 

in London as an art handler exposed to numerous ideas and 

educated well in the curation and presentation of artworks. 

I eventually focused on my own practise and supported this 

through work as an Artist in School achieving residencies for 

long term projects. I established a more focused reputation 

specializing in the area of Early Years practice and an 

understanding of the Foundation Curriculum taught in schools. 

After all... artists like to play. 

139 P 


a Slip away (detail), 2008, charcoal on paper, 150x300 cm 

Practise what you know, and it will 

help to make clear what now you do not know 

P 140 

Rembrandt 

Someone wise to me advised that whilst working on such 

projects if you can visualise the end product there is no point 

going there. My learning journey had been challenged and 

begun. 

I am an Artist and facilitator for children’s learning. My skills 

lie in my practical knowledge and creativity to employ a dialogue 

for children’s ideas and to facilitate their learning. I embrace the 

collaboration of children’s ideas by offering the resources and 

skills for them to create. We usually start a project with no idea 

of the end product, however the learning and enjoyment, not 

to mention the excitement and self-esteem often accomplished 

offers something unique to the experience across the board. 

There is a sense of ownership for children in their work, as 

often I have found it is the adults expectations for the fi nished 

product that gets in the way of the process. 

For most young learners... it is the process that is important 

and not the end product. Approaching projects in this manner 

has often delivered work that surpasses adults expectations 

and challenged children’s thinking. Whilst nervous at times 

for a project to look good and fulfi l the requirements of public 

display in a school (murals, stain glass windows, mosaics etc.)... 

giving children the opportunities to employ their creativity has 

led to artworks that are unique, intelligent, fresh and avoid the 

adult stereotype expectations that represent what they think 

children should be creating. 

Through my experiences as an artist working in schools 

I began to educate and question myself upon the curriculum 

and the manner in which it was being employed. I couldn’t 

understand why the curriculum wasn’t being delivered more 

creatively. I became a qualifi ed primary school teacher and 

experienced the other side. 

I now understand why! In addition to why it is so integral to 

have artists collaborating with education in partnership. A great 

example of this in practice is Regio Emilio, based in Italy, and the 

manner in which they bring children’s learning to fruition through 

employing teachers alongside artists and the environment. The 

three elements are seen as integral and work upon equal merit to 

create the right climate and dynamics for education. 

(Various references to this can be found on the internet). 

Our education system is scared of making mistakes and 

taking risks. There are documents that are costly to produce by 

the government and have given the green light to be creative 

and productive such as Excellence & Enjoyment (DfES/ 

2003). Simultaneously other documents providing ‘schemes of 

work’ which where originally designed as guidelines only are 

not a formal requirement for schools and have resulted in the 

confl ict and ethos of cross-curricular study. Schools are often 

frightened to stray away from their prescriptive nature (often 

through the time restraints to think creativity out of the box). 

Learning becomes fun when it employs creativity and forges 

a relationship with other areas. Through creative strategies and 

joined-up learning we begin to make sense of the world around 

us and solve problems. We employ our intellect and curiosity to 

fi nd out more... it is not prescriptive! 

As a teacher I found myself so preoccupied with the curriculum 

a Reasons to write Goverment research project in the development 

of writing skills based in Pre-schools (3-4 year olds) 


III TVORŮM / to CREATURES

Y LAURA WILLIAMS 

a Laura Williams visiting a school in Uganda 2008 

and assessment requirements, in addition to responsibilities 

I hadn’t visualised, there was little time for creative thought. I was 

more occupied with managering other people and direct teaching, 

sadly missing the intimacy of sharing children’s creativity. I do 

believe in the fundamental skills of literacy and numeracy, but 

they mean so much more, as we have all experienced, when 

applied with personal interest and hold a purpose ... especially 

from a child’s perspective. So it appears strange that we 

(teachers) dangle the reward of drawing a picture to illustrate 

work completed and not the other way around! 

Drawing is a thought process and means of problem solving. 

There is a visual anchor to discuss, articulate, write or calculate 

about. It is a stimulating and natural starting point in education. 

Sadly if you were to look through the exercise books of children’s 

work in schools, on average you would fi nd beautiful illustrations 

from children not struggling from academic achievement and 

blank pages accompanied with poor academic achievement 

from children struggling. 

Can I do my drawing now?... lesson fi nished. 

Teaching could be regarded as entering into a private club. 

Unless you’ve done it there is no way you can comprehend it! 

This is my own experience and there are many teachers I have 

and do know that can juggle all the criteria that come with the 

vocation. My admiration for their time management, creativity 

and ability to capitalise on incoming opportunities, such as 

artists is paramount! 

I now teach 3 days a week with freshness and creativity. 

a Tanzania children with home made wooden bike 

a Kiranga villagers in a classroom escaping from the rain 

I have found I cannot do this personally as a full-time occupation. 

My studio practise has just begun and like air I feel I can breath 

again. It is where I am me. I feel I am at home. Art and creating 

is integral to my existence, both in the studio and the classroom. 

It is where I make sense of the world around me. 

We know that appearance and being 

are not the same. The body is not the same as the self. 

Gary Indianna 

I could elaborate on my own work and place clever academic 

meaning and reference to it, however I am choosing on this 

occasion not to. I go to the studio and play. Through that play 

I make sense and meaning. A lot is in the process and in the 

fi nal product the spectator is left to engage upon his or her 

own choosing. 

I have become involved on a similar level with photography, 

witnessing and looking at life in many different facets. I was 

there and experienced what was happening. The photograph is 

signifi cant to me and hopefully enjoyed by others, however the 

interpretation may differ to the actual event. 

To conclude I’d like to quote Gerhard Richter as I often feel 

my work (in addition to my educational experiences) is one step 

ahead of me; 

My method or my expectation which, so to speak, drives 

me to painting, is opposition... just that something will emerge 

that is unknown to me, which I could not plan, which is better, 

cleverer, than I am... the whole process does not exist for it’s 

own sake. 

141 P 


MARTIN MRSKOŠ 

soukromá studia u fi losofa, malíře a pedagoga Milana Zimmermanna (východní fi losofi e, I. Kant, E. Lévi, Paracelsus, alchymie, magie, C. G. Jung, A. Crowley, 

R. Steiner, S. Prokofjev, ad.) 

v letech 1990-1998 vydavatel Revue HORUS a 14 knižních titulů v nakladatelství Horus 

produkce (s ČTV) české mutace VHS video-art Ra: Pouť slunečního boha – Vize starověkého Egypta (režie: Lesley Keenová, produkce Channel 4) 

s nakladatelem ing. Tomášem Janečkem v roce 1994 založil v Brně Esoterické knihkupectví ALEMBIQ, rozšířené roku 1999 o jeho elektronickou 

podobu 

externě přednáší od roku 1996 Kreativní myšlení na Fakultě výtvarných umění VUT v Brně a Symboliku na katedře Scénografi e JAMU v Brně 

působil jako člen redakční rady brněnského kulturního časopisu TAMTO, psal rovněž články pro ŽIVEL, PROSTOR aj. 

příležitostně přispívá do různých kulturních a odborných sborníků a katalogů, je zván k úvodním proslovům na četné vernisáže 

- portál OKULTURA.CZ pro zpytování magických aspektů moderních dějin a soudobého umění, v jehož rámci vykonává editační a redaktorskou činnost 

- v roce 2000 založil label HORUS CyclicDaemon, na němž vydal doposud 10 hudebních CD různých evropských i zámořských umělců. 

žije a pracuje v Brně 

O KEJKLOVNÉM MIMOCHOZENÍ 

Věnováno věčně živé přítomnosti Milana Zimmermanna. 

Kam? Dolů dírou. 

Všechno začne jednoho dne, kdy se obtěžkáni zastavíte na své 

cestě a plni nevolnosti z ní sejdete hledat spočinutí. Princezna 

Ofélie 1 tak mimoděk na cestě najde artefakt oka následovaný za 

chvíli nalezením prastaré sochy Pana, do níž ho znovu zasadí, 

a tak opětovně obživne její Duch a z jejích úst vyleze cosi podoby 

kudlanky nábožné. Ta se pak stane jejím průvodcem, neboť 

je jenom pantomorfním vtělením tohoto boha. 

Na úsvitu jejího mimochození stojí nechutný průlez dírou plnou 

přerostlého hmyzu (astrální svět), na jejímž konci potkává 

obrovskou žábu. 

Žába je lunární zvíře. Církevní otcové ji pokládali za totemové 

zvíře čarodějnic. Egyptská bohyně Heket s žabí hlavou 

propůjčovala dlouhý život a byla symbolem vzkříšení. Podobně 

jako had však bývá zobrazována s drahokamem na hlavě 

a symbolizuje moudrost, která dokáže ve všem rozpoznat duchovní 

sílu. 

Proto také po vydatném krmení této arcižáby již zmíněným 

hmyzem (obětování smyslovosti duchovnímu probuzení) tato 

praskne a v jejím těle nalezne Ofélie klíč. 

Bratři Grimmové 2 zachytili v pohádce Tři pírka podobný motiv. 

Ve vádě o to, kdo bude příštím vládcem říše, rozfoukne starý král 

do vzduchu tři pírka. Jedno letí na východ, druhé na západ a třetí 

přímo kupředu. Nikoliv úkroky stranou, nýbrž cesta vpřed. 

Jenže právě to třetí nedoletělo daleko a zbývající bratři se 

Hlupáčkovi vysmáli. Avšak, nemáme právě to nejpodstatnější 

přímo před nosem? Právě on si všiml, že tam, kam pírko dopadlo, 

jsou padací dveře. Vyzvedl poklop, pod ním našel schodiště, 

kterým sestoupil dolů. Tak přišel k dalším dveřím, zaklepal na ně 

a slyšel, jak zevnitř něco volá: 

„Panenko ty zelená, 

nožko kouzelná, 

teď nadešla chvíle tvá: 

čáry sem a čáry tam, 

honem se podívej, kdo to jde k nám!“ 

1 Pan‘s Labyrinth. Režie: Guillermo del Toro. Mexiko/USA/Španělsko, 2006. 

2 Bratři Grimmové: Německé pohádky. SNKLU, Praha 1961. 

P 142 

* 25. 6. 1960 Brno 

hrs@horus.cz 

Dveře se otevřely a za nimi spatřil velikou tlustou ropuchu, 

kolem ní seděla spousta malých ropuch. 

I Pan věnoval Ofélii takový klíč v podobě (magické) křídy, kterou 

vysvěcuje a vymezuje posvátný prostor, do nějž podle libosti 

vstupuje a vystupuje (ve chvílích úzkostného nebezpečí). 

Je to poselství člověku, který umravňuje své nitro. Jedna z vrcholných 

snových scén představuje princeznu, která přes jasný 

Panův zákaz nejíst tam dole z té hostiny (smyslů) neodolá a probudí 

tak úžasného netvora, který si zasadí oči do dlaní a dívá se 

rukama, jež si přikládá na obličej, načež se jako hrůzná noční 

můra jme pronásledovat Ofélii, která mu jen tak tak unikne, když 

si křídou pomůže k přechodu do bdělého světa. 

Hlupáček v podzemí nabude tří darů: koberce, prstene a nevěsty 

(jedna z malých ropušek). Koberec má veliký orientální 

podtext – jde o kouzelný prostředek, který přenese svého majitele, 

kam je mu libo. Prsten je nejenom symbolem nadcházející 

svatby, ale také výrazem obrozené vůle, která se pohybuje v posvátném 

prostoru. 

Bratři Grimmové zachytili onen nenápadný prvek mimochození 

hned v následující pohádce Zlatá husa. 

Chytří a prozíraví starší bratři našeho Hlupáčka se odmítnou 

podělit o svítek a víno se starým šedivým mužíčkem poté, co 

vstoupili do lesa nasekat tam dříví. Nazírejme to správně: povrhli 

svátostí večeře a tím zrušili posvátnost prostoru, neučinili se jedno 

s bytostí, která má být tuto pomocníkem. Mínili: „Co dám tobě, 

to bude chybět mně. Jen si jdi, odkuds přišel.“ Oba si sekerou 

přivodili zranění, za nímž stál les a mužíček. To Hlupáček měl 

dobré srdce, a co dal, to mu bylo ještě přidáno. Poté, co sdílel, 

poradil mu mužíček, aby porazil strom. V jeho kořenech našel zlatou 

husu s peřím z ryzího zlata. Následuje příběh o tom, jak každý, 

kdo byl zaujat a chtěl uzmout alespoň jedno zlaté peříčko tohoto 

podivuhodného ptáka, zůstal jako přikován a musel běžet, kam 

šel Hlupáček. Tak fascinující je rtuť, když běží. 

Takto obtížen roztodivnou suitou došel náš hrdina až do 

města, kde panoval král, jehož jediná dcera byla tak vážná, že 

se jí nepodařilo nikomu rozesmát. Když princezna uviděla těch 

sedm, jak běhají stále za sebou jako husy v řadě, dala se do 

hlasitého smíchu. Hlupáček tedy žádal, aby mu byla dána za 

nevěstu. Králi však nebyl tento zeť po vůli, všelijak se vymlouval 

a postupně mu dal tři úkoly hodné Gargantua: vypít sklep vína 

a sníst horu chleba (cenacolo podruhé). Třetí úkol byl nejpodivuhodnější. 

Žádal loď (navis biprorum), která by mohla jet 



Y MARTIN MRSKOŠ 

po vodě i po zemi. A že se také mužíček třikráte proměnil, aby 

Hlupáčkovi pomohl. „Kvůli tobě jsem pil a jedl, dám ti i tu loď. To 

všechno dělám proto, že jsi měl se mnou soucit.“ A dal mu loď, 

která mohla jet po zemi i po vodě. 

Co vede husy běhat v řadě za sebou? 

VÍLOVÁ HRANICE: CESTA TAM A ZASE ZPÁTKY 

Většina příběhů vypráví 3 o hoře, kde se před dávnými věky 

bílí lidé scházeli v noci a hrávali nejrůznější podivné hry a dělali 

zvláštní věci. Ti lidé tam chodili vždycky v létě, když bylo veliké 

vedro. Zpočátku byla všude tma, potom tam byly stromy a tma 

byla ještě větší, a lidé přicházeli jeden po druhém ze všech směrů. 

Přicházeli po tajné stezce, kterou nikdo jiný neznal, dvě osoby 

hlídaly bránu a každý, kdo přišel, musel udělat velice zvláštní 

znamení, které mi chůva ukázala, jak nejlépe dovedla, ale řekla, 

že mi ho nemůže ukázat správně. Tak tam přišli všichni, a když 

vešel poslední, tak už tam žádná brána nebyla, a tak se tam 

nikdo jiný nemohl dostat, i kdyby věděl, že tam něco je. 

Chůva mi taky řekla, že mi ukáže něco, co mě rozesměje, 

a pak mi ukázala, jak obrátit celý dům vzhůru nohama tak, aby 

hrnce a talíře poskakovaly po stolech, porcelán se rozbil a židle 

se kácely samy od sebe na podlahu. Jednou jsem to v kuchyni 

zkusila a zjistila jsem, že to jde docela dobře. A z kredence 

vypadla celá řada talířů, kuchařčin stůl se naklonil a úplně se 

obrátil, „přímo před mýma očima“, říkala kuchařka a byla tak 

bílá a vyděšená, že už jsem to nikdy nedělala, protože jsem ji 

měla ráda. 

Když jsem seděla na kameni uprostřed kamenného valu 

a rozhlédla se dolů kolem sebe, viděla jsem všechny ty úžasné 

kruhy a kruhy uvnitř kruhů, seděla jsem bez hnutí, až se začaly 

kolem mne otáčet, a každý kámen začal tančit, zdálo se, že se 

otáčí v obrovském víru, bylo mi, jako bych byla uprostřed všech 

hvězd a slyšela je svištět prostorem. Tak jsem slezla dolů mezi 

balvany a tančila jsem s nimi a zpívala podivné písně. Šla jsem 

pořád dál a dál, až jsem přišla k tajnému lesu, o kterém nesmím 

psát, a vstoupila jsem do něj cestou, kterou jsem objevila. Když 

jsem došla asi do poloviny, otočila jsem se dokola a připravila 

se. Uvázala jsem si šátek pevně kolem očí a přesvědčila se, že 

nemůžu vidět naprosto nic, ani větévku, ani kousek lístku, ani 

světlo oblohy, byl to starý červený hedvábný šátek se žlutými 

vzory, který jsem si dvakrát otočila kolem hlavy tak, abych nemohla 

nic vidět. Potom jsem začala postupovat, krok za krokem, 

velmi pomalu. Mé srdce tlouklo čím dál rychleji, náhle jsem nemohla 

polknout, chtělo se mi vykřiknout, ale stiskla jsem zuby 

a šla dál. Větve se mi chytaly do vlasů a velké trny mě drásaly, 

ale šla jsem dál až na konec stezky. Tam jsem se zastavila, 

předklonila se a napřáhla ruce. Šla jsem dokola poprvé a tápala 

jsem kolem sebe rukama a – příběh byl naprosto pravdivý a já 

si přála, aby byly smazány ty roky, co jsem musela čekat, abych 

se stala šťastná na věky věků. 

Nesmím zapsat způsob, kterým se píší písmena Aklo, ani 

jazyk Chian, nesmím psát o hrách Mao, ani o nejdůležitějších 

písních. Něco o všech těchto věcech napsat smím, ale ne 

o způsobu, jakým se provádějí. A nesmím psát o tom, kdo jsou 

víly, dôls, jeelo, anebo co znamená voolas. Toto vše jsou nejvyšší 

tajemství, a já jsem šťastná, když si uvědomím, co jsou 

a kolik zázračných jazyků znám. Ale jsou určité věci, které nazývám 

nejtajnějšími z nejvyšších tajemství a na které se neodvažuji 

3 Arthur Machen: Bílí lidé. Volvox Globator, Praha 1994. 

pomyslet, pokud nejsem naprosto sama. To si potom zakryju 

rukama oči, zašeptám slovo a Alala přijde. 

* 

Jinaké překročení vílové hranice bylo zaznamenáno v bájném 

vyprávění4 sedláka Josefa Khuna z Bělé nedaleko městečka 

Pecka. Jednoho pošmourného zářijového jitra seděl při okraji 

lesa u role zvané „Pod Vodnožej“. Vidí, kterak z lesa vystupuje 

skupinka žen. Každá na zádech raneček, jako by šly z pouti. 

To je divné, pomyslel si. Ať vzpomínám, jak vzpomínám, nevím 

o žádné pouti v okolí. Údiv vzápětí vystřídala zlost. Ženy totiž působily 

dojmem, že za svým cílem putují nejkratší možnou cestou, 

les neles, pole nepole. Vůbec se nezdržovaly Khunův pozemek 

obcházet. Z lesa rovnou na len a rázují si to k silnici. Vstal, že 

na ně houkne. Ústa se otevřela k zlobnému výkřiku, ale zvuk už 

nevydala, ani se nezavřela. Zůstala rozevřena údivem i hrůzou. 

Celý zástup žen se totiž najednou odlepil od země, stoupá výš 

a výš do vzduchu. Nebe se rozzářilo oslepujícím svitem, zjevení 

v tom světle zmizelo a nebe se zas zakabonilo souvislou clonou 

mraků. 

CO PATŘÍ NEBESŮM 

V súře Úsvitu (súrat al-fadžr) se praví: „Neviděl jsi, co tvůj Pán 

učinil s Ádovci Iramu, zdobeného sloupy?“ 

Ád ibn Ús ibn Iram měl dva syny, Šadída a Šaddáda, kteří 

vládli po něm. Když Šadíd zahynul, Šaddád se stal jediným 

vládcem říše a všichni ostatní králové, kteří tam vládli, se mu 

podrobili. Když jednou Šaddád slyšel popisovat ráj, prohlásil: 

„Postavím něco podobného.“ A stavěl potom město Iram v poušti 

u Adenu celých tři sta let a on sám se dožil devíti set let. Bylo 

to prý velké město, paláce mělo ze zlata a stříbra, sloupy ze 

smaragdů a achátů. Rostly v něm všechny druhy stromů a protékaly 

jím nikdy nevysychající řeky. Když potom město dostavěli, 

Šaddád se vydal do tohoto města v průvodu lidu své říše. Když 

se však k němu přiblížili na vzdálenost jediného dne a noci, ozval 

se z nebes strašný výkřik, který na ně Bůh seslal a oni všichni 

zahynuli. Vzpomínají to at-Tabarí, ath-Tha’álibí, az-Zamachšarí 

a další komentátoři koránu. 5 

Má se za to, že Bůh mínil, že takové dílo se nesmí na Zemi 

vyskytovat a lidem ho odejmul. Přešlo z oné pouště přímo do 

ráje. 

Jeden z prorokových druhů, Abdalláh ibn Kilába, se jednou 

vydal hledat svoje velbloudy, zabloudil do tohoto města a odnesl 

si z něho tolik, co jen mohl unést. Když se jeho příběh 

donesl k uším Mu’áwija, dal si jej zavolat. Abdalláh ibn Kilába mu 

vyprávěl, co se mu přihodilo. Mu’áwija potom poslal pro Ka’ba 

al-Ahbára a zeptal se ho, co si o tom myslí. Tehdy mu Ka’b řekl: 

„To město je Iram, město sloupů.“ 

Kdyby komentátoři připustili, že to město zmizelo z povrchu 

zemského, tak jako zmizely jiné staré památky, znělo by to pravděpodobněji, 

jenže oni výslovně tvrdí, že dodnes existuje. Ba 

jiní připouštějí i takové nesmysly, že je město neviditelné a že jej 

mohou najít jen zkušení mágové a čarodějové. 6 

Do stejného řádu věcí jako je Iram náleží i svět Uqbaru, do 

nějž vstoupili Jorge Luis Borges a Adolfo Bioy Casares. Na jeho 

4 Roman Jirsa: Vůz hrůzy, smrti, tajemnými místy Českého ráje, Podkrkonoší 

a Krkonoš tiše projíždějící. Volvox Globator, Praha 2002. 

5 Ibn Chaldún: Al-Mukkadima. Úvod do dějin. Tatran, Bratislava 1984, str. 23. 

6 Ibid. 

143 P 


výběžky a cestičky lze narazit za zvláštních okolností. Za islámské 

noci, nazývané Noc nocí, se otvírají dokořán tajné brány 

nebes a voda ve džbánech dostává lahodnější chuť. 

O LODI, KTERÁ MŮŽE JET PO ZEMI I PO VODĚ 

Univocitní myšlení je jistým pokrokem vedle obecného myšlení, 

tak blízkého chytrému lidu. Přesto se spása klene přes nebeské 

myšlení, jemuž je každý den výzvou: „Každého dne sebe 

sama stále nově chtít“. 

Ale na jistém stupni je tak analogické myšlení oním tranzitem, 

kde se přestupuje a člověk se dopouští přestupku vůči zavedeným 

normám. Tudíž i pro jednoho pozoruhodného myslitele, 

jenž sluje Schwaller de Lubicz, se stává mezníkem ruka napřažená 

do zahrady, z níž trhá zapovězené ovoce. 

Pro něj je analogické myšlení synonymem „působení na 

dálku,“ 7 a jeho myšlení je tu zcela v souladu s tím, co začalo 

vybočovat i z kvantové mechaniky a za našich dnů se stalo 

prokazatelnou realitou, totiž ve světle fenoménu propletené fotonové 

dvojice. 8 

Tento fenomén, stručně řečeno, vypadá následovně. Představte 

si dva fotony, které jsou v jediném okamžiku současně 

vyzářeny z určitého atomu, avšak každý cestuje jiným směrem. 

Takto si oba fotony nesou signaturu harmonického systému, 

informaci o původním atomu a o okolnostech jejich vyzáření. 

Následně si představte, že dojde ke změně informační signatury 

jednoho z obou fotonů. Protože ten druhý foton je přesným 

analogátem onoho prvního fotonu, dojde současně k zapsání 

této změny do pole jeho vlastní informace, okamžitě, bez ohledu 

na vzdálenost. 9 

Je ovšem třeba poznamenat, že pro de Lubicze bylo toto 

analogické působení na dálku, čili sympatetická magie, vyjádřeno 

v souladu s kontextem všeobecně dualistického světového 

názoru, kde má věda dvojí podobu, jedna se týká genese čili 

stvoření, a druhá zániku. V tomto kontextu se jakýkoliv daný hieroglyfi 

cký symbol stává syntézou polarit zvláštních protikladů sil, 

kterou udržuje v rovnováze samotný glyf – informace. 

INTERMEZZO 

Hairnet Paradise 10 

bad crowd 

tea, cake and sweet 

sweet tamiga 

garden that is sweet 

sweet, sweet tamiga 

it was a hairnet paradise 

i praised in demise 

P 144 

it was a hairnet paradise 

burn the blue eyes 

burn the blue eyes 

TEN, KTERÝ NÁLEŽÍ BOHU 

Není to však vždy jasně vymezená hranice, za níž ostře černobíle 

začíná onen druhý svět. Někdy je člověku do cesty postavena 

závora nebo zákaz vjezdu, jako onomu hrdinovi fi lmu 

Případ pro začínajícího kata 11 , Lemuelu Gulliverovi, na samém 

počátku snového příběhu, za níž se pak už dějí jenom podivné 

surrealistické scény: dramatická nehoda auta (nikým neřízeného 

a přesto pohybujícího se po silnici) dělajícího přemety ze 

skály (konec samovolného pohybu svévole), z něhož se Lemuel 

vysouká bez jakéhokoliv zranění, mrtvý zajíc na silnici oblečený 

do manšestrových kalhot a vestičky, v níž se nacházejí kapesní 

hodinky, a z úst se našemu hrdinovi dere přiznání: „Já se chci 

probudit a nevím už, jak se to dělá!“ 

Probudit se vyžaduje chodit mimo a zakázanými cestičkami, 

a nesmí vás odradit ani plamenný meč, jejž třímá cherubín na 

straně východní – to jest totiž, kudy se v(y)chází – ostříhající, 

by nikdo nemohl ke stromu života –, ani společností dohodnuté 

symboly zakazující přechod na druhou stranu za hraniční 

kámen. 

Lemuel je „ten, který náleží Bohu“. A tak je i tento, přes závory 

a zákazy vjezdu mimojdoucí, poslem Božím, jejž sám Bůh zkouší 

a nachází v tom zalíbení, aby jej pak nechal přijít k sobě právě 

skrze blázna, který ho na voze zaveze další mimojdoucí cestou 

do země opatřené závorou. 

K oněm kapesním hodinkám zajíce Oskara se vážou i závěrečná 

Lemuelova slova v tomto fi lmovém příběhu: „Obecní blb 

slyšel na jméno Vyskoč a vyvezl mě z balnibarbské země. Tehdy 

se stalo, že jsem znovu upadl do rozpaků a obrátil se na onoho 

blba. ‚Poslouchej, Vyskoč, jdou ty hodinky pozpátku, nebo se 

mi to jenom zdá?‘ Ale on namítl: ‚Co pořád máte, prosím vás? 

Copak vám nestačí, že je slyšíte tikat?‘“ 

Jít vpřed či vzad znamená čiré nic. Jenom ono mimochození 

stojí za cosi. 

K tomu bláznovství říká mistr Eckhart: „Nejprve máme vnímat 

a poznat, jak se božská tvář božské přirozenosti – protože toho 

se dožadují všechny duše – dělá bláznivou a ztřeštěnou, aby je 

pak k sobě všechny přitáhla.“ 

A kdo jsme my než mimochodem a bezděky jdoucí k Bohu? 

Přitahovaní, jako husy mimojdoucí, ti náležejí Bohu. 

Mysli na svou duši, usiluj pro ni o moudrost, neb každý je 

rukojmím svých skutků. Amen. 

Brno, 21. leden 2009 

7 

R. A. Schwaller de Lubicz: Symbol and the Symbolic. Inner Traditions International, 

New York 1978, str. 7 a 20. 

8 

„Photon entanglement“ nebo „entangled photon pairs“ (EPR), tedy „kvantově 

propletená fotonová dvojice“. 

9 

Není třeba zdůrazňovat, že to byla pro teorii relativity veliká rána. Kvantově propletená 

fotonová dvojice, jak se tento fenomén nazývá, je jednou z nejnovějších 

a velmi vzrušujících oblastí současné experimentální fyziky a výzkumu. 

10 

CocoRosie: Hairnet Paradise. Nevydaná skladba. 

Viz http://www.youtube.com/watch?v=7ANDfMGdHgs. Poslechněte si 

a vizte před další četbou! 

11 Případ pro začínajícího kata. Režie: Pavel Juráček. Československo, 1969. 



Y MICHAELA JEZBEROVÁ 

MICHAELA JEZBEROVÁ 

MIMOCHODEM VŠICHNI UMĚLCI 

SI TAK TROCHU HRAJÍ 

SOUVISLOSTI A KONTEXTY 

V historii umění 20. století nabývá téma dětství odlišných obrysů 

a je lépe hovořit o solitérech než o nějaké širší jasně zaměřené 

skupině. Poněkud častěji se podobné náměty začaly objevovat 

v druhé polovině 80. let., což bylo způsobeno zejména osobností 

Petra Nikla, tehdy malíře, dnes intermediálního umělce. 

Tehdejší nastupující nonkonformní generace (mezi jinými to byli 

Jiří David, Jaroslav Róna, Jan Merta, Tomáš Císařovský, Martin 

Mainer) si vytvořila poměrně pevnou základnu a někteří protagonisté 

byli představeni i v zahraničí. Nepopiratelnou zásluhu na 

propagaci nové generace mají i koncem 80. let organizované 

neofi ciální Konfrontace i přehlídky v Opatově. V tomto kontextu 

se Petr Nikl se prosadil svou originální poetikou. Univerzální mytologie, 

žijící v placentě s věkem odcházejícího stavu dětství, se 

stala matečnicí, z níž vyrostli osobnosti rozvíjející vlastní s dětstvím 

už prakticky nesouvisející témata. 

Potenciál skrývající se pod hlavičkou naivity a imaginace aktualizovali 

v průběhu 90. let studenti vysokých uměleckých škol 

a Triptych Zelená zóna (1998) olej na plátně, 160 x 140 cm 

* 10. 12. 1976 Brno 

michaelakrizova@seznam.cz 

Ateliér: Hřídelec 3, Lázně Bělohrad, 507 81 

Vystudovala Střední školu uměleckých řemesel v Brně, Fakultu výtvarných umění, VUT Brno (Ateliér kresby – 

Prom. ped. Václav Stratil a Ateliér malba I. – Prof. Jiří Načeradský). Pedagogická práce: LŠU Mokrá- Horákov 

jako učitelka výtvarného oboru, Základní škola v Ostrovačicích u Brna, doktorandkou KVV Pedagogické fakulty 

Masarykovy univerzity v Brně. 

Vystavovala samostatně v roce 2001 (SYNAGOGA Hranice, Městské muzeum a galerie), kolektivně od roku 1996. 

Autorkou řady odborných recenzí (Ateliér) a katalogů (Druhý dotek, Umění na Bítov – Ladislav Jezbera a Tomáš 

Hlavenka). 

a využili poměrně jednoduše srozumitelnou řeč infantilismu ke 

hře s odkazy k rozmanitému množství výtvarných poloh. Postupně 

došlo k demaskování sentimentu do té doby se skrývajícímu 

pod slupkou naivity. Do vibrujících senzitivních forem tímto náhle 

a brutálně zasáhl prefabrikát průmyslové výroby, opisující 

realitu barevným umělohmotným výliskem. Sériovost a vyprázdněnost 

kýčovité produkce se prezentovaly v další analogii popartu. 

Technologie výroby umělých hmot si prožila renesanci 

v sochařských realizacích v malých i monumentálních formách. 

Tradiční sochařská media potlačily umělé materiály s dobrými 

plastickými vlastnostmi. Umělci častěji uplatňovali polyester, 

elastickou gumu, syntetické pryže, polystyren, molitan, plyš 

a další hapticky vnímatelné materiály k přenosu morfologických 

forem. Vjemy asociující živost se nabízí jako alternativa studenému 

a chladnému kameni a kovu. Životnost objektů navozují i pohybové 

a zvuky vydávající mechanismy. Umělý život je indukován 

mluvícími, vrtícími, vzdychajícími hračkami. Pocity slasti z dětství 

jsou v těchto případech pouze malou částí z celku útočícího na 

pudovost dospělého jedince. Zvrácenost civilizace demonstrují 

i zmenšeniny, maketky potřeb, náčiní a zbraní demaskujících 

agresivitu lidského jedince. 

Tvorba Františka Skály, zasloužilého imaginátora, byla podnětem 

k perzifl ážím výrobního procesu. Objektová tvorba zareago- 

145 P 


a Triptych Kouty (1998), olej na plátně, 160 x 140 cm 

vala kombinacemi průmyslových výrobků i jejich fragmentů kumulovaných 

do skrumáží více či méně připomínajících předměty 

z reálného světa. Netradiční atrapy oscilující mezi kutilstvím a ready-madem 

přitahují nápaditostí užitých prvků ve výsledném slepenci 

zjevně patrných. Způsob, jakým se v těchto konstrukcích 

zachází s materiálem, je v silném příbuzenském vztahu s podobně 

svobodnými výrobky dětí, čímž není míněno, že jakákoli náhodná 

setkání věcí jsou tím pádem pozůstatky dětského způsobu práce. 

V příslušných souvislostech umělcovy tvorby je ostatně vždy 

patrné hledisko, prostřednictvím kterého lze dané dílo ocitovat. 

Kořeny, vedoucí až k dadaistům a surrealistů není nutné odmítat 

a otevřenost formy je hodnotou, s níž se při komentáři současného 

umění počítá. Novost a neopotřebovanost plastů a dalších 

matérií je kontrována předměty se známkami častého použití. Stá- 

a Instalace Bez názvu (2000), molitan, posypová sůl 

P 146 

ří je nedílnou součástí životního cyklu a znovunalezení opuštěného 

vede k oživování vzpomínek. Věci, fragmenty, odpadky, ještě 

živoucí a už dožívající substance atakují představy o umělosti 

a sterilitě hromadného konzumu. Letitost probouzející se v nové 

funkci předmětu uchovává v sobě něco z důstojnosti svého 

minulého života. Mýtické, archaizující momenty doplňují příběh 

o zmrtvýchvstání a věčném koloběhu univerza. Použitá a použitá 

materie se ve shodné pracovní metodě vyvíjí v diametrálně odlišný 

celek s vlastními obsahovými konotacemi. 

Počitek tělesného tepla a nepřenositelný prožitek mateřství 

je citlivou stránkou jindy razantních ženských výtvarných projevů 

souvisejících s domestikováním feminního umění na české výtvarné 

scéně. Hmotné, pevné a především těžce opracovatelné 

materiály umělkyně nahrazují těmi měkčími a poddajnějšími. Jejich 

výběr je uskutečňován s důrazem na autenticitu. Obnošené 

látky s pachovými stopami a nejrůznějšími tělesnými skvrnami 

identifi kující jedince, jemuž náležely. Změna života, vstup do 

nové sociální role matky je s nadsázkou srovnatelná s životními 

peripetiemi Josepha Beuyse, který po svém uzdravení defi noval 

škálu vlastních výrazových prostředků v souvislosti s použitými 

materiály, z nichž každý ve své podstatě symbolizuje jinou část 

sdělované informace. Nonverbální podtext Beuysových atributů 

je určitou paralelou s nemožností zprostředkování mateřského 

stavu doloženého pouze v „relikviích“ po vlastním potomkovi. 

Role matky zůstává klíčovou událostí při modifi kacích od interpretace 

ikony madony s dítětem až k nejrůznějším mimosmyslovým 

přenosům prenatálního stadia jedince. Konkrétní formy 

se přelévají do abstraktních, fantazijních zážitků sjednocených 

v duchu reprodukce člověka. O sebeironizující pokračování syžetu 

mateřství se v roce 2005 postarala nově založená skupina 

Matky a Otcové (Lenka Klodová, Lucie Krejčová, Marek Rejnet, 

Martin Péč) sdružená podle jednoduchého kritéria odpovědnosti 

za výchovu a péči o dítě. Mluvčí skupiny Lenka Klodová 

zaujatě prosazuje existenci fenoménu manželské umění v časopise 

Umělec 1/2005, str. 24: Manželské umění lze pracovně 

defi novat jako umění, jež je produkované v určitém svazku, 

nejčastěji institucionalizovaném, a které se vyslovuje k sociálním, 

psychologickým, erotickým, a generovým problémům 

z pozice žitého stereotypu. Je to natolik autentický a bohatý 

fenomén, že si jistě zaslouží podrobné studie, případně menší 

samostatný vědní obor. Téměř manifestační prohlášení je logickým 

vyústěním řady předcházejících impulsů např. v roce 2001 

proběhla rovněž za účasti Klodové v galerii pražské Universal 



Y MICHAELA JEZBEROVÁ 

NoD akce rodičovských aktivistů za emancipaci umění v rodině. 

V prohlášení aktérů se zdůrazňují tlaky mezi skupinou umělcůrodičů 

a masou opuštěných a asociálních umělců-nerodičů. 

V časopise Ateliér č. 23/05, str. 9 byla otištěna recenze Otcové 

– ženy, děti a Ti před námi, kde Vlasta Čiháková-Noshiro vysvětluje 

podstatu současné změněné situace populační explozí 

ve výtvarném světě (… a nejen v něm). 

Interpretace osobní, rodinné minulosti existující v rámci 

historické paměti implikovala prvky narativnosti do malířského 

projevu umělců. Malba v těchto intencích se dnes pohybuje 

od forem realistického, ale přesto uvolněného rukopisu až 

k hyperrealistickým tendencím doslova kopírujícím fotografi cký 

snímek. Videodokumentace a diapozitivy z rodinného prostředí 

jsou zobrazovaným modelem, aranžovanou událostí formulovanou 

médiem malby. 

VÝCHODISKA A TÉMATA 

Ve své výtvarné tvorbě, související s výzkumem konaným ve 

vlastní disertační práci Prostor pro prostor v pozadí, se dlouhodobě 

zabývám fenoménem prostoru v jeho dalších významových 

konotacích (prostor, místo, věci a jejich vztahy). Zamýšlím 

se nad prostorem, do něhož fyzicky vstupujeme, stáváme se 

po určitou dobu jeho součástí a zanecháváme v něm stopu. 

Podobně jako my strávíme prostor, tak i prostor a věci v něm 

nashromážděné zanechají otisk svojí existence v nás. Refl ektuji 

osobní autentickou zkušenost s prostorem a jeho transformaci 

do námětu výtvarného díla při zapojení všech haptických 

a vizuálních zážitků. Soustředím se na vzpomínkový asociační 

proces, kterým procházíme ve specifi ckých situacích a který 

nás atakuje prostřednictvím paměťových mechanismů. Moment 

časovosti je pro uchopení tématu podstatná. Čas v tomto případě 

ovlivňuje vnímání prostoru a místa ve smyslu pozdějšího 

návratu. Návratu k prožitku, k pominulé nevratné životní etapě. 

Prostor se pak neposlední řadě stává místem pro určitý typ 

imaginace, pro zakoušení experimentu a hry dále kulminující 

a vyvěrající na povrch v překvapujících, bezelstně rafi novaných 

závěrech do jisté míry evokujících dětství. 

HLAVNÍ KONCEPTY 

Vzpomínka na to, co pomalu mizí. 

....jsou místa, kde osoby (stopy osob) již byly zcela potlačeny 

proměnnou a výměnou věcí, které jim sloužily. Jsou však 

také místa, kde si stárnoucí věci udržují tenký kontakt, kde si 

žijí svobodný život, ačkoli jejich doba již pominula. Přítomnost 

minulého přichází prostřednictvím nálezu dávno vyčerpaného, 

které se opět zapojuje do životní hry. Nové a přítomné se rodí 

za účasti minulého. 

První téma řeší univerzálnost prožitku dětství, prožitku minulé 

doby a zamýšlí se nad podstatou vnímání těchto atributů. 

Zabývá se možnostmi, jak se výtvarnými prostředky vyrovnat 

s neodvratným faktem stárnutí a pomíjivosti věcí. Vědomě kalkuluje 

s pocitem sentimentu, který v nás vzniká při návratech na 

místa, k nimž se váží naše prožitky. Předměty nalezené na těchto 

místech v nás evokují vzpomínkou. Lyričnost a intimita těchto 

nálezů komponovaných do nové časově i prostorově odlišné 

situace charakterizuje tvůrčí koncept kolážování, koláže starého 

a nového, jenž se dotýká osobního autentického prožitku z původního 

prostoru i věcí, jež tvořily jeho obsah. Pracovat s věcmi, 

a Instalace z cyklu Aero (2001) 

ke kterým nás váže silný osobní vztah, mnohdy probouzí pocit 

nostalgie a snaha o objektivitu a věcnost tak může nabývat různých 

podob zdánlivé banality, absurdity, romantiky. 

Modely a situace 

…modely mohou být nástrojem svobodné hry stejně jako 

nástrojem manipulace skutečnosti. Do potřebných poloh jsou 

povyšovány představami. Podobně, jak do dětského světa vnášíme 

hračkou svět dospělých, tak si svět dospělých z dětského 

rekvizitáře půjčuje věci nebo jejich fragmenty k vytváření obrazů 

a přirovnání. 

Tvorba vlastní modelové situace v autentickém či uměle 

vytvořeném prostředí- prostoru je opět inspirovaná vztahem 

k předmětu – věci. Modelářský přístup k viděnému předjímá 

problém materiálových vztahů, proporce a instalace. Zmenšení 

krajiny a fi gurální stafáže umožňuje významový posun v rámci 

prostoru v prostoru. 

Monumentalitu a reálnost zmenšení lze zpětně ověřit fotografi 

í, která potlačením skutečného měřítka umožňuje dokonalou 

fi kci. Kombinací reálného prostředí a modelu lze navodit 

situace, ve kterých se nalézá a kterým je vystavena původní 

předloha. Toto s sebou přináší množství různých asociací, kdy 

se se změnou měřítka modelu mění v jeho závislosti i význam 

okolí. Jako jedno z východisek pro námět proto může sloužit 

fotografi e. Její variací v prostorových modelech dochází k manipulované 

instalační hře. 

147 P 


RÓBERT MAKAR 

MIMOCHODOM MIMO CHOD. 

O VZŤAHU VEREJNOSTI A UMENIA. 

Výtvarné dielo je determinované spoločenským (verejným) kontextom, 

v ktorom sa ocitne (prezentuje). V akej galérii, pri akých 

iných výtvarných prácach, v ktorých spoločenských kruhoch, 

akom kontinente, mieste a čase. Nie každému výtvarnému dielu 

sa dostane publicita. Ak sa výtvarne tvorivý človek so svojimi 

výtvarnými dielami uchádza o prívlastok umelecký, musí spĺňať 

(reprezentovať) hodnotové kritériá verejnosti. Keď si autor 

o svojej výtvarnej práci mysli, že je umelecká, tvorí výtvarné diela 

s umeleckým zámerom. Úspešný je ten výraz individuálneho 

vedomia, ktorý sa stotožní s kolektívnym vedomím rozhodujúcej 

skupiny ľudí. Podľa sily skupiny ľudí má väčšiu alebo menšiu 

platnosť. Najvýhodnejšie je, ak spĺňa kritériá vplyvnej skupiny 

ľudí s možnosťou ovládať (mať vplyv) inštitúcie a médiá. Taká 

skupina dokáže ovplyvniť širokú verejnosť a tým z výtvarného 

diela urobí umelecké výtvarné dielo s dočasnou platnosťou 

a Un temps et un espace libres sont un luxe social / Voľný čas a priestor 

je sociálny luxus, 2006, 30 x 21 cm, lino, digitálna tlač, autorský formát 

P 148 

* 10. 6. 1970 Handlová 

makar@vsvu.afad.sk 

Pôsobí ako učiteľ na Vysokej škole výtvarných umení v Bratislave (1995). 

Studijný a tvorivý pobyt: Academies of visual arts Maastricht (1993), Ecole de Beaux-arts de Namur (1992), Ecole 

de Beaux-arts (Paríž 1990), 1988-1994 Vysoká škola výtvarných umení v Bratislave (na viacerých oddeleniach 

a katedrách paralelne, na katedre maľby u prof. R. Fila, prof. R. Síkora, hosťujúcej výtvarníčky z USA Sandra HU, 

na katedre grafi ky u profesora V. Popovič na oddelení KR•E•S•BA /Kreatívno-experimentálne štúdio Bratislava/, 

1984-1988 Stredná umelecko-priemyselná škola v Bratislave – na oddelení aranžérstva u stredoškolských 

profesorov: M. Bočkaj, R. Fila. Neskôr na oddelení grafi ky. 

Od r. 1992 – 20 samostatných výstav. Zastúpenia v zbierkach Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen, Bietigheim- 

Bissingen, Nemecko, Zbierkovéy Hodonín, Klenová, Levoča, redakcie Parlamentný kuriér, Košice, Sachsen, 

Bratislava, Senica. Grantová a organizačná činnosť 2007: organizátor Medzinárodné tvorivé dielne Stredný formát 

III. (MK-3388/2007/4.3.2/6), vedúci riešiteľského kolektívu KEGA 16/7 07-09 (projekt Výskum fototechnológií 

vo voľnej grafi ke / problematika fotoprenosu, fotolitografi e, fotoleptu, organizácia výstavy súčasných francúzskych 

umelcov v Záhorskej galérii Senica. 

(s ručením obmedzeným). Verejnosť s odstupom času a výmenou 

generácií prehodnocuje výtvarné diela a tie, ktoré naďalej 

nestrácajú legitimitu sa stávajú výtvarné umelecké diela s dlhodobou 

umeleckou platnosťou. 

Zatiaľ čo výsledky individuálnych snažení sa zhmotňujú vo vizuálnych 

dielach (predmetoch), názory verejnosti sú vyjadrené 

podporou alebo odmietnutím. Verejnosť (rôzne kolektívy, vrstvy, 

tlupy, rody, organizácie) nevystupujú jednotne a aj v rámci seba 

majú rôzne názorové rozdiely. Rozdiely plynú z uhla pohľadu 

(ekonomický, sociálny, náboženský…) na umenie (výtvarnú 

tvorbu). 

Dejiny umenia sú dejinami toho, čo považovala rozhodujúca 

spoločenská vrstva za umenie (čo spĺňalo umelecké kritériá) 

vo svojej dobe, selektované pohľadom zostavovateľa na to, čo 

sa z jednotlivých období zachovalo. Rozhodujúca spoločenská 

vrstva neznamená len politicky vládnuca skupina. Je to akákoľvek 

skupina ľudí s názormi a postojmi. To znamená, že dejiny 

umenia sú determinované tým, čo ostalo a ako sa na to pozerajú 

zostavovatelia. Na základe kritérií, ktoré uznávajú predstavitelia 

spoločenskej skupiny, ktorá zostavuje dejiny umenia, je rozhodované, 

čo je a čo nie je umelecké. Je to názor (uhol pohľadu) 

mienkotvornej časti verejnosti. Názor mienkotvornej skupiny sa 

môže prejavovať a šíriť cez rôzne aktivity: médiá (rozhlas, TV, 

internet, knižná a iná publikačná činnosti…), školstvo, galérie, 

múzea, poroty, štátne a verejné zákazky, umelecká teória, nadácie, 

ministerstvo kultúry atď. Mienkotvorné názory pochádzajú 

z kultúrneho centra. Kultúrne centrá nie sú totožné z geografi 

ckými centrami. Na geografi ckej periférii môže vzniknúť veľmi 

cenné kultúrne centrum. Každé centrum má svoje materiálne 

(fi nančné, inštitucionálne, spoločenské) a duchovné zdroje (názory, 

inovačnú energiu, požiadavky, hodnoty). Alebo inak: Tam, 

kde ešte ostali materiálne a duchovné hodnoty, je centrum. Jednotlivé 

celky (centrá) súperia (konkurujú si) na poli názorových 

(fi lozofi ckých) sporov a vo fi nančných a tržných systémoch. 

Intelektuálne štýly z centier sa prenášajú do okrajových oblastí. 

Úloha sprostredkovateľa v sebe nezahŕňa funkciu objektívnej 

kritiky. Okraj (periféria) sa môže stať centrom ak zareaguje iným 

originálnym alebo autentickým spôsobom. Výtvarné diela fungujú 

(konštituujú sa, legitimizujú sa) v porovnaní k centru a vzájomne 

medzi sebou. Rozdielne kultúry a formy umení súperia o obecenstvo, 

fi nancie a uznanie legislatívy. Možnosti koexistencie 



Y RÓBERT MAKAR 

a LÍdentité est un perpétuel processus de différenciation / Identita je neustály proces diferenciácie, 2006; 30 x 21 cm; lino, digitálna tlač, autorský formát 

a vzájomného ovplyvňovania sú obmedzené súperením o priazeň 

a podporu. Toto súperenie existuje v celej umeleckej praxi. 

Kde je centrum a kde periféria, je záležitosť moci, energie 

a informácií. Trh s výtvarnými dielami a umelecká hodnota bývajú 

často chápané ako oddelené a často proti sebe stojace 

hodnoty. Ide však o funkčné synonymá. Ak skupina ľudí považuje 

nejaké výtvarne dielo za hodnotné (umelecké), tak členovia 

tejto názorovej skupiny môžu ohodnotiť tento druh výtvarnej činnosti 

fi nančne. Kúpou vyjadria hodnotu výtvarného diela. Svoje 

hodnotenie môžu prejavovať aj mediálnou podporou (rozhlas, 

TV, internet, knižná a iná publikačná činnosti…). Peniaze sú 

najmenej sprofanovaný druh energie. Znamenajú viac rúk, viac 

voľného času, viac možností. Jednotlivé skupiny ľudí, aby defi novali 

hranice, ktorými by riadili umenie, devalvujú všetku ostatnú 

tvorbu, ktorá neprešla úzkym, v podstate arbitrárnym výberom. 

Pri tejto činnosti mienkotvorné skupiny ovplyvňujú verejné povedomie 

(kolektívne vedomie) o rozdiele medzi vysokými a nízkymi 

estetickými hodnotami, medzi umeleckou avantgardou a konzumným 

umením. 

To isté dielo je z pohľadu autora iné ako z pohľadu verejnosti. 

To, čo autor chcel, čo sa mu podarilo a ako to pochopí verejnosť 

sú tri nezávislé javy (hodnoty). 

Na začiatku výtvarne tvorivý človek tvorí výtvarné diela pod 

vplyvom jedinej sily. Tou silou je výtvarná tvorivosť (vôľa k tvorbe). 

Neskôr sa pridružujú utilitárne motivácie. Pre mnohých výtvarne 

tvorivých ľudí je chuť (vôľa) vytvárať výtvarné diela daná 

geneticky v samej podstate existencie. Je to vlastnosť. Konať 

(činiť, vytvárať) takéto diela bez ohľadu na vonkajšie podmienky. 

Chuť výtvarne tvoriť podporuje u niektorých ľudí túžbu po vzde- 

laní v oblasti umenia. Iných práve naopak vôľa k vlastnej tvorbe 

intuitívne ochraňuje pred akýmkoľvek cudzím vplyvom do ich 

autonómneho výtvarného prejavu. Tak chápu pôsobenie výtvarného 

školstva a hrdo prehlasujú svoju nepoznačenosť žiadnou 

školou. Obidva postupy majú svoju opodstatnenosť. 

Výtvarné diela a výtvarne tvoriví ľudia nepotrebujú žiadnu legitimitu 

ani ospravedlnenie do chvíle, kým od verejnosti niečo 

nežiadajú (energetickú, duchovnú, materiálnu podporu). A výtvarné 

umenie? Snahou mnohých teoretikov umenia je dať 

umeniu význam alebo zmysel dôkazom, že umenie niečo robí. 

Takže umenie musí potom ľuďom otvárať oči alebo slúžiť ako 

dekorácia, proroctvo či chvála, musí mať spoločenskú funkciu, 

prípadne musí vyjadrovať nejakú konkrétnu fi lozofi u. Potrebuje 

umenie také ospravedlnenie? Potrebujeme si vysvetliť význam 

existencie človeka, kvetiny, hviezd, mora... . 

To ale neznamená, že by umenie nemalo občas v druhom 

a ďalších plánoch vyučovať, chváliť, prorokovať či slúžiť ako ozdoba, 

prípadne utužovať spoločenské väzby. Toto sú všetko sekundárne 

funkcie. Výtvarné dielo má platnosť (primárnu funkciu) 

samo o sebe bez ohľadu na to, k čomu by ho ktokoľvek chcel 

využívať. 

DVA PRÍSPEVKY K PROBLÉMU DEJÍN 

VÝTVARNEJ TVORBY 

Množstvo výtvarne tvorivých ľudí a výtvarných diel, veľa generácií 

ľudí zaoberajúcich sa spoločenskými vecami okolo výtvarných 

diel vytvorilo oblasť, pre ktorú dnes máme pomenovanie: 

umenie, dejiny umenia. 

149 P 


a Une contre–vérité produit la vérité / Nepravda produkuje pravdu, 

2006, 30 x 21 cm, lino, digitálna tlač, autorský formát 

Problémom dejín umenia sa zaoberalo, zaoberá a bude zaoberať 

mnoho ľudí. Názory na povahu umeleckohistorického 

procesu som čítal a počúval od mnohých napr.: A. Riegl, M. 

Dvořák, J von Schlosser, H. Sedlmayer, E. Gombrich, G. W. 

F. Hegel, J. Mukařovský, V. Richter… a tiež v nespočetných 

diskusiách v kultúrnej a výtvarnej obci s ľuďmi, ktorých nie je 

možné jednotlivo vymenovať. Sú to ľudia tvoriaci výtvarnú klímu. 

Prečítať, vypočuť a naštudovať si všetky názory je fyzicky 

nezdolateľné. Navyše v euro–americkej kultúrnej tradícií nie je 

snaha zanechať posolstvo v jednej (dvoch) vetách. Tendenciou 

je zanechať množstvo textu s množstvom nových autorských 

pojmov. Euro–americká kultúrna obec vyprodukovala 

tony mnohostranných kníh. Takže ak tvrdím, že som prečítal 

mnoho myšlienok o dejinách umenia, neznamená to, že som 

čítal to najdôležitejšie, a už vôbec to neznamená, že som to 

pochopil tak, ako to autor myslel. A navyše to, čo si pamätám 

sa spojilo s tým, čo si myslím sám z vlastnej skúsenosti a preto 

neviem, či moje dva príspevky k možnostiam, ako nazerať 

na povahu umeleckohistorického procesu (dejiny umenia) nie 

sú len odleskom cudzích teórií. Prihliadnuc a odhliadnuc od 

všetkého ponúkam dva príspevky. Napriek všetkým rizikám sa 

domnievam, že práve na takéto koncepcie sa neprihliadalo dostatočne 

dôrazne. 

Príspevok 1: Dejiny výtvarného umenie ako dejiny otvárania 

a vypĺňania výtvarného priestoru. Aký je význam pojmov otváranie 

a vypĺňanie výtvarného priestoru. Otváranie výtvarného priestoru 

znamená: keď výtvarne tvorivý človek objaví (vytvorí) novú 

výtvarnú formu, tak objaví nový výtvarný priestor. Je to priestor 

na duchovnej a vizuálnej úrovni. Nový výtvarný priestor je: a) 

nová výtvarná forma; b) znovu objavená výtvarná reč z niektorej 

okrajovej alebo historickej epochy v novom kontexte; c) nový 

technologický alebo technický postup, pomocou ktorého sa vyvinula 

nová výtvarná reč (forma); d) nová kombinácia (pohľad, 

stratégia, kontext) už používaných výtvarných foriem. 

Originálna forma – originálny priestor. Nová forma – nový 

priestor. Ak sa tomuto výtvarne tvorivému človeku a jeho dielam 

dostane publicita, prípadne odborná a laická verejnosť označí 

tento priestor (postup) novým menom, tak sa nájde mnoho 

výtvarne tvorivých ľudí, ktorí rýchlo pochopia a začlenia sa (za- 

P 150 

bývajú) v novom výtvarnom priestore. Osvoja si výtvarnú formu 

a ich vklad spočíva v ich osobnom temperamente (charaktere), 

národných zvykoch, variáciách... Príklad a: priestor abstraktných 

výtvarných foriem objavila hŕstka výtvarne tvorivých ľudí, ale po 

čase sa do tohto priestoru začlenilo mnoho tvorcov. Abstraktné 

umenie v čase vzniku šokovalo a dnes sa v priestore abstraktných 

výtvarných foriem nachádza veľké množstvo tvorcov širokých vrstiev. 

Hľadisko kvality a presvedčivosti v tejto úvahe zohráva nateraz 

vedľajšiu úlohu. Príklad b: Marcel Duchamp otvoril priestory 

(svojimi vecami a myslením vytýčil základné súradnice), v ktorých 

sa dodnes ťaží a doluje. Čiže Marcel Duchamp vytvoril priestor 

a tento priestor vypĺňa mnoho tvorcov. 

Dejiny umenia ako dejiny tvorcov, ktorí objavili originálny 

priestor a tvorcov, ktorí priestor originálne vypĺňali. 

Príspevok 2: Dejiny výtvarného umenia ako dejiny turbulentných, 

nelineárnych procesov, kde sú individuálne výtvarné stratégie 

selektované verejnosťou podľa rôznorodých kritérií. Turbulentné 

procesy vysvetliteľné vedeckou teóriou chaosu. 

To isté v zložitejšej vete: Dejiny výtvarného umenia ako dejiny 

rozmanitých individuálnych (jednotlivci, malé kolektívy) výtvarných 

stratégií (snažení, koncepcií) selektovaných (fi ltrovaných) 

verejnosťou podľa rôznorodých kritérií, názorov v neustálej premene. 

Je to turbulentný, nelineárny proces, ktorého zákonitosti 

azda môže vysvetliť vedecká teória chaosu. Zatiaľ čo výsledky 

individuálnych snažení sa zhmotňujú vo vizuálnych prácach, názory 

verejnosti sú vyjadrené podporou alebo odmietnutím. Verejnosť 

nevystupuje jednotne a aj v rámci nej sú rôzne názorové 

rozdiely. Rozdiely plynú z ekonomického, sociálneho, náboženského 

pohľadu na umenie (tvorbu). 

Nelineárne procesy sú také deje, v ktorých aj tá najmenšia 

sila môže zohrať dôležitú úlohu (Motýlí efekt). 1 Vysoko komplexné 

(globálne) nelineárne procesy sa nedajú rozčleniť a pochopiť 

tak, že ich rozčleníme na jednotlivé súčasti a potom ich analyzujeme, 

akoby nezávisle na ostatných. Svet nepochopíme tak, 

že budeme jeho zložky vytrvale izolovať tak dlho, dokiaľ nespoznáme 

to, čo pokladáme za skutočne elementárne. Taký redukcionizmus 

je samozrejme len prvým priblížením k pravde, a aj 

keď nám môže poskytnúť veľa postrehov, je potrebné rozobrané 

kusy znova zložiť dokopy. Ide o predpoklad, že existuje obmedzený 

počet princípov, ktoré je možné rozpoznať, ak budeme 

veci študovať v ich prirodzenom stave (čo je analytický prístup) 

a potom tieto princípy pri väčšej komplikovanosti spojíme. 

Vedecká teória chaosu (veda o nelineárnych procesoch) hľadá 

pomerovú štruktúru. V akom vzťahu sú veľké detaily k malým. 

Pozoruje zložité vzťahy, jednoduché vzťahy a jednoduché systémy, 

keď ich zložitosť vzniká v nekončiacom procese. Pozoruje, 

kam sa proces dostal a v akom pomere sú v ňom jednotlivé 

procesy a predpokladá, kam sa vyvinie. 

Ak by som mal vyjadriť svoj príspevok 2 parafrázou Aloisa 

Riegla, tak môj slogan znie: Dejiny umenia ako prísna veda o náhode 

v chaose. 

Výtvarná tvorba je proces, pri ktorom sa na a do jedného 

výtvarného diela vlieva toľko vplyvov, že sa nikdy nedá presne 

určiť, ktorý je dominantný a určujúci. 

1 Lineárny proces je napríklad pohyb telesa, ktoré je uvedené do pohybu silou 

X a pohybuje sa po ideálnej rovine s odporom Y ľahko vypočítame akú dĺžku 

prejde. Ale ak v reálnom živote lopta (teleso) uvedené do pohybu sa kotúla po 

nerovnomernom trávniku a zákonite má vzduch v lopte inú teplotu ako vzduch 

tesne nad zemou a povrch lopty sa stlacil pri každom kontakte zo zemou a pritom 

stratil kinetickú energiu a vychýlil pohyb lopty je jasné, že ide o nelineárny 

dej. Nelineárny proces je aj pohyb mrakov alebo stúpajúci dym z cigarety. 



Y MARTIN VYBÍRAL 

MARTIN VYBÍRAL 

* Brno 

vybiral.martin@volny.cz 

Studium: Střední umělecko-průmyslová škola, Brno, FAMU Praha, katedra fotografi e 

Pedagogické působení na SŠUŘ od roku 1991, vedoucím oddělení Užitá fotografi e a média je zde od roku 1995. 

Člen sdružení Q. V osmdesátých letech působil jako fotograf v reklamní agentuře a tiskárně. V oblasti užité 

fotografi e spolupracuje s celou řadou reklamních agentur a vydavatelství, především pak s Památkovým ústavem 

v Brně a Moravskou galerií. 

Rozetmívání 11, černobílá fotografi e, 2007–2008 / Les, černobílá fotografi e, 2006 

U Svitavy, černobílá fotografi e, 1998 / Ještě jdu, černobílá fotografi e, 80. léta 

151 P 


a Cyklus Cyklotrasy 2004–2006, barevná fotografi e 

P 152 



Y MARTIN VYBÍRAL 

Exteritoriální dálnice A88, černobílá fotografi e, 2007–2008 / Na břehu, černobílá fotografi e, 1998 

Cyklus Krajina se zásahem, Dům u Svitavy, černobílá fotografi e, 1998 / Zámecká, černobílá fotografi e, 80. léta 

153 P 


PAVLA STRAKOŠOVÁ 

ŠPERK JAKO INDIVIDUUM 

P 154 

* Opava 

strakoskap@email.cz 

Absolventka Mistrovské školy uměleckého designu v Praze, obor Šperk, a Pedagogické fakulty Univerzity Karlovy, 

obor Učitelství pro ZŠ, SŠ a ZUŠ. Věnuje se šperkařské a fotografi cké tvorbě, restaurování kamene a omítek 

a působí v pasířské fi rmě. 

Význam šperku a jeho nošení se v dnešní době řídí 

obecným trendem posunu k individualismu. 

Nemusí již být nutně klenotem (tzn. vyroben 

z drahých kovů atd.), a tím dokládat společenské 

a majetkové postavení majitele. 

Lidé mají rádi něco, co je vyjadřuje... osobní předmět, 

ikona, fetiš... Šperk se pro mne stává tímto 

významným předmětem. Zdobná funkce může být 

přítomna, ale je potlačena. Převládá vztah k majiteli. 

Možnost s předmětem soužít, hrát si s ním, 

nebo ho jen držet v ruce, či nosit v kapse. 

Používám nové materiály, 

základem je vždy drahý kov. 

a Točit dokola. Prsten s pohybujícími se kameny. Stříbro, křemen. 2008 



Y PAVLA STRAKOŠOVÁ 

Miki a spol. Prsteny. Stříbro, syntetická pryskyřice. 2005 / Pocket friend. Osobní předměty s haptickým charakterem. Stříbro, 2007 

Svítící šperk. Stříbro, elektroinstalační materiál, PVC. 2008 

155 P 


PAVEL STRAKOŠ 

VÁLENÍ 

a Soubor Válení, 2006, nerezový plech 50 x 50 cm 

P 156 

* Šumperk 

pasir@volny.cz 

Vyučen v oboru Pasíř na Odborném učilišti Olomouc, absolvent Sklářské průmyslové školy Kamenický Šenov, obor 

Konstrukce a tvorba svítidel a Institutu sochařství Slezské univerzity v Polském Těšíně. Působil v konzervátorské 

dílně Slezského zemského muzea. Vyučoval základy konzervace kovů na Slezské univerzitě v Opavě. Spolupracuje 

s architekty a výtvarníky. Vede vlastní fi rmu Pasířství Pavel Strakoš. 



Y PAVEL STRAKOŠ 

a Prsten a variabilní závěsný šperk, stříbro, ocelové lanko 

157 P 


LADISLAV JEZBERA 

CO ZÁLEŽÍ NA TOM, KDO MLUVÍ? 

Co záleží na tom, kdo mluví? (2006) instalace, polyetylénové 

vaky, dech zúčastněných 

It is not important, who is speaking? (2006) instalation, polyetylene 

bags, breath of participans 

Co záleží na tom, kdo mluví? Otázka vyřčená Michelem Foucaltem 

na zasedání Francouzské fi losofi cké společnosti 22. února 

1969. 

Foucault polemizuje nad základní otázkou o roli autora především 

v souvislosti s psaným textem a mluveným slovem. Má 

úvaha vychází z možnosti přenositelnosti těchto tvrzení do 

všeobecných sfér, kde je více nebo méně podstatná či přítomná 

funkce autora. Proto vztahuji tato tvrzení také do sféry 

výtvarného umění, do sféry, ve které se pohybuji a která je 

mi nejbližší. Není podstatné, konstatujeme-li, že autor zmizel, 

ale je třeba označit jako prázdné místo – lhostejné i naléhavé 

– ony prostory, v nichž dochází k výkonu jeho funkce. Autor 

je nepochybně tím, komu lze přičíst to, co bylo řečeno a napsáno. 

Avšak přiřčení i tehdy, když jde o známého autora, 

představuje výsledek složitých kritických a málokdy ospravedlnitelných 

operací. Výsledný opus provázejí nejistoty. Pokusil 

jsem se sám dobrovolně jakoby ustoupit z role autora. Vytvořil 

jsem projekt, při kterém jsou autory všichni oslovení aktéři. 

Okruh jsem zformoval z oslovených umělců, teoretiků umění 

a fi losofů zabývajících se výtvarným uměním. Úkolem každého 

bylo nafouknout vždy identický plastový vak a uchovat tak svůj 

dech. Způsob, jakým úkon provedl, byl zcela v relaci zúčastněného. 

Dech, nutný činitel verbální komunikace, tak zůstane 

zakonzervovaný včetně subtilní fyzické přítomnosti v drobných 

kapičkách vysrážených na stěnách vaků. Každá jednotlivá část 

si tak v sobě uchová jedinečnost každého zúčastněného. Každá 

je také svébytnou podobou legendární Kondenzační kostky 

(1963) Hanse Haackeho, jehož si dovolím citovat na závěr: 

Neexistují přece žádní umělci imunní vůči působení sociopolitického 

systému hodnot, platného ve společnosti, v níž 

žijí a na jejíž kulturní potenci se podílejí; to, zda o tomto tlaku 

vědí, nehraje roli. 

P 158 

* 29. 12. 1976, Hořice v Podkrkonoší 

jezberal@seznam.cz 

Vystudoval Střední průmyslovou školu kamenickou a sochařskou (Hořice v Podkrkonoší), Fakultu výtvarných 

umění, VUT Brno: Ateliér socha – prostor – instalace, Doc. Jan Ambrůz a Ateliér sochařství, Prof. Vladimír Preclík. 

Pedagogická činnost: Střední umělecká škola grafi cká a Vyšší odborná škola grafi cká v Jihlavě a Střední škola 

uměleckých řemesel – Vyšší restaurátorská škola v Brně 

Samostatně vystavuje od roku 2000. Zúčastnil se sympozií Současné umění veřejném prostoru (Hodonín 

2000), Istroart 98 (Vysoká škola výtvarných umení, Bratislava) a STATEK 01 (Pštrosí farma, Černín 2007, autor 

projektu). 

Ocenění: Fondazione Arnaldo Pomodoro (Miláno, Itálie 2006), Cena rektora Vysokého učení technického v Brně 

(2001) a Cena děkana Fakulty výtvarných umění – VUT v Brně (1997). Autorem několika realizací ve veřejném 

prostoru, významně publikuje v odborných periodikách. 

a Co záleží na tom, kdo mluví? (2006) instalace, polyetylénové vaky, 

dech zúčastněných 



Y LADISLAV JEZBERA 

Haken-jang (2002), instalace, mýdlo, 540 x 380 cm 

Zlatá žíla (2002), instalace, polyetylénová folie, kravská moč – 

3500 x 100 cm 

Asfaltoví holubi (2000), asfalt, laminát 3 x (průměr 185 cm) 

Bez názvu (2001), instalace, tekuté mýdlo, polyetylénová folie – 

3 x (1000 x 100) cm 

159 P 


LUKÁŠ PEVNÝ 

STICKERKY 

P 160 

Grafi k a mimochodem učitel Písma na SŠUD v Brně 

* 1980 Kroměříž 

lukas@pevny.net 

ADBUSTERS V BRNĚ 

Tato akce proběhla ve veřejném prostoru města Brna začátkem roku 2007. Byla jakousi poctou kanadských Adbusters Media 

Foundation (protireklamní aktivisté). Jednalo se o lepení zhruba třiceti druhů stickerek, na nichž byla slovně či obrazově pozměněná 

loga různých známých fi rem. 



Y LUKÁŠ PEVNÝ 

FINANČNÍ PORADENSTVÍ 

Stickerky českých bankovek všech hodnot jste mohli spatřit v ulicích Brna od září roku 2007. Nejčastěji byly lepeny v blízkosti bank 

a jiných fi nančních institucí. Osobnosti vyobrazené na bankovkách měly u úst komiksovou bublinu s citací, která se nějak dotýká 

jejich vztahu k materiálním hodnotám. 

161 P 


BARBORA LUNGOVÁ 

K MÉMU VÝTVARNÉMU 

MIMOCHODEM 

Můj mimochodný příspěvek v této publikaci se týká mé grafi ky. 

Díky různorodosti nebo snad až rozpolcenosti svých aktivit bych 

mohla říct, že vše dělám naplno či naopak v horším případě 

mimochodem, ale od toho jsou jiní, aby toto posoudili. Snažím 

se navenek prezentovat jako umělkyně a kurátorka, která mimochodem 

učí na škole, kde vystudovala umění, jazyk, a týrá 

své bývalé spolužáky testy a vysokými nároky na docházku. Na 

druhé straně, pořád mám trochu problém s tím, cele se přihlá- 

a Na dvoře. Sítotisk, A 1, 1/15, 2005 

P 162 

Studia: 2002 – FFMU v Brně – anglistika/fi lmová věda 

2006 – FaVU VUT Brno – malba 

Stáže: 1995 – Crossroads School for Arts and Sciences, Santa Monica, California 

2003 – Winchester School of Art, UK 

Malířka, kurátorka, překladatelka, vyučuje jazykům 

a Haluzice (sítotisk). Sítotisk, 100 x 70 cm, 1/15, 2006 

sit ke své umělecké identitě a při příležitosti, kdy jsem nějakým 

zástupcem ofi ciálního orgánu (třeba OSSZ, VZP atd.) tázána 

na mé povolání, odpovím – vyučující jazyka a překladatel. Takže 

učitelka? Nic mi nezní hůř. Je to přitom naše rodinná anamnéza. 

Proto ostatně např. v jazykových agenturách existují eufemismy: 

neříká se učitel, ale vyučující (v akademickém prostředí pedagog). 

Neříká se hodina, ale výuka. 

Na druhé straně, to, že mám vlastně aktivity na třech čtyřech 

frontách, mi umožňuje odstup a nezávislost, nebo aspoň částečnou 

nezávislost. 

Ale zpět k mému výtvarnému mimochodem. Jsem bytostný 

malíř, nic jiného neumím, i když jsem vše zkoušela. Chvilku jsem 



Y BARBORA LUNGOVÁ 

a Typicka mizanscéna. 

byla na stáži na designu, to bylo ale utrpení – jak pro mě, tak asi i pro pana 

magistra Houfa. Nad mýma fotkama se příslušníci mé rodiny vždycky smějí. Obzvláště, 

když přijde řeč na to, že jsem absolvovala Fotku I, Fotku II i Fotku III. 

Video jsem ráda, když se mi podaří na kompu spustit, natož pak nějaké natáčet. 

Ale grafi ka – konkrétně litografi e a hlavně sítotisk – je jediné médium, které je 

pro mě zajímavé a ve kterém cítím, že mohu vytvářet pro mě stejně zajímavé věci, 

jako v malbě. 

Na stáži na grafi ce jsem u Margity Titlové strávila tři semestry, a to v mém 

magisterském studiu. K sítotisku jsem přičichla již na stáži ve Winchesteru, kde 

jsem tiskla hlavně interiéry svého privátu – typicky anglické, a jelikož bylo hodně 

nepovedeného odpadu, malovala jsem pak do nich kvašem a kreslila fi gurální 

motivy. Naopak u Margity jsem se zabývala pouze fi gurálními motivy a jednou 

krajinou, která mi trvala vytisknout celý týden nebo snad i déle, protože má 16 

barev. 

Pro kolekci v této knize přikládám jedno dílo z Winchesteru, jednu fi gurální věc 

a bazén z období stáže na grafi ce a jeden obraz. 

a Artist’s Shit (Or, the Apotheosis of Paining, or, Blue Cobalt), sítotisk, tuš, tužka, tempera, 

70 x 50 cm, 2003 

163 P 


MARKÉTA MATĚJKOVÁ 

P 164 

Středoškolská učitelka českého jazyka a literatury a dějin umění, herečka a manažerka 

brněnského divadelního souboru Čára, příležitostná básnířka. 

Studia: Slezská univerzita v Opavě, Filozofi cko-přírodovědecká fakulta, obor česká literatura; 

FF MU Brno, obor český jazyk a literatura – dějiny umění. 

V současné době na mateřské dovolené. 

Autorkou textů je Markéta Matějková, koláž vytvořil Václav Matějka. 

* 17.2.1976, Olomouc 

mrkmatous@tiscali.cz 



Y MARKÉTA MATĚJKOVÁ 

165 P 


P 166 



Y JAN KLIMEŠ 

JAN KLIMEŠ 

TANDEM 

a Tandem, 2007, kombinovaná technika, 110x217x55 cm; sbírka Mr. & Mrs.Ceretti v Londýně 

* Brno 

klimes.jan@gmx. net 

Absolvent Fakulty výtvarných umění VUT v Brně, v letech 2005–2007 odborný pedagog Střední školy umění 

a designu a Vyšší odborné školy restaurátorské v Brně, od roku 2007 ilustrátorská činnost. Zastoupení ve sbírkách: 

Národní galerie v Praze, Mr. and Mrs. Ceretti v Londýně. Samostatně vystavuje od roku 2007. 

167 P 


a Lucia, 2008, olej na sololitu, 160x200 cm 

P 168 

a Plachetní loď na motivy Námořní ódy Fernanda Pessoy, 2004, 

kombinovaná technika, 135x33x75 cm; sbírka NG v Praze 



Y JAKUB LIPAVSKÝ 

JAKUB LIPAVSKÝ 

UKÁZKY Z TVORBY J. L. 2005–2008 

* 2. 11. 1976 Praha 

Sochař a restaurátor, absolvent Akademie výtvarných umění v Praze, 2002 stáž na Kunstakademie Stuttgart; 

žije a pracuje na Karlštejně u Prahy. 

169 P 


P 170 



Y TABEA KIEßLING 

TABEA KIEßLING 

COLLAGE 

Studentka Institutu výtvarné pedagogiky Univerzity Leipzig 

(Institut für Kunstpädagogik der Universität Leipzig). 

* Borna 

tabea.kiessling@gmx.de 

The appearance of a city is built up by a multiplicity of various fragments: architecture, publicity, working sites, graffi ti, traffi c... This 

appearance is changing constantly – a process which is noticed rather by the way in everyday life. To point out to this process is 

the intention of this collage. 

a Weißenfelser; koláž; barevný papír, fólie, stavební výkresy; 33 x 41 cm 

171 P 


Bahnhofstr.; koláž; průsvitný papír, pečící papír, lepenka, lepicí páska, barevný papír; 30 x 40 cm 

Buchfi nkenweg; koláž; fólie, barevný papír; 36 x 30 cm 

Landsberger Str.; koláž; obalový materiál, plakáty, lepenka, barevný papír, lepicí páska; 30 x 20 cm 

Industriestr.; koláž; stavební výkres, průsvitný papír, barevný papír; 22 x 26 cm 

P 172 

Markranstädter; koláž; obalový materiál, lepenka, barevný papír, pečící papír; 65 x 65 cm 

Georg-Schuman-Str.; koláž; obalový materiál, lepenka, barevný papír, pečící papír; 70 x 45 cm 

Roßstr.; koláž; barevný papír; 21 x 18 cm 



Y TABEA KIEßLING 

173 P 


BLANKA RUŽIČKOVÁ 

POSBÍRANÉ, ZDĚDĚNÉ ČI NALEZENÉ 

P 174 

* 1943 Brno 

ruzickova@ped.muni.cz 

1968 VŠUP Praha. Uspořádala 11 samostatných výstav, 30 účastí na skupinových výstavách, doma a v zahraničí 

(Rakousko, Francie, Polsko, Estonsko, Litva, Německo), organizátorka 5 ročníků Symposia Papír a 8 ročníků studentských 

soutěží Fenomén kniha. Zastoupena ve sbírkách MG Brno. Věnuje se kresbě, textilu, pracím z papíru. 

Členka TT klubu. Žije a pracuje v Brně. 

Mimochodem: S popiskami mých prací je to špatné, pro mě jsou to jakési záznamy v plynoucím čase, většinou se týkají mě osobně, 

nebo mých blízkých osob rodinných i přátelských… jsem vychována generací, která prošla dvěma válkami a dalšími následnými 

nešťastnými roky, generací, která žila o strachu a nouzi, stále šetřila a přechovávala věci, co kdyby se někdy na něco hodily… šaty 

na přešití, křivé hřebíky, písemnosti a doklady a fotografi e o šťastných letech, o nešťastných letech… zajímavé výstřižky (ke kterým 

se nikdy neměla čas vrátit)… kuchařské recepty psané na okrajích novin… 

a Práce z let 1997–2008, výběr z cyklů Do mokra, Sladkosti, Vzkazy, Záznamy. 



Y BLANKA RŮŽIČKOVÁ 

175 P 


a tak já se snad chovám stejně… schraňuji kresby, korespondenci, 

poznámky na útržcích papíru, vzkazy dětem… zvláštní 

zálibu mám v rukopisech, těch nejvlastnějších výtvarných, 

soukromých projevech… 

a tak posbírané, zděděné či nalezené postupně zpracovávám 

a přiřazuji do svých vzpomínek, jsem vlastně sběratel, nevymýšlím, 

nacházím, připomínám… občas doplňuji textem autora, který 

mě zaujal, který uměl říci něco podstatného lépe než já… 

občas je mi spíláno, že je moje tvorba lyrická, no ano, vzpomínky 

jsou už takové… na to špatné rádi zapomínáme… 

jsou to věci, které vlastně mají vypovídací cenu jen pro mě… 

snad jsem se tak vyrovnala v čase na dálku s matkou a otcem, 

…ale mohou být snad návodem, jak se vypořádat s podobnou 

sběratelskou obsesí… 

poslední komorní výstava byla v cukrárně (2007), nazvaná 

Čas sladkosti, inspirovaná kuchařskými recepty z pozůstalosti 

mé matky jako reminiscence na čas dětství… 

P 176 

28. 9. 2008 



Y TOMÁŠ RYBNÍČEK 

TOMÁŠ RYBNÍČEK 

CESTA LESEM 

a Z cyklu Les, 2007, tisk z výšky, papír, 50x70 cm 

absolvent Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity, student Fakulty výtvarných umění VUT v Brně, 

vyučuje technologii a keramickou výrobu na SOU tradičních řemesel a VOŠ Brno. 

„Více najdeš v lesích než v knihách. Dřevo a kámen tě naučí, co od učitele slyšet nemůžeš.“ 

Sv. Bernard z Clairvaux 

* Brno 

tomas.rybnicek@gmail.com 

177 P 


a Z cyklu Les, 2007, tisk z výšky, papír, 50x70 cm 

a Cesta lesem, 2007, autorská kniha ve třech exemplářích, 10x14 cm 

P 178 



Y ONDŘEJ NAVRÁTIL 

ONDR ˇEJ NAVRÁTIL 

KONTRAST 

výtvarník, učitel 

člen uměleckého sdružení Rasvád 

Letmé doteky a tahy širokého štětce na plátně. Dramatické 

abstraktní malířské gesto. 

Pečlivá popisná nekonečně trpělivá kresba. Pseudovědecký 

záznam. 

Na švu těchto dvou protikladných pólů vznikaly mé obrazy. 

Myšlenka prožitku a atmosféry monumentální expresivní 

malby, vyjádřená prostřednictvím vyšívaného detailu. 

* 8. 8. 1980 Vsetín 

ondran@seznam.cz 

Perem a tuží jsem na plátno zakresloval stopy štětce, přidáváním 

a vrstvením napodoboval proces tvorby až k fi nální představě 

expresivní malby. Později jsem pero a tuž vyměnil za tenký štětec 

a šeps, barvy. Na režné plátno jsem nejdříve šepsem zakreslil 

podkladovou vrstvu, přes ni barvami zaznamenal malbu… 

Jednou z cest, jak znova a nově uvidět věci, které už vnímáme jen 

mimochodem, je jejich vložení do nových souvislostí. Slučování 

nesouvisejících hodnot. Kontrast jitřící pozornost a mysl. 

179 P 


P 180 



Y KLÁRA POPELKOVÁ 

KLÁRA POPELKOVÁ 

KNIHY KLÁRY POPELKOVÉ 

a Ilustrace ke knize Ivana Vyskočila Malý Alenáš 

studia 

1994–1998 SUPŠ Uherské Hradiště, obor keramika 

1998–2004 Ostravská univerzita, Pedagogická fakulta, obor grafi ka (E. Ovčáček, E. Čabalová) 

* 1979 

klara.popelka@email.cz 

praxe 

od 2003 SUPŠ Uherské Hradiště, odborná učitelka oboru Grafi ka 

od 2007 praktické i teoretické workshopy v oblasti knižní vazby a autorské knihy, kurzy serigrafi e pro studenty 

oboru grafi cký design Univerzity Tomáše Bati ve Zlíně a další, nejen výtvarné kurzy pro děti i dospělé 

...mimochodem, jen tak pro radost, tvořím v dalších oblastech, jako je malba na hedvábí, grafi ka, ilustrace, 

knižní vazba či autorská kniha. Baví mne zútulňovat si svůj byt; jsem milovnicí psů, hlavně své foxteriéří 

slečny Foxi; též Anglie, čajů, knih, galerií a lidí... 

181 P 


a Babiččiny nákupy – soubor 4 autorských knih, technika: variace na křížovou vazbu, papír, kůže, sítotisk 

P 182 



Y ZUZANA STRAKOŠOVÁ & DRAHOMÍR NANTL 

ZUZANA STRAKOŠOVÁ & DRAHOMÍR NANTL 

Masarykova univerzita 

Pedagogická fakulta / Katedra výtvarné výchovy 

VYUŽITÍ GRAFICKÝCH TECHNIK 

K POVRCHOVÉ ÚPRAVĚ NÁBYTKU 

MZLU v Brně 

Lesnická a dřevařská fakulta / Ústav nábytku, designu a bydlení 

V současné době dochází na poli designu k renesanci grafi ckých 

technik. V nábytkářském průmyslu se tak naskýtá možnost 

jejich využití v tradičních i experimentálních podobách k vytvoření 

inovativního a netradičního pojetí povrchové úpravy nábytku. 

Naše práce spočívá v experimentálním zkoumání možnosti 

využití tradiční grafi cké techniky tisku z výšky na vzorky dýh za 

použití plošného hydraulického lisu. 

V dnešní době, kdy nabídka převyšuje poptávku, je estetická 

úroveň vedle ceny produktu jedním z hlavních činitelů, které rozhodují 

o zájmu potencionálního zákazníka o daný výrobek. 

Tento defi cit v odbytu nenastává jen v nábytkářském průmyslu, 

ale ve všech průmyslových odvětvích a je tedy nutností 

posunout výrazové pojetí, používané materiály i samotný design 

dalším méně či více probádaným směrem a vytvořit tak nové 

možnosti pohledu na současné návrhářství nábytku. 

GRAFICKÉ TECHNIKY VYUŽITELNÉ K TISKU 

NA DÝHY: TECHNIKY TISKU Z VÝŠKY 

Nejvhodnějším způsobem využití klasické grafi ky pro potisk 

průmyslových materiálů na výrobu nábytku se zdá být tisk z výšky. 

Tento způsob skýtá nesčetné množství technologických variací, 

které lze prohlubovat a zkoumat. Důležitým předpokladem 

pro tento rozvoj je praktická znalost grafi ky. V zásadě se dá vy- 

a Tisk na dýhu – topol 

strakosova.zuzana@seznam.cz 

d.nantl@seznam.cz 

cházet z většiny grafi ckých technik z výšky (dřevořez, dřevoryt, 

linoryt, linořez atp.) a využití experimentálních způsobů tisku, 

např. papírořez, tisk z šablon různých materiálů nebo kombinace 

výše uvedených technik. 

Pokud se týče grafi ckých technik z hloubky, bude využití 

pravděpodobně složitější, jelikož se jedná o velmi jemné grafi cké 

produkty, které vyžadují vysokou tvárnost a vlhčení materiálu, 

na který tiskneme. Přes tyto nevýhody však techniky z hloubky 

skýtají oproti tisku z výšky i svá pozitiva. Nejvýraznějším z nich 

183 P 


a Tisk na dýhu – olše 

je zejména vyšší trvanlivost matric, které jsou využívány k tisku. 

V rámci této kapitoly je nutné udělat četné zkoušky, které ukážou 

možnosti využití technik z hloubky. Plánované techniky pro 

využití jsou zejména suchá jehla, popř. lept nebo akvatinta. 

Využití technik z plochy zvažujeme z toho důvodu, že se jedná 

o techniky umožňující práci s vysokými náklady tisku při nižších 

fi nančních nákladech. Jedná se o ofsetový tisk, popřípadě sítotisk. 

Tyto techniky by mohly posunout fi nální výrobek do sféry 

velkonákladové, komerční výroby nábytku, avšak na úkor charakteristického 

rukopisu, který se odráží v citlivém výtvarném 

přístupu a ručním tisku jednotlivých kusů. 

Tisky v obrazové příloze byly vytvořeny technikou papírořezu 

za použití šesti druhů dřevin (buk, jasan, topol, javor, olše smrk) 

o rozměru 500 x 350 mm, tl. 0,6 mm. Vlhkost použitých dřevin 

se pohybovala v rozmezí 8–10 %, tj. vlhkost nábytku, který se 

vyrábí do interiéru. K tisku byl využit hydraulický plošný lis s nastavitelnou 

teplotou a tlakem. Tento způsob tisku je jen jednou 

z celé škály možností využití grafi ckých technik. V tomto případě 

jde o zkušební vzorky, které nejsou navrhnuty přímo pro konkrétní 

fi nální výrobek. Jedná se o experimentální tisk, po kterém 

následují návrhy určené přímo na designově zpracovaný nábytkový 

solitér. V současné době se většina grafi ckých technik ani 

technologických postupů v nábytkářství nepoužívá, jde tedy 

o neprobádané pole skýtající mnoho možností. Myslíme si, že 

využití zmiňovaných technik může být pro současný design přínosem, 

může přinést zajímavé tvarosloví a výrazové prostředky, 

které poskytnou novou volbu potencionálním zákazníkům, ale 

také rozšíří možnosti návrhářům nábytku. 

P 184 

a Tisk na dýhu – olše 



Y BARBORA SVÁTKOVÁ 

BARBORA SVÁTKOVÁ 

K PŮLNOČNÍM PTÁKŮM 

* Brno 

barborasvatkova@gmail.com 

Od pěti let chce být malířkou, absolventka Pedagogické fakulty Masarykovy univerzity, Fakulty výtvarných umění 

VUT v Brně, v doktorském studiu na PdF MU pracuje na disertační práci s tématem galerijních animací, od roku 

2005 vede projekt galerijních animací studentů Katedry výtvarné výchovy PdF MU, je lektorkou Muzea města Brna 

na hradě Špilberk. Člen uměleckého sdružení Rasvád. 

Mimochodem jsou obrazy. Obrazy s malým o. Běžné – ale zjevení. Někdy dělám, že je nevidím. Přehlížím, spěchám. 

Naštěstí mě zastaví. 

Since the age of fi ve she wanted to be a painter, graduated from the Faculty of Education of the MU Brno and 

from the Faculty of Fine Art of the VUT Brno, the topic of her PhD thesis (postgraduate studies at the PdF MU) 

is gallery education, since 2005 manages project of gallery animations of students from the Department of Art 

of the Faculty of Education of Masaryk University, she works as a lector at the Brno City Museum at the Spilberk 

Castle. Member of the Rasvád art group. 

By the way are paintings. Paintings beginning with a small p. Common - but like an apparition. Sometimes 

I pretend I don’t see them. I overlook them, I’m in hurry. Fortunately they make me stop. 

Bez názvu (k Půlnočním ptákům Edwarda Hoppera) / Untitled (to Edward Hopper’s Nighthawks) 

olej na plexiskle, 80 x 143 cm, 2003 / oil on plexiglass, 80 x 143 cm, 2003 

Obraz Půlnoční ptáci namaloval Edward Hopper v roce 1942. Namalovala jsem Půlnoční ptáky na vyřazené plexisklo ze dvora fakulty architektury v roce 2003. 

Nighthawks was painted by Edward Hopper in 1942. I painted Nighthawks on discarded plexiglass found in the yard of the Faculty of Architecture in 2003. 

185 P 


P 186 

Z cyklu Větší zátiší, olej na plátně, 140 × 91 cm, 2008/2009 

From the cycle Bigger still lifes, oil on canvas, 140 × 91 cm, 2008/2009 

Důvodů k obrazu bývá víc. Někdy zná malíř letmou souvislost, proč namaloval určitý 

obraz. Cestu ve vědomí zopakovat nelze. Ústí do obrazu. 

Chtěla jsem JEN MALOVAT. 

There are more reasons for the image. Sometimes painter knowns the context why 

he has painted that picture. You can not repeat the journey of your knowledge 

completaly. It leads into the picture. 

I wanted JUST TO PAINT. 

Bez názvu, olej na sololitu, 33 × 44 cm, 2007 

Untitled, oil on fi breboard, 33 × 44 cm, 2007 



Y BARBORA SVÁTKOVÁ 

Objekt / Object 

rostlinný materiál, měděný drátek a nit, výška cca 100 cm, 2008 / plant material, copper wire and yarn, about 100 cm high, 2008 

Červeně rozpuklá granátová jablka. Zelené a modré fíky. Olivovníky. A především plantáže banánovníků s obrovskými lehkými listy, které ve větru jemně klapou. 

Objekty z nezvyklých rostlinných materiálů připomínající ohromné zvířecí kůže brzy začaly zabydlovat a tvarovat prostor zahrady. (Vytvořeno na letní akademii Cyprus 

College of Art 2008, Kypr) 

Red bursting pomegranates. Green and blue fi gs. Olive trees. And above all, plantations of banana trees with giant light leaves, clapping slightly in the wind. Objects 

made of unusual plant materials resembling huge animal skins quickly started populating and shaping the garden... (Created at the Cyprus Summer Studio 2008 

held by the Cyprus College of Art) 

187 P 


HRADNÍ ANIMACE NA ŠPILBERKU 

představuje ojedinělý projekt pedagogické praxe studentů Katedry výtvarné výchovy PdF MU. Studenti tvoří a testují v rámci své pedagogické 

praxe ojedinělý návrh, nový typ galerijně a muzejně pedagogického projektu tzv. hradní animace, který slouží jako interaktivní 

prohlídka zaměřená k prostředí hradu Špilberku. Nový formát tzv. hradní animace vychází z mezioborových vztahů současné výtvarné 

edukace a dotýká se průřezových témat rámcových vzdělávacích programů. 

ANIMATION IN ŠPILBERK CASTLE 

represents a unique project of students pedagogical practice at the Department of Art education within the Faculty of Education of 

Masaryk University. Students are creating and working in frame of their pedagogical practice on unique design, a new type of gallery and 

museum education project called castle animation, which is serving as an interactive tour devoted to Špilberk castle as a part of their 

educational experience. This new format of the castle animation is based on inter-relationships of art education and cross-cutting issues 

affecting the framework educational programs. 

Hradní animace, Špilberk, Brno, 23.1. 2009 

Účastníci: aranžéři ze SOŠ a SOU obchodní, Brno s vyučujícím P. Kovářem, host J. Sláma. Animaci vedli: L. Břízová, S. Havlík, T. Javůrek, L. Kajanovičová, E. Klocová, H. 

Kubínová, T. Rybníček, J. Semotamová (studenti Katedry výtvarné výchovy PdF MU) a B. Svátková. Foto: E. Klocová, P. Kovář, B. Svátková 

Animation in Špilberk castle, Brno, 23.1. 2009 

Participants: arrangers of Secondary high school of business in Brno with teacher P. Kovář, guest J. Sláma. Leadership by L. Břízová, S. Havlík, T. Javůrek, L. Kajanovičová, E. 

Klocová, H. Kubínová, T. Rybníček, J. Semotamová (students from the Department of Art, PdF MU) and B. Svátková. Photo by E. Klocová, P. Kovář, B. Svátková 

P 188 



ANOTACE 

Obrazově textová kolekce výtvarných projektů, myšlenek a konceptů studentů a absolventů doktorského studijního programu na 

Katedře výtvarné výchovy PdF MU, odborných hostů a zahraničních kolegů. Tématem publikace je tvůrčí integrita výtvarníka – učitele 

(autora) skrytá za výrazem mimochodem. Drobné nebo závažné aspekty osobnosti, které tvoří kontinuitu jejího projevu. Leitmotiv 

výtvarně pedagogické monografi e mimochodem zachycuje aktuální výstupy nepřetržitého vnitřního děje v podobě nepatrných úvah 

stejně jako realizovaných projektů. Často se skryté záměry nebo i hlavní důvody toho proč všechno děláme, tak trochu zatajované 

a tak trochu neuvědomované, projeví v jediném podotknutí… toto mimochodem však vysvětluje a dává pochopit celý osobní vesmír 

člověka a jeho tvorby. 

Publikační projekt rozšiřují internetové stránky http://www.bytheway.org.uk, kde jsou postupně uveřejňovány překlady do českého 

jazyka a rozšiřující fotogalerie reprodukcí výtvarných prací zúčastněných autorů. 

RÉSUMÉ 

Text and photo collections of the art projects, thoughts and concepts of the students and graduates of the Doctoral Degree Programme 

at Department of Art of Faculty of Education of Masaryk University, expert guests and foreign specialists in the Art Education. 

The monograph aims at the artist’s/educator’s own creative integrity hidden behind the term by the way. Tiny or heavy aspects of 

the personality that create the continuity of its expression. Leitmotiv of the publication – by the way – mediates topical outputs (the 

imperceptible refl exions as well as the realised projects) of the continuous internal stories (inner events). Some hidden intentions, 

possibly the main reasons of all our making (a bit secret and a bit unsuspected) are often shown in one single remark. This by the 

way explains and lets us understand the whole personal universe. 

Editorial project is enriched by its own website http://www.bytheway.org.uk. 

189 P 


RECENZE 

... Toto členění evokuje podobnou triádu, která zazněla v úvodním 

příspěvku na konferenci Umění ve výchově, prevenci a expresivní 

terapii (Plzeň, květen 2008) a kterou bych na tomto místě 

rád připomněl. Pokusím se s její pomocí představit zřejmě méně 

metaforickou, ale možná praktičtější základnu pro uvažování o typech 

d/obyvatelů světa umění, a umístit je do oblastí, na něž je 

členěno Mimochodem. Část dedikovaná Vesmírům by nejspíše 

odpovídala světu obývanému umělcem a refl ektovanému převážně 

prostřednictvím tvorby samé. Část věnovaná Sadům by snad 

mohla rezonovat s oblastí, v níž umění funguje jako služba, obývané 

učitelem a terapeutem, v níž plní umění funkci prostředku 

výchovy a terapie. Přičemž klíčovým se stává hledání vztahu mezi 

subjektivně uznávanými a socio-kulturně sdílenými hodnotami. 

Tvory bychom mohli identifi kovat jako osoby, pro něž se umění 

stává předmětem analýzy a interpretace. Umělecké dílo chytají 

do sítě pojmů, splétanou pramínky logického kontextu a látanou 

ostřím významů. 

... Jakou má tedy cenu mrhat čtenářovou pozorností nabídkou 

třídění, které mu nepomůže ve sborníku se vyznat? Jestliže 

si vyložíme editorčinu intenci jako záměrné ztížení orientace 

a potlačení logiky kontextu, ve prospěch percepčního celku, 

můžeme se oddat hře. V ní máme možnost rekontextualizovat 

příspěvky podle klíče, který sami vytvoříme. Jeden takový jsem 

se pokusil nabídnout. Ale ani potom se nevyhneme riziku, že 

mnoho z otištěných příspěvků podle něj zkrátka zařadit nepůjde, 

protože jsou ode všeho kousek. 

... Pokud koncepce nekonkrétní didaktiky ve svém rámci 

neumožní poučený a argumentovatelný návrat k uměleckému 

zážitku jako prostředku výchovy a vzdělávání, a neumožní ani 

hodnocení práce učitele, ztrácí důležitý nástroj, kterým didaktika 

musí být vybavena. Už proto, aby mohla formulovat nějaké 

soudy, udržet společné pole diskurzu a profi lovat se jako 

svébytný obor. 

Jestliže tedy pojem nekonkrétní didaktika není v textu vůbec 

vysvětlen, může se stát předmětem kritického vysvětlování 

zvenku, ze strany jiných oborů. Třeba jako neuchopitelná, neviditelná 

a jazykem nevysvětlitelná didaktika. Což by znamenalo 

problém, protože by se těžko hledaly dost silné argumenty pro 

to, co konkrétního ve vzdělávání obor nabízí. Jsem si samozřejmě 

vědom, že koncepce sborníku je zaměřena jiným směrem, 

ale přesto musí počítat s širším pedagogickým kontextem, do 

kterého vstupuje. 

Ale zpět na zem a hlavně k recenzované kolekci. Na závěr 

putování můžeme zrekapitulovat: sborník skrývá bohatý 

labyrint příspěvků různé úrovně, zprostředkovaných různými 

komunikačními kanály. Cesta k němu a v něm vyžaduje kus 

odvahy a trpělivosti, ale může vést k setkání se zajímavými 

obyvateli jeho světa. Proto doufám, že si svého návštěvníka 

najde. Byla by přece škoda, aby se jím kolemjdoucí zabývali 

jen tak, mimochodem... 

(z recenzního posudku) 

P 190 

Mgr. Jindřich Lukavský, 

Plzeň 7. 3. 2009 

... Knihu, respektive obrazově textovou kolekci Mimochodem 

/ By the way, není úplně snadné poměřovat běžnými kritérii 

hodnocení odborných publikací. Co ji standardu odlišuje snad 

nejvýrazněji, je moment záměrného potlačení jasně vymezené- 

ho autorství ve smyslu jednotné intence či dikce procházející 

napříč celým textem. V případě Mimochodem / By the way se 

tým koordinátorek (editorek) projektu vedený Ludmilou Fidlerovou 

naopak rozhodl zdůraznit mnohohlasí, jímž jen jakoby 

mimochodem prochází jednotící myšlenka. 

... Ta není formulována jako soubor pouček a pravidel k osvojení 

a následné praktické aplikaci. Je to spíše soubor výpovědí 

o osobních zkušenostech osob, které se pohybují na pomezí 

polí umělecké tvorby a výtvarné pedagogiky. Je nasnadě, 

že nekonkrétní didaktika v tomto případě není formulována ani 

tak prostřednictvím artikulace nějakého uceleného myšlenkového 

systému, jako spíše výběrem jednotlivých mluvčích (přispěvatelů), 

kteří dohromady zakládají její diskurs. 

... Název publikace má odkazovat k tomu, že motivace našeho 

jednání jsou často ne zcela přístupné vědomé sféře našeho 

myšlení. Právě umělecká tvorba a psaní o ní jsou prostředky 

refl exe a odhalování ne zcela uvědomovaných motivací. Fidlerová 

v předmluvě publikace za (či nad) tyto více či méně skryté 

motivy klade obecnější svorník: tím jsou univerzální schopnosti 

tvořivé síly. Právě tvořivost je klíčovým tématem řady příspěvků, 

včetně toho úvodního od profesora Kennetha Haye z Leedsu. 

Zaměření se na konkrétní výstupy práce, konkrétní zkušenosti, 

ukázání tvořivosti namísto jejího opisování ve složitých formulacích 

vědeckého žargonu patří podle mého názoru k zásadním 

přínosům této knihy. 

(z recenzního posudku) 

Mgr. Jan Zálešák, Ph.D., 

Brno 5. 3. 2009 

Nekonkrétní didaktika je pojem užitý v úvodu této monografi 

e, který zastřešuje publikovanou kolekci konkrétních, osobitých 

a jedinečných způsobů, jimiž je naplňována. Podobně jako 

profesor Jiří David zmiňuje Kleeovu didaktiku myšlení výtvarnou 

formou, kdy už sám způsob, jakým umělec tvoří, zahrnuje didaktický 

požadavek 1 , tak každý z autorů přináší vlastní sdělení 

i formu jeho vyjádření, a co toto mnohohlasí (přejato z textu 

Mgr. Jana Zálešáka, Ph.D.) pojí nejen knižní vazbou, je cesta 

tvořivého poznávání. Nekonkrétní didaktika nenabývá koncepce 

teorie výchovy a vzdělávání jako takové, užitý název slouží pouze 

jako výraz respektu a vzájemné tolerance mnohapohledovosti 

umělecky vnímané, prožívané, zprostředkovávané a žité vědomé 

zkušenosti a úcty k lidem, jež jí věnují své úsilí, pozornost 

a mnohdy kus sebe sama. 

Editorka publikace, 

Ashton – under – Lyne 15. 3. 2009 

1 David, J.: Století dítěte a výzva obrazů (eseje). Brno 2008, 

s. 167. 


OBSAH 

VESMÍRŮM 

Kenneth Hay Creativity, by the way... 5 

Ludmila Fidlerová Předznamenání Preface 10 

Jiří Havlíček …mimochodem dvě letmé vzpomínky k vlastní tvorbě… 12 

David Fišer Máš na míň! 19 

Alexander Bobkin Behind the visible image 22 

Marta Svobodová Co není možné vytvořit tak, že člověk ví proč a jak 26 

Dana Chatrná Soukromá souhvězdí 28 

Jan Bružeňák ml. Naplnění 30 

John Sims A long journey between islands 33 

Eva Kaličinská Bílý čtverec na bílém pozadí 37 

Michaela Mach Lady of Lemba 38 

Simon Kölle How do you become the teapot? 44 

Tomáš Valčik Mýtus o &Tomovi 46 

Martina Navrátilová Vodojemy 50 

Michal Maruška Mimochodem: Mediální dialog a spoluautorské dílo 52 

Lumír Seifert Krystal 56 

Veronique Chance The Artist in Residence Qualifi cation at Morley College, Lambeth, London 58 

Seetha Alagapan The Artist in Residence Course at Morley College, Lambeth, London 60 

SADŮM 

Hana Babyrádová Obrazy při cestě 65 

Michael Paraskos Me thn eykair«a 68 

Petr Veselý Záznamy 71 

Kateřina Václavková Mimochodem - tvoří předměty denní potřeby banální realitu? 75 

Eva Spěváčková Stručný příběh obrazů 78 

Jakub Havlíček Mimochodem... Cestou božstev 81 

Zuzana Kubovčáková Zenová kaligrafi a: tréning alebo umenie? 85 

Marcela Zemanová Líntime et le féminin dans lárt 88 

Lucie Bartoňková Instalace a recyklace. Duchovní svět neživých věcí v prostoru. 91 

Jan Karpíšek Kouzelná oskeruše 94 

Zachary Peirce Pripyat, A Soviet Pompeii 96 

Radek Čák Real - plener – Mondrian 98 

Martina Iblová Náhodná zastavení 100 

Eva Kokešová Svět je nádherná kniha, ale nemá cenu pro toho, kdo neumí číst 102 

Dana Puchnarová Předivo života - síla a moc barev 104 

Umění – živá škola duší (psáno pro studentky) 105 

Pure Colours and Forms in the Work of Dana Puchnarová 107 

Zuzana Strakošová Kdy bude ples? Využití nových médií ve výtvarných dílnách s mentálně postiženými 110 

Petr Kovář Druhý les 113 

Jiří Grossmann Načatá zpráva o přípravě výstavy, o synchronicitě a vlastně o něčem jiném 116 

Karel Žíla Konvice ze čtyř dílů 119 

Kamila Gojná Odkud přicházíme? Kdo jsme? Kam jdeme? / Where do we come from? 

What are we? Where are we going? 

121 

Alena Baisová Ab 123 

Tomáš Vrána Ateliér na Studánce 126 

Michal Žižka Pouliční tabulka a její vnitřní T 128 

Tereza Vyhnálková Odraz mojí skutečnosti 130 

Pavel Adamec Sníš o jarních zahradách 132 

Stanislav Ďuriš Vinohrad 134 

191 P 


TVORŮM 

Laura Williams By the way... I didn‘t tell you why it means so much to me 139 

Martin Mrskoš O kejklovném mimochození 142 

Michaela Jezberová … mimochodem všichni umělci si tak trochu hrají 145 

Róbert Makar Mimochodom mimo chod. O vzťahu Verejnosti a umenia 148 

Martin Vybíral Rozetmívání 151 

Pavla Strakošová Šperk jako individuum 154 

Pavel Strakoš Válení 156 

Ladislav Jezbera Co záleží na tom, kdo mluví? 158 

Lukáš Pevný Stickerky 160 

Barbora Lungová k mému výtvarnému mimochodem 162 

Markéta Matějková Děda Holoušek 164 

Jan Klimeš Tandem 167 

Jakub Lipavský Ukázky z tvorby 169 

Tabea Kießling Collage 171 

Blanka Růžičková Posbírané, zděděné či nalezené 174 

Tomáš Rybníček Cesta lesem 177 

Ondřej Navrátil Kontrast 179 

Klára Popelková Knihy Kláry Popelkové 181 

Drahomír Nantl 

a Zuzana Strakošová 

Využití grafi ckých technik k povrchové úpravě nábytku 183 

Barbora Svátková k Půlnočním ptákům 185 


Mimochodem / By the way 

Projekty, myšlenky a koncepty studentů a absolventů doktorského studijního programu 

na Katedře výtvarné výchovy PdF MU a odborných hostů 

Mimochodem / By the way 

Projects, thoughts and concepts of students and graduates of the Doctoral Degree Programme 

at Department of Art of Faculty of Education of Masaryk University and specialised guests 

Editorka: Mgr. Ludmila Fidlerová 

Spolueditorka: Mgr. et MgA. Barbora Svátková 

Vydala Masarykova univerzita roku 2009 

Návrh obálky: Lucie Bartoňková (s použitím reprodukce obrazu K půlnočním ptákům Edwarda Hoppera / 

To Edward Hopper’s Nighthawks Barbory Svátkové) 

Typografi cká úprava a sazba: Pavel Křepela 

Publikace neprošla redakční ani jazykovou úpravou v redakci nakladatelství 

Vydání první, 2009 

Náklad 300 výtisků 

Tisk a vazba: FinalTisk, s.r.o., Olomučany 

Pořadové číslo Pd-6/09-02/58 

ISBN 978-80-210-4825-6 

http://www.bytheway.org.uk

Bytheway - Pedagogická fakulta MU - Masarykova univerzita

You also want an ePaper? Increase the reach of your titles

Delete template?

Save as template?